Хореографы знаменитые россии: 12 имен российской хореографии

Негрустный дэнс: 10 классных современных хореографов

В воскресенье на Первом канале стартует новое танцевальное шоу «Dance Революция», в жюри которого будут артист балета Сергей Полунин, хореограф Алла Сигалова и певица Вера Брежнева. Создатели шоу убеждают, что такого мы еще не видели, хотя удивить чем-то в этом сегменте уже трудно, ведь формат танцевальных реалити довольно популярен в последнее время.

Впрочем, чтобы по-настоящему оценить отечественную хореографию, стоит не только включать телевизор, но и ходить на современные постановки. В нашей сегодняшней подборке предлагаем вам познакомиться с несколькими хореографами из России и СНГ, за которыми интересно следить.

Владимир Варнава

Бесспорно, это один из самых известных современных российских хореографов. Искусством танца Варнава был очарован еще в детстве: в возрасте пяти лет он увидел выступление Майкла Джексона.

Так как балетной школы в его родном Кургане не было, заниматься Варнава начал в детском театре современного танца. Тяга к искусству была так велика, что после окончания девятого класса Владимир отправился вслед за своими преподавателями в Ханты-Мансийск, где продолжил свое обучение.

У Варнавы вполне удачно могла сложиться и танцевальная карьера, о которой он, по собственному признанию, мечтал гораздо больше, но в какой-то момент художественный руководитель музыкального театра в Петрозаводске, где тогда работал Варнава, предложил ему попробовать себя и в роли балетмейстера.

Боевое крещение Владимир прошел в 2011 году, когда ему пришлось заменить финского хореографа, который должен был ставить в театре балет «Пульчинелла». Эта работа стала балетмейстерским дебютом Варнавы.

После этого он получил предложение поработать в Мариинском театре. В 2017 году постановка «Петрушка» принесла Владимиру победу на фестивале Дианы Вишневой Context, после чего он стажировался в труппе Каролин Карлсон во Франции. Сегодня Варнава много работает и в России, и за рубежом. Но его мечтой остается создание государственного театра современного танца в Санкт-Петербурге.

Я как хореограф сейчас ощущаю нехватку танцовщиков современного танца, в основном сталкиваюсь с недоученными балетными танцовщиками. Где-то учат на культурного деятеля, где-то на хореографа, где-то на народника, но мало где идет упор именно на современный танец,

— говорил Варнава в одном из интервью.

Хореография Варнавы всегда очень экспрессивна, очень графична, а движения выглядят порой резкими, рваными.

Владимир хорошо знаком и широкой публике: он сотрудничал с Чулпан Хаматовой и Театром наций (с Чулпан он сделал спектакль «УтроВечер», а в Театре наций отвечал за хореографию спектакля Максима Диденко «Цирк» с Ингеборгой Дапкунайте), дружит со скандально известным Сергеем Полуниным, был постановщиком балета «Айседора» для всемирно известной балерины Натальи Осиповой.

Но несмотря на явно большую, чем у других хореографов, публичность, главным в жизни Варнавы все-таки остается танец, а не светская жизнь.

Константин Кейхель

В 2010 году Константин Кейхель окончил Челябинский педагогический университет по специальности «педагог-хореограф» и в том же году стал лауреатом конкурса балетмейстеров «Вдохновение XXI века» в Калининграде и конкурса «Альтернатива» в Санкт-Петербурге.

После Кейхель окончил магистратуру Академии русского балета им. А. Я. Вагановой, делал постановки со студентами, а также создал собственную компанию современного танца «Акведук». Сегодня Константин работает не только как постановщик, но и как педагог: преподает современный танец в Академии танца Бориса Эйфмана. Его хореография всегда размашиста, с большой амплитудой движения.

Танцами Константин занимался с детства — в студию в родном Нижнем Тагиле он пришел в шесть лет и там же получил весьма разностороннюю подготовку: танцевал и народные танцы, и эстраду, и джаз.

В начале своей хореографической деятельности Кейхель подумывал уехать танцевать в Европу, но в итоге остался в России. Не хотелось надолго расставаться с женой, а также перевесила все-таки тяга именно к созданию постановок, а не участию в них.

Танцевать хореографию как таковую я не очень люблю. Я могу это делать, но процесс постановки гораздо интереснее,

— признается Константин.

Постановка Abandoned House

В портфолио Кейхеля — работы в разных театрах России, в том числе в Театре балета им. Л. Якобсона, пермском театре балета Евгения Панфилова, Екатеринбургском театре оперы и балета. В московском театре «Новый балет» он создал спектакли «Зимняя роза» на музыку Антонио Вивальди и «Унесенные» на музыку Джованни Соллимы и Йозефа Гайдна в переложении Константина Чистякова. В Большом театре в рамках молодежной программы «Лица» представил постановки «Комната ожиданий» и «Остров». В Мариинском театре в 2018 году поставил одноактный балет «Времена года» на музыку Александра Глазунова.

Я считаю, что самое важное, что должно быть у человека, — любознательность. Понятно, что нельзя объять необъятное… Но ведь это прекрасно, когда, приходя на спектакль современной хореографии, ты видишь историю и понимаешь, что в ней есть часть тебя, твоего мира. Для меня самое главное — это когда на спектакле ты получаешь какое-то магическое ощущение действа, происходящего на сцене. Волшебство, или как угодно это можно назвать: когда не хочется ничего говорить, хочется просто вдохнуть, взлететь куда-то,

— говорит о своей работе Константин.

Эрнест Нургали

Эрнест Нургали — хореограф и руководитель танцевальной компании Nurgali Dance Company, а также педагог по современному танцу и хореограф Студии Дианы Вишневой Context Pro. В 2018 году он и сам участвовал в конкурсе фестиваля российской балерины, где стал финалистом образовательной программы Mind and Movement (победа тогда досталась Павлу Глухову).

Эрнест с отличием окончил Тюменский колледж искусств по специальности «артист драматического театра и кино», поэтому в творчестве ему близки и жанр перформанса, и работа в драматическом театре.

Есть у Нургали и диплом по специальности «режиссер балета», который он получил в Санкт-Петербургской консерватории им. Н. А. Римского-Корсакова. Он также много стажировался за границей.

Хореография Нургали часто очень «вязкая» — плавные движения танцоров погружают зрителя в почти гипнотическое состояние.

Среди недавних заметных премьер Нургали — балет «Лес» на музыку Глеба Колядина, премьера которого состоялась в рамках Студии Дианы Вишневой в декабре 2019 года, а также спектакль «Глитч».

Это мой личный дневник, о котором захотелось прокричать, прошептать. Историй в нем много. Они приходят из снов, страхов, моей безмерной любви, из гнева и отчаяния, дружбы, общения с людьми, из отчуждения. Красота в нем разная: и созерцательная, и пугающая, манящая и гипнотическая. Из всего этого мы сотворили что-то очень особенное, во что каждый из создателей спектакля вложил свою душу,

— представил свою новую работу публике Нургали.

Дмитрий Масленников

Дмитрий Масленников несколько отличается от вышеперечисленных хореографов. Профессиональную известность ему принесли не фестивали современной хореографии, а телевизионный проект «Танцы на ТНТ». С первых же конкурсных этапов Масленников обратил на себя внимание своей манерой танца, которую считают очень эмоциональной и интеллектуальной, — его творчество называют «умными танцами».

Начинал заниматься танцами Дмитрий еще на Украине (он родился в Донецкой области и вырос в Крыму), современный танец затем изучал в Киевском университете культуры. На Украине же Масленников впервые попробовал свои силы в телевизионном танцевальном шоу «Танцуют все»: в двух сезонах он участвовал в качестве конкурсанта, а вот третий раз появился уже в качестве хореографа.

Этот талант в нем быстро рассмотрели и наставники шоу «Танцы на ТНТ». Ему даже выпал шанс станцевать сольный номер (обычно участники выступали парами), который он сам же и поставил. Впоследствии Масленников сам стал одним из педагогов-хореографов на шоу.

Танцы Масленникова — это всегда оголенный нерв: создается впечатление, что в нем задействована буквально каждая клеточка тела, а направление движения подчас меняется так резко, что, кажется, где-то тихонько покачиваются законы физики. При этом Дмитрий ловко миксует классические балетные прыжки с техникой модерна.

Сегодня он работает как балетмейстер, проводит мастер-классы для молодых танцовщиков, а также курирует собственные проекты DOM Dance Theatre и «Танцевальная лаборатория Димы Масленникова». Он также является хореографом мюзиклов «Летучий корабль», «Джумео» и «Чайка».

Максим Петров

Пока некоторые хореографы начинают свой путь с маленьких сцен, Максим Петров в 21 год уже получил в свое распоряжение сцену Мариинского театра. Петров получил классическое образование в Академии русского балета им. А. Я. Вагановой, но стремительная карьера танцовщика у него не задалась.

В первый рабочий день я пришел в театр, и все новые артисты труппы отправились разучивать роли, а меня послали сразу на сцену — стоять полтора часа с копьем во время оперного спектакля,

— вспоминал Максим в интервью изданию «Собака».

Максим Петров

Год он фактически проработал в мимансе, в свободное время разучивая репертуар театра и по случаю подменяя артистов кордебалета, пока не набрался смелости и не пошел говорить с руководителем балетной труппы. После этого Петрова перевели в кордебалет — сольных партий в его репертуаре не появилась, но инициативность молодого танцовщика окупилась другим образом.

В театре Максим поделился своим замыслом поставить балет Cinéma на музыку Эрика Сати, с которым он хотел участвовать в Творческой мастерской молодых хореографов. Танцовщику разрешили постановку.

Будучи сам классическим танцовщиком, в своих постановках Петров стремится соблюсти четкий рисунок танца и наполнить постановку эффектными групповыми номерами.

Если бы у меня не получилось начать заниматься хореографией здесь, в Мариинском театре, я все равно пытался бы пробовать себя в качестве постановщика, но путь мой был бы в десять раз более тернистым,

— признавался он.

Сегодня Петров — один из самых известных хореографов на российской сцене, в чьем портфолио довольно громкие проекты. Например, балет «Мечтатели», который он создал вместе с Владимиром Варнавой и Ильей Живым на музыку Daft Punk. Работает Максим и за рубежом — в 2018 году как хореограф дебютировал в Балете Атланты постановкой Сoncerto Armonico на музыку Александра Черепнина.

Лилия Бурдинская

«Лилия Бурдинская из поколения молодых хореографов, формирующих реальность российского современного танца», — так пишут о хореографе критики.

Лилия училась в школе классического балета им. Николая Легата и лондонской школе современного танца The Place, лауреат Гран-при фестиваля «Context. Диана Вишнева» за постановку Forest. У Бурдинской есть своя танцевальная компания, кроме того, она является основательницей Центра современного танца ByeBye Ballet.

Ее авторский почерк узнаваем: это и специфические движения, требующие от артистов особой физической подготовки, и синтез самых разных искусств на сцене. В постановках используются голос (тексты Бурдинская, кстати, часто пишет сама), музыка, видеопроекции.

Именно в современном танце я нашла тот отклик моего внутреннего мира. Я вот иногда говорю, что без танца, именно этого танца, я была бы глухонемая, потому что через него я действительно говорю. Там я развиваю свой язык, и я чувствую, что этот язык разделяется еще другими танцовщиками. Поэтому для меня современный танец — это собеседник и современник зрителя,

— говорит о своей работе Лилия.

Одной из нашумевших и впечатливших зрителя постановок стала «Офелия в бинтах», где хореограф постаралась раскрыть шекспировскую героиню с разных сторон. Еще одна заметная работа Бурдинской — спектакль «Распад атома» с участием Алисы Хазановой, который был показан в рамках Дягилевского фестиваля. А по личному приглашению Теодора Курентзиса она поставила одноактный балет с восемью певцами «Узел» на сцене Пермского театра оперы и балета.

Екатерина Решетникова

Екатерина Решетникова — имя, также хорошо знакомое тем, кто больше следит за танцевальным искусством по телевизору, а не на театральных площадках. Широкую известность она получила благодаря проекту «Танцы на ТНТ», где была одним из педагогов-хореографов в команде Мигеля.

Но свою карьеру в телепроектах Екатерина начала строить еще раньше: она участвовала в проекте «Звезда танцпола» на MTV (победа ей не досталась, зато она получила приглашение в коллектив Сергея Мандрика Street Jazz), а также являлась педагогом-репетитором на шоу «Фабрика звезд — 6».

Решетникова много работает с отечественными артистами, ставя танцы в клипах и для эстрадных номеров. Так, она была хореографом группы «Серебро», Бьянки, Елки, Елены Темниковой и других. Вместе с Гариком Рудником Решетникова также была режиссером-постановщиком шоу Ляйсан Утяшевой Bolero. Екатерина также активно преподает, в том числе и для детских групп.

Ее хореография близка к уличным стилям вроде хип-хопа с легким эстрадным глянцем, который придает выступлениям зрелищности.

Ольга Лабовкина

Ольга Лабовкина в 2002 году окончила Гродненский государственный колледж искусств по специальности «хореографическое искусство», а в 2013 году — магистратуру Академии русского балета им. А. Я. Вагановой. Свою танцевальную карьеру Ольга начинала в группе современной хореографии «Тад» при Гродненской областной филармонии.

В 2008 году Ольга создала театр танца Karakuli в Минске. Труппу приглашали на выступления в Швецию и Италию, кроме того, спектакли театра были показаны в рамках фестиваля «Золотая маска». В 2018 году группа распалась.

Я была выжата. Я занималась всем: и хореографией, и организацией, и танцем. В какой-то момент я поняла, что это перебор,

— рассказывала Ольга в интервью немецкой газете Giessener Allgemeine.

Стиль Лабовкиной похож на своеобразный эффект домино: последовательные движения танцоров, следующие друг за другом, «сцепляются» в единое полотно танца.

Сегодня Лабовкина работает в качестве независимого хореографа с разными коллективами. В конце прошлого года в Германии состоялось сразу несколько премьер: Ольга выступила хореографом-постановщиком спектакля Jagen в Гиссене.

Ольга Васильева

Ольга Васильева училась на отделении хореографии Ленинградского областного колледжа культуры и искусства, а также окончила Академию русского балета им. А. Я. Вагановой по специальности «балетмейстер». Карьерным трамплином для нее также стал фестиваль современной хореографии Дианы Вишневой, где в 2016 году Ольга получила Гран-при.

Победа позволила ей пройти стажировку в Израиле в школе Maslool Professional Dance Program в Тель-Авиве. В качестве танцовщицы Ольга принимала участие в постановке Лилии Бурдинской Forest, а также танцевала дуэт с Владимиром Варнавой в фильме Анны Кучерявой «Сад».

Сегодня Васильева больше сосредоточена именно на работе постановщиком, хотя иногда подменяет танцовщиц в своих собственных постановках. Например, во время гастролей с балетом The Room в Голландии в 2017 году она исполнила партию, которую изначально исполняла Полина Митряшина.

В ее хореографии смешиваются самые разные виды движений: тут можно увидеть не только разученные па, но и спортивные прыжки, и какие-то по-бытовому неловкие жесты.

На мой взгляд, сложно соединять постановочную деятельность и исполнительскую. Преклоняюсь перед теми, кому удается,

— говорила она в интервью Harper’s Bazaar.

В рамках творческих лабораторий молодых хореографов Мариинского театра Ольга создала постановки «Многословность» на музыку Нильса Фрама и Макса Рихтера, «Фламинго» на музыку П. И. Чайковского, а также поставила спектакль «Мы» для танцевальной труппы Воронежского Камерного театра.

Софья Гайдукова

Софья Гайдукова хорошо известна и как танцовщица, и как постановщик. 14 лет она была солисткой театра «Балет Москва». В отличие от многих артистов, чьи семьи совершенно не были связаны с миром искусства, Софья из балетной семьи — она внучка знаменитой балерины Софьи Николаевны Головкиной.

Гайдукова с отличием окончила Московскую государственную академию хореографии (училась она, кстати, в одном классе с Анастасией Винокур и Екатериной Крысановой). Директором в тот период была ее бабушка, но от любого шлейфа знаменитого родства и приставки «внучка Головкиной» Софья, кажется, стремилась избавиться, хотя и честно говорила, что без протекции бабушки не обошлось.

Видимо, меня взяли по блату. И медкомиссию я тоже не прошла, потому что пальцы на ногах у меня были не того размера. У меня второй, третий и четвертый — одинаковой длины. Это плоскостопие развивает, вроде так говорили. В общем, каким-то образом, не знаю (хотя, конечно, знаю) я попала в училище,

— вспоминала Софья свое поступление в интервью сайту No fixed points.

В итоге можно сказать, что ей, в общем-то, удалось доказать то, что она в мире балета — самостоятельная единица. В 2017 году Гайдукова ушла из «Балета Москвы» — точнее, с ней просто не продлили контракт. Зато у танцовщицы появилось время вплотную заняться современным танцем, которым она увлеклась.

Как постановщик она стала работать в паре с Константином Матулевским — их спектакль был номинирован на «Золотую маску». Вместе ставить они начали еще на сцене театра «Балет Москва» и продолжают вместе работать сегодня. В прошлом году они поставили «ИшТаб» — танцевальный спектакль с куклами.

Хореография Гайдуковой и Матулевского всегда довольно интенсивна, а задействованы оказываются все плоскости: танцуют не только стоя на ногах, но и лежа на сцене.

С 2011 года Софья также преподает современный и сценический танец на балетмейстерском, режиссерском и актерском факультетах ГИТИСа.

А вам интересна современная хореография?

Современный танец в России / хореографы / проекты

                                                                                                                                         #contemporaryinrussia

#choreographers

#performance

современный танец в России

имена / проекты

Баганова Татьяна

Екатеринбург, весь мир.

Что сделала: поддерживала имидж развивающегося современного танца в России тогда, когда многие современные хореографы еще только в танцевальные кружки ходили. Руководит знаменитым коллективом «Провинциальные танцы» в Екатеринбурге.

Что посмотреть: «Макбет. История любви», 

«Имаго-ловушка»

Варнава Владимир

Москва, Санкт-Петербург, США. Самый известный хореограф молодого поколения.

Что сделал: убил Моцарта в своей постановке тархуном; поставил балет «Петрушка» с Дианой Вишневой в центральной роли; и главное — уверенно представляет за границей российский современный танец.

Что посмотреть: «Ткани»,

«Айседора»

Глухов Павел

Москва. Молодой хореограф с прекрасным чувством юмора.

Что сделал: несмотря на получение немодной премии «Душа танца», выдаваемой журналом «Балет», поставил несколько (и продолжает это делать) вполне себе модных работ. Одна из последних — про то, что было бы, если бы древнегреческие боги были похожи на нас.

Что посмотреть: «Миф»

Кайдановский Андрей

Москва, Вена. Новое российское имя в европейском современном танце.

Что сделал: поставил пару работ на сценах двух крупнейших театров Москвы и получил приглашение на большую постановку в Музыкальный театр им. Станиславского и Немировича-Данченко. Но журналистам до сих пор интересен как сын Александра Кайдановского. Живет в Вене.

Что посмотреть: «Кайдановский»,

«Славянский темперамент»

«Онэ Цукер»

Москва. Команда под предводительством Тараса Бурнашева более 10 лет работающая на стыке театра, перформанса и современной хореографии.

Что сделали: стали самыми частыми представителями танцевальной культуры на фестивалях современного искусства и перформанса.

Что посмотреть: «Красный квадрат», «Поезд уходит по расписанию», «Cloud of Me»

Пепеляев Александр

Весь мир. Человек, которому современный танец обязан многим.

Что сделал: создав более двадцати лет назад свою труппу «Кинетик», стоял у истоков легендарного ЦЕХа, который существует и по сей день как главная площадка Москвы, где можно свободно изучать современный танец.

Что посмотреть: «Кафе Идиот»

Пона Ольга

Челябинск

Что сделала: много лет работала на то, чтобы о российском современном танце не стыдно было упоминать в Европе. Создала одну из лучших танцевальных трупп в России. Не поверите, в Челябинске.

Что посмотреть: «Картон», «Теоретическая модель абсолютной свободы»,

«Несинхронно»

Севагин Максим

Москва, Санкт Петербург. Артист балетной труппы Музыкального театра им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко.

Что сделал: В 2015 г. создал хореографию для модного показа новой коллекции петербургского дизайнера Т. Парфеновой. Осуществил постановки балетов «Болеро» и «Домино». Показы прошли на сцене Московского международного Дома музыки. Поставил балет «Воробьиное озеро» на сцене БДТ им. Г.А. Товстоногова в Санкт-Петербурге, для Фестиваля русского искусства в Довиле (Франция) создал номер «Не концерт».

Что посмотреть: «Точка пересечения», «Лето. Вивальди»

Хусейн Дина

Москва, Петербург. Связующее звено между современным танцем России и Европы. Перформер, хореограф, куратор с отличным европейским образованием и проектами.

Что сделала: российский проект «СОТА» («Современный Танец»), в который уже который год умудряется приглашать топовых европейских героев современной хореографии.

Что посмотреть: показы проекта «СОТА». СОТА — это пространство исследования, теории и практики создания работ в области современного танца и перформанса.

Чижикова Татьяна

Москва. Хореограф номер один из новых и еще не раскрученных. Сама себя при этом называет «не-хореографом».

Что сделала: поставила несколько очень удачных спектаклей ровно для того, чтобы после каждого из них резко изменить направление движения. Привыкнуть к тому, что она делает, нельзя, а наблюдать — очень рекомендуется.

Что посмотреть: «Градостроительство»,

«Dialogia»

 

27.07-28.07 на площадке Флакон, Хлебзавод пройдет фестиваль современного искусства ФОРМА 2019. Более 40 концертов, перформансов и коллабораций. Свои работы представят Владимир Варнава, Татьяна Чижикова и другие хореографы, музыканты, арт исполнители.

Источники:

^{сайт проекта Яндекс «Я в Театре», «12 имен российской хореографии», Вита Хлопова}

^{сайт Екатеринбургского Театра Современной Хореографии, Спектакли, Имаго-ловушка}

^{сайт студии танца Palestra Dance, преподаватели}

^{новостной сайт Ballet24, интервью Андрей Кайдановский: «Балет — это ужасно интересно для любого человека». Александра Баранова, 14.06.2018}

^{сайт Культура Екатеринбурга, Диалог с Александром Пепеляевым, текст: Елена Азанова, фото: Алексей Патентный, 08.02.2018}

^{сайт Челябинского театра современного танца, спектакли Ольга Пона, Несинхронно}

^{Он-лайн журнал La Personne, статья «Код танца Владимира Варнавы», фото: Ира Яковлева, интервью: Ульяна Романова, 21.05.2018}

^{сайт проекта Точка пересечения, хореографы, Максим Севагин, Просвещение, 2019}

^{Образовательный проект фестиваля «Золотая маска», Институт театра, Лаборатории, СОТА — мастерская новых форм танца, 01.03-30.04.2015}

^{сайт Центра современного танца ЦЕХ, Татьяна Чижикова, Летняя школа танца ЦЕХ, 2016}

^{сайт Фестиваля Форма 2019}

Современный танец: главные российские танцовщицы и хореографы

Анна Щеклеина этой весной номинируется на «Золотую маску» за одноактный балет «Лилит» про первую женщину, восставшую против табу и изгнанную из рая. Ломать стереотипы Анна, которая в 2010 году вместе с однокурсником Александром Фроловым создала в Екатеринбурге танцевальный проект Zonk’a, училась на стажировках во Франции и Америке и до сих пор большую часть года проводит в разъездах. «Бельгийский режиссер Пол Хейварт нам, тогда еще выпускникам (факультета современного танца в Гуманитарном университете Екатеринбурга. — Прим. Vogue), сказал: «Вам надо вытащить Советский Союз из головы, чтобы выйти на сцену такими, какие вы есть». В России даже в более свободном, чем балет, современном танце принято смотреть на эталон, подстраиваться под него. А там индивидуальность, личность ценны сами по себе. И если появляется какой-то образец, его надо скорее сбросить с пьедестала».

На Анне: платье, Viva Vox. На Александре: брюки, Odor

Софья Гайдукова училась классике в столичной Академии хореографии под присмотром бабушки-ректора. Танцевала contemporary в «Балете Москва». Теперь ставит спектакли в Москве, Самаре и Воронеже, курирует проект «Большой балет» на канале «Культура», отвечает за танцы в «Золушке» Евгения Плющенко и, смеясь, сравнивает работу хореографа с древнейшей профессией, потому что надо быть готовым выполнить любой заказ: от па-де-де на музыку Прокофьева до индийского танца. Самый свежий эксперимент Софьи — работа с ростовыми, скрученными из прозрачной пленки куклами для спектакля «ИшТаб». «В танце я могу все контролировать. То, как у меня поднялась нога, зависит только от того, хорошо ли я позанималась. И с партнером можно совладать. А куклы живут сами по себе. Развязываются, поворачиваются спиной, не хотят подниматься. Нужно думать и о своих движениях, и о кукле. Голова взрывается, зато безумно интересно».

На Софье: тренч, Odor. На Александре: топ, шорты, все Odor

Ольга Васильева — выпускница педагогического факультета Академии Вагановой и победительница конкурса молодых хореографов фестиваля Context (2016) — начала год с подростковых проблем: любовь, стремление к независимости от родителей, поиски себя. В московском ТЮЗе вышел мюзикл на песни группы SunSay «Пять шагов до тебя», где Ольга ставила танцы. «Танцовщики воплощают внутренний мир главного героя, молодого музыканта. Там есть хип-хоп и рок-н-ролл, есть нежные, трогательные моменты, а есть полный отрыв — очень много разных красок. Как, наверное, и во мне самой».

На Ольге: платье, J.Kim. На Елене: рубашка, J.Kim

Елизавета и Мария Жуковы — «мы двойняшки, не близняшки» — заглянули на съемку Vogue на полпути из родного Салехарда, где Лиза ставила детский спектакль, в Амстердам, где они работают и преподают хореографию на подготовительном отделении в Академии искусств. До этого они приезжали в столицу осенью — показать на фестивале Context созданную специально для него работу Inner. «Все началось с индийского гороскопа, который делится не на месяцы, а на более мелкие отрезки. Там очень много животных: тигр и тигрица, олень и олениха, змея, дракон, кот, лиса… Мы смотрели YouTube, изучали их повадки. Особенно сильно нас заинтересовал богомол. Но в целом нам была интересна связь человека и природы. Мы же сами животные, но постепенно теряем связь с природой». Каково работать с сестрой? «Можно не ходить вокруг да около, а говорить все напрямую, — смеются Жуковы. — Потом искать компромисс».

На Елизавете и Марии: платья, все Nina Donis

В послужном списке Иры Га есть и работа в ансамбле Игоря Моисеева, и хореография для проекта «Танцы со звездами», но больше всего в нем спектаклей. «Конармия» и «Чапаев и Пустота» Максима Диденко, «Сван» и «Зарница» Юрия Квятковского — все Ириных рук, ног и головы дело. «В театре хореографу нужно создать персонажа, и тут важна не столько даже пластика, сколько мысль. Поэтому ты должен быть не просто человеком, который занимается телом артиста, ты должен быть готов и про ядерную физику с ним затереть», — рассказывает Ира. И, судя по тому, как она описывает намеченный на осень проект в клубе Mutabor с режиссером Андреем Стадниковым, Га явно способна поддержать разговор о чем угодно и связать между собой явления из вроде бы непересекающихся вселенных. «Это будет история по мотивам «Ночи» Антониони. Зрители сидят в темноте, а на экран транслируется запись с камеры ночного видения, которая бродит по закоулкам клуба и может встретить персонажей Мамлеева, вроде Петеньки, который сам себя съел. При этом вокруг зрителей или под стульями тоже могут двигаться артисты. Будет такой хоррор, встреча с невидимым».

На Ирине: платье, Viva Vox

Анна Абалихина, лауреат «Золотой маски» 2015, этой весной выдвинута на нее сразу в двух категориях. В номинации «Современный танец» заявлена «Спящая красавица» из «Гоголь-центра», которую Анна поставила и танцует вместе с Иваном Естегнеевым. А на оперную «Маску» претендует проект Пермского театра оперы и балета и фестиваля «Территория» «Закрой мне глаза», стирающий грань между вокальным искусством и танцем. «Это было поле чистейшего эксперимента, особенно ценного в наше время, — говорит Анна. — В сегодняшних реалиях, выглядывая в окно, ты совершенно не понимаешь, как тебе жить и как, простите, сочинять свои танцы. Вопрос «В чем смысл?» такой банальный, но такой острый. Сейчас мы все следим за театральным делом, за московским делом, взоры устремлены в суды.  Они сильно изменили ландшафт — не только внешний, но и внутренний. Все обесценилось. В этих обстоятельствах нужно искать новые формы и ответы: где твоя правда, на что ты опираешься? Я нашла для себя термин «новая чувственность» и уцепилась за него как за соломинку. Если раньше ты был настроен на создание продукта, результат, успех, то сегодня имеет значение только «здесь и сейчас». Важно то, что ты переживаешь в студии, во время репетиций, на сцене. Это правдивые, мощные эмоции».

На Анне: тренч, Chapurin; перчатки, Viva Vox; ботильоны, N.Early N.Aked

Ольгу Тимошенко, танцовщицу «Балета Москва», прекрасно помнят смотрительницы Третьяковской галереи. Летом 2017-го они с мужем и соавтором Алексеем Нарутто целовались в зале на полу, а сверху на них с картины, известной в народе как «Два вождя после дождя», смотрели Сталин и Ворошилов. Перформанс художника Тино Сегала Kiss длился почти три часа, в это время партнеры все время менялись гендерными ролями. «Очень интересно проследить, сколько в тебе мужского, — говорит Ольга. — Преподавая, я часто даю девушкам силовые упражнения, чтобы не было вот этого «я красивая, как балерина», а была энергия сексуальная, веселая, природная». Новый спектакль Ольги и Алексея «Туннель памяти голодного лиса» в Театре наций основан на поэзии оттепели и тоже говорит про высвобождение энергии, теперь уже социальной.

На Ольге: юбка, Rogov. На Александре: брюки, Rogov

Фото: Nikolay Biryukov; стиль: Alexander Zoobrilin; прически: Margarita Khanukaeva; макияж: Julia Rada for Shiseido; маникюр: Natalia Kotova/The Agent; ассистенты фотографа: Алексей Салтыков, Евгений Андреев/Kometa Rent; ассистенты стилиста: Darya Baskova, Ekaterina Kemisheva; ассистент парикмахера: Ketino Chubinidze; ассистенты визажиста: Alisa Kazakova, Yaroslav Grekhov; продюсер: Magda Kupreishvili; ассистент продюсера: Danil Belobraga. Редакция выражает благодарность Aglomerat за помощь в проведении съемки. 

Хореографы всех стран, соединяйтесь – Газета Коммерсантъ № 89 (7051) от 27.05.2021

На Новой сцене Большого театра продюсерская компания MuzArts представила программу «Postsсript», объединившую самых знаменитых хореографов нашего времени и лучших артистов труппы Большого. Этот проект стал гвоздем всего российского балетного сезона, считает Татьяна Кузнецова.

Пандемия иногда выкидывает удачные коленца: в одном проекте собираются знаменитости, которых в мирное время трудно заполучить и порознь. «Postscript» представил целую россыпь российских премьер и звездных хореографов, каждый из которых может составить честь любому театру. Примечательно (и важно для конечного результата), что вопреки запертым границам всем авторам удалось проконтролировать постановочный процесс — кому дистанционно, а кому (как тандему Леон—Лайтфут, приехавшему в Москву на месяц) и непосредственно в залах.

Как ни странно, главный козырь программы — эксклюзивный дуэт «Макгрегор+Мюглер», поставленный специально для примы Большого Ольги Смирновой и впервые показанный в Лондоне в конце 2019 года,— оказался битым. Знаменитый кутюрье, впервые выступивший в роли балетного художника, не учел разницы между театром и подиумом, между дефиле и танцем — костюмы его фантастических персонажей надо рассматривать вблизи. Из зрительного зала их золотые и серебряные детали казались сделанными из фольги и ослепляли в буквальном смысле. К тому же объемные сияющие шлемы и маски-личины, полностью закрывавшие лица Ольги Смирновой и Дениса Савина, явно мешали им танцевать. Трудно сказать, насколько Уэйн Макгрегор был скован этими аксессуарами, но его хореография (на электронную музыку искусственного интеллекта, натренированного композитором Холли Херндон) выглядела непривычно банально, чтобы не сказать скудно.

Разительный контраст претенциозной премьере составил «Фавн», один из лучших балетов Сиди Ларби Шеркауи, поставленный им к столетию Дягилевских сезонов. На голой сцене, одетый лишь в прозаичные плавки, премьер Большого Вячеслав Лопатин танцевал с ошеломляющей пластической роскошью — его всемогущее тело казалось физическим воплощением чарующей истомы музыки Дебюсси. Партерный дуэт замечательной силы и тонкости, построенный на немыслимых переплетениях тел и точных эмоциональных реакциях (в роли Нимфы Анастасия Сташкевич аккомпанировала партнеру-мужу с отвагой и необходимой здесь пластической экзальтацией), Большой театр заприметил еще несколько лет назад. «Фавн» Шеркауи с великолепным Лопатиным пару раз прошел на Новой сцене в рамках проекта «Пьеса для него», вызвал восторг профессионалов и балетоманов, однако не был включен в репертуар — и теперь эта потеря выглядит прискорбной оплошностью.

Во втором отделении царила неоклассика. 15-минутный балет «Воспоминание о дорогом месте» на музыку Чайковского Алексей Ратманский поставил девять лет назад в Амстердаме. Но артисты Большого прожили перипетии сложносоставного pas de quatre с такой полнотой и технической уверенностью, будто он сочинен специально для них. В этой бессюжетной композиции Ратманский будто составил дайджест собственных главных тем, мотивов, типичных образов и конкретных движений-знаков: разделенной и неразделенной любви, разлук и встреч, человеческих типов, отношений и эмоций. Но это именно обзор, а не пазл из готовых блоков: в балете, чертовски изощренном по форме, Ратманский перемешал классические структуры (антре, кода, мини-вариации) со своими фирменными приемами (вроде хореографического канона в параллельных дуэтах или актерского обыгрывания одинаковых комбинаций). Российские артисты такое любят: Екатерина Крысанова, Ольга Смирнова, Артемий Беляков умело акцентируют перекрестье взглядов, смятенье пробежек и разницу в интонировании классических па. Итальянцу Якопо Тисси это непривычно: его герой-любовник куда однозначнее, чем страдающий от неразделенной любви персонаж Вячеслава Лопатина (он танцует эту партию во втором составе).

Завершал программу «Postscript» на музыку Филипа Гласса, поставленный Соль Леон и Полом Лайтфутом в 2005 году на гребне их балетмейстерских триумфов в NDT,— тоже про любовь, ее смерть и память о ней. И тоже квинтэссенция стиля хореографов. Все бескомпромиссно черно-белое — декорации, костюмы; контрастные темпы, контрастная пластика. Белое трио, открывающее балет (Анастасия Денисова, Вячеслав Лопатин и Артур Мкртчан, все — в одинаковых белых брюках), сопровождают лихорадочные пассажи скрипки Анны Яновской. Это прошлое героев, история их любви — интенсивная пластика, почти гротескная в своей максимальной амплитуде, бытовые движения (вроде опрокидывания стаканов) отточены до танцевальных знаков. Разрыв подчеркнут мизансценой: он и она, упершись лбами, составили из своих тел «домик», третий, скрючив тело в судороге, окоченел на полу у их ног. Вторая часть балета — два лирических дуэта, полных тоски, муки и тщетной надежды, идут под рояль Алексея Мелентьева; и Денис Савин с Екатериной Крысановой, и Ольга Смирнова с Артемием Беляковым танцуют их с такой тонкой красотой и печальной мечтательностью, что смерть любви выглядит привлекательнее ее существования.

У этого замечательного вечера был единственный недостаток: его «одноразовость». Есть, конечно, шанс, что эксперты «Золотой маски» включат эти балеты в список номинантов — тогда их можно будет увидеть еще разок. Но куда важнее и полезнее (и для зрителей, и для самих артистов), если бы Большой театр, оказавший поддержку проекту своего бывшего солиста Юрия Баранова (MuzArts — его детище), поддержал бы «Postscript» и в будущем, время от времени впуская его на свою сцену.

17–18 ВЕКА • Большая российская энциклопедия

17–18 века

Первым балетным спектаклем в России считается поставленное шведом Н. Лимом в 1675 в «Комедийной хоромине» подмосковного с. Преображенское, вотчины царя Алексея Михайловича, танцевальное представление «Балет об Орфее» (предположительно с музыкой Г. Шютца). В 1-й пол. 18 в. балетные сцены исполнялись периодически в придворных спектаклях, включавших также декламацию, инструментальную музыку и пение. В 1738 в С.-Петербурге была открыта первая балетная школа (ныне Академия рус. балета им. А. Я. Вагановой), возглавляемая французом Ж. Б. Ланде (среди хореографов школы – итальянец А. Ринальди по прозвищу Фоссано), который воспитал первых известных рус. артистов – Т. С. Бубликова, А. С. Сергееву, А. Т. Тимофееву, А. Я. Топоркова. В Москве обучать балетным танцам начали в 1773 в Воспитательном доме. В 1806 создано Моск. театральное уч-ще, гл. предметом которого стал танец (ныне Моск. академия хореографии). Моск. Большой театр ведёт свою родословную от организованной в 1776 антрепризы англичанина М. Г. Медокса и кн. П. В. Урусова.

Начиная с 1760-х гг. рус. балет развивался в общем русле театра классицизма. В кон. 18 в. в Москве работали хореографы Ф. Морелли, П. Пинючи, а также Дж. Соломони, перенёсший сюда ряд балетов Ж.Ж. Новерра и поставивший в 1800 в Москве под названием «Обманутая старуха» знаменитую «Тщетную предосторожность» в хореографии Ж. Доберваля. В С.-Петербурге во 2-й пол. 18 в. иностранные балетмейстеры Ф. Хильфердинг, Г. Анджолини, Дж. Канциани, Ш. Ле Пик знакомили рус. артистов с достижениями европейской хореографии. В 1783 в С.-Петербурге открылся первый публичный театр – Большой (Каменный), где наряду с иностранными балетмейстерами в 1790-х гг. работал и первый рус. хореограф И. И. Вальберх, утвердивший в своих постановках принципы сентиментализма. Начала формироваться и исполнительская манера русских балетных артистов, основанная на итальянской и французской танцевальных школах, но получившая нац. окраску под влиянием рус. народного танца.

Лучшие хореографы Москвы с отзывами и фото

Айкидо

Аквааэробика

Акробатика

Армрестлинг

Аэробика

Бадминтон

Балет

Баскетбол

Беговые лыжи

Бильярд

Бодибилдинг

Бодифлекс

Бои без правил

Бокс

Большой теннис

Велоспорт

Вин-чун

Водное поло

Волейбол

Вольная борьба

Главный тренер

Гольф

Горные лыжи

Гребля

Греко-римская борьба

Дайвинг

Джиу-джитсу

Дзюдо

Ems тренировки

Инструктор групповых программ

Инструктор по альпинизму

Инструктор по кайтсёрфингу

Инструктор по сноуборду

Инструктор по спортивной рыбалке

Инструктор по стрельбе

Йога

Калланетика

Капоэйра

Карате

Кендо

Кикбоксинг

Кобудо

Конный спорт

Кроссфит

Кудо

Лёгкая атлетика

Микс файт

Народные танцы

Настольный теннис

ОФП

Пауэрлифтинг

Пилатес

Плавание

Pole dance

Преподаватель хореографии

Ритмика

Рукопашный бой

Самбо

Самооборона

Синхронное плавание

Скалолазание

Сквош

Сноуборд

Спортивная гимнастика

Спортивные танцы

Стретчинг

Тайский бокс

Тайцзицюань

Тренер по авиационному спорту

Тренер по автоспорту

Тренер по аквааэробике

Тренер по акробатике

Тренер по армрестлингу

Тренер по бадминтону

Тренер по баскетболу

Тренер по биатлону

Тренер по бильярду

Тренер по бодибилдингу

Тренер по боевым искусствам

Тренер по большому теннису

Тренер по вейкбордингу

Тренер по велоспорту

Тренер по водному поло

Тренер по волейболу

Тренер по гребле

Тренер по жиму лёжа

Тренер по конькобежному спорту

Тренер по лыжному спорту

Тренер по лёгкой атлетике

Тренер по многоборью

Тренер по настольному теннису

Тренер по пауэрлифтингу

Тренер по плаванию

Тренер по подводному спорту

Тренер по роллер-спорту

Тренер по синхронному плаванию

Тренер по скалолазанию

Тренер по скейтборду

Тренер по спортивной гимнастике

Тренер по танцам

Тренер по тяжёлой атлетике

Тренер по фигурному катанию на льду

Тренер по футболу

Тренер по хоккею

Тренер по художественной гимнастике

Тренер по чирлидингу

Тренер тренажёрного зала

Тхэквондо

Тяжёлая атлетика

Ушу

Фехтование

Фигурное катание

Фитбол

Фитнес

Фитнес-консультант

Фитнес-тренер

Футбол

Хоккей

Хореограф

Художественная гимнастика

Цигун

Шахматы

Шейпинг

пятый Международный фестиваль современной хореографии

«Майко: танцующее дитя»

Режиссер: Осе Свенхейм Дривенес

Страна: Норвегия

Год: 2015

18+

Фильм «Майко: танцующее дитя» рассказывает о девушке, чья судьба была предопределена еще до ее рождения. Имя «Майко» означает «танцующее дитя». Мать девочки продала семейный дом, чтобы отправить четырнадцатилетнюю Майко в одну из самых престижных танцевальных школ Европы. Майко знала, что не сможет вернуться в Японию, — это означало бы поражение. Сегодня ей 32 года, и она прима-балерина труппы Норвежского национального балета.

«История балерины»

Режиссер: Нельсон Джордж

Страна: США

Год: 2015

18+

Немногим танцорам удается взойти на вершину балетного пьедестала. Лишь крупица из этого небольшого числа — темнокожие. Мисти Коупленд родом из небольшого городка Сан-Педро в Калифорнии смогла пройти путь от стажера Американского театра балета к танцовщице кордебалета, став затем солисткой театра.

Единственная ступенька этой карьерной лестницы, которая пока осталась непокоренной, — статус ведущей танцовщицы, или примы-балерины.

Кульминацией картины становится эпохальное выступление Мисти в «Лебедином озере», которым Американский театр балета признал, что она вернулась и снова может танцевать на высочайшем уровне. Этот спектакль также воплотил мечты многих зрителей увидеть настоящего черного лебедя в крупной международной балетной труппе. «История балерины» — это рассказ о том, как выдающийся талант и сильная воля могут открыть двери даже в очень замкнутом мире.

«Ингмар Бергман глазами хореографа»

Продюсеры: Ингмар Бергман — младший, Мари-Луиз Сид-Силвандер

Страна: Швеция

Год: 2016

18+

Четыре самых известных шведских хореографа посетили дом Ингмара Бергмана на острове Форё для исследования его творчества и поиска вдохновения. Результатом их работы стал уникальный танцевальный фильм «Ингмар Бергман глазами хореографа».

Знаменитые шведские хореографы Александр Экман, Пер Исберг, Понтус Лидберг и Иоаким Стефенсон вместе с ведущими солистами Шведского королевского балета, такими как Дженни Нильсон, Натали Нордквист, Оскар Саломонссон и Надя Селлрап, интерпретируют творчество Ингмара Бергмана в четырех уникальных спектаклях, исследующих человеческие отношения и сильные чувства. Работы связаны между собой образами природной красоты острова Форё и поэтичным местом Хаммарс, где жил Бергман. Хореографы использовали слова самого Бергмана, в частности его размышления о движении и музыке.

В своих фильмах Ингмар Бергман выступал не только в роли режиссера, но и в роли хореографа. Он разрабатывал утонченный хореографический язык: прекрасные движения головы, руки и глаз, обнажающие страдания и болезненные переживания близких человеческих отношений. Хореография Бергмана трансформировала непроизнесенные слова в движения.

Сын режиссера, Ингмар Бергман — младший, участвует в этом проекте в роли исполнительного продюсера вместе с Мари-Луиз Сид-Силвандер из Шведского королевского балета. Продюсер фильма — Фредрик Статтин.

7 известных артистов балета России и их достижения — NewsMag Online

Много чудесного происходит из страны Россия. Найденная здесь культура интересна и имеет богатую историю. Однако одна вещь, в которой Россия стремится превзойти остальной мир, — это искусство танца. Точнее говоря, Россия является одним из основных спонсоров балета.

Безусловно, такой вклад был бы невозможен без великих людей, стоящих за ним. Таким образом, мы чествуем семь известных русских артистов балета, овладевших искусством танца.

1. Нуреев Рудольф

Считающийся некоторыми одним из самых известных русских артистов балета своего поколения, Рудольф Нуриев — имя, которое нужно знать в балете. Родился в 1938 году, Нуриев начал свою карьеру в балете Мариинского театра в Санкт-Петербурге. Вскоре он стал сенсацией в Советском Союзе.

Однако он уехал из Советского Союза в 1961 году. Это было знаменательно, поскольку он был первым советским художником, дезертировавшим во время холодной войны. Это заставило международное сообщество обратить на него внимание и фактически произвело на него еще большую сенсацию.

Нуриев танцевал в Лондонском Королевском балете с 1983 по 1989 год и даже был директором балета Парижской оперы.

2. Михаил Барышников

Еще один из самых известных русских артистов балета, Михаил Барышников получил признание в своей карьере танцора, хореографа и танцора. Его карьера началась с многообещающего старта в ленинградском Кировском балете. Барышников сделал себе имя, проявив талант к танцам.

Естественно, он сбежал в Канаду в 1974 году, поскольку на западе у него было бы гораздо больше возможностей для выбора. Это позволило ему вырасти как артисту и получить больше признания. Он продолжал танцевать с Американским театром балета и довольно скоро стал художественным руководителем.

3. Павлова Анна

Анне Павловой, родившейся в 1881 году, было суждено стать блестящей артисткой балета, которая поделилась своим талантом со всем миром. Она была прима-балериной конца 19-го и 20-го веков, а также ведущей артисткой Императорского русского балета.Также она выступала в Русском балете Сергея Дягилева.

Хотя Павлова, скорее всего, более известна по «Умирающему лебедю», роль которого она написала. Она также была первой балериной, которая совершила международный тур, так как танцевала в Южной Америке, Индии и Австралии.

4. Вацлав Нижинский

Нижинский родился в Киеве. Родители приобщили его к танцам в раннем возрасте. Его мать и отец были старшими танцорами в путешествующей оперной труппе Сетов, а это значит, что он провел детство, путешествуя с танцевальной труппой.Более чем вероятно, что здесь зародилась его любовь и страсть к искусству, и, вероятно, это дало ему прекрасную возможность узнать все, что ему нужно было знать о секретах таланта.

Очевидно, это оказало реальное влияние на Нижинского, поскольку он стал танцором балета и хореографом. Однако он не был обычным артистом, поскольку его часто называют величайшим танцором 20-го века.

5. Уланова Галина

Русскую балерину Галину Уланову часто называют одной из величайших балерин ХХ века.Уланова родилась в Санкт-Петербурге, Россия, где в детстве училась у Агриппины Вагановой и собственной матери. Это поставило юную танцовщицу на очень престижную танцевальную карьеру.

К 1928 году Уланова перешла в уважаемый Мариинский театр, где получила признание прессы. Так началась карьера, которая привела к тому, что танцовщица получила награду Героя Социалистического Труда не один, а дважды. Уланова была одной из немногих танцовщиц, получивших эту награду.

6.Сергей Дягилев

Основатель Ballets Russes Сергей Дягилев за свою жизнь получил множество титулов. К художнику относятся искусствовед, меценат, импресарио балета и легенда. Хотя технически он не был артистом балета, он оказал такое влияние на искусство и так тесно сотрудничал с другими артистами, что вполне мог им стать.

The Ballets Russes, созданная им знаменитая танцевальная труппа, станет отправной точкой для многих известных русских артистов балета и хореографов.Фактически, многие из величайших артистов танца России были связаны с Русским балетом.

7. Плисецкая Майя

Майя Плисецкая родилась в 1925 году и вырастет советской артисткой балета, хореографом, режиссером и актрисой. Ее танцевальная жизнь началась с обучения в хореографической школе Большого театра в девять лет. После окончания учебы в возрасте восемнадцати лет Плисецкая поступила в Большой театр и быстро поднялась по карьерной лестнице.Она была явно очень талантливой и в итоге добилась звания прима-балерины знаменитого Большого театра.

Трудолюбивая артистка балета провела многочасовые тренировки, которые превратились в долгую карьеру, посвященную искусству и оставившую свой след в русском балете. Нет сомнений в том, что на протяжении многих лет она вдохновляла многих начинающих художников и помогла превратить культуру в то, чем она стала сегодня.

5 известных русских артистов балета

Россия известна производством артистов балета мирового уровня и имеет долгую и впечатляющую историю балета, восходящую к ее первой балетной труппе — Императорской школе балета в Санкт-Петербурге.Петербург образован в 1740-х гг.

Составить список известных артистов балета России — непростая задача, ведь есть из чего выбирать. Однако представленная ниже пятерка лучших балерин и балерин выделяется на фоне остальной группы.

Лучшие артисты балета России

1.

Анна Павлова

Та, которая умеет победить гравитацию.

Критики

Так критики охарактеризовали Анну Павлову, настоящую прима-балерину как на сцене, так и за ее пределами.В лондонском Palace Theatre до сих пор стоит резервация на ее имя.

Во Вселенной есть нечто под названием Павлова Корона, корона, найденная на планете Венера и названная в ее честь. Есть еще торт Павлова, популярный в Австралии и Новой Зеландии.

Почему артист балета может быть таким впечатляющим? Что отличает ее от остальных ярких звезд русского балета? Когда она получила название Умирающий лебедь ?

Балет произвел на нее впечатление с тех пор, как она впервые посмотрела спектакль, в возрасте 8 лет, но путь к , одному из величайших , шел нелегко.

У Павловой были проблемы в Императорском хореографическом училище, в основном из-за телосложения, что вызывало у ее учителей скепсис. О, как она доказала их неправоту!

К 24 годам она уже была фаворитом публики в культовом сольном спектакле «Умирающий лебедь» , который для нее создал Мишель Фокин. Ее карьера развивалась с поразительной скоростью, став горячей перспективой не только в Санкт-Петербурге и Москве, но и в балетных кругах Парижа и Лондона.

После первого неудачного заклинания с большой любовью Виктора Дандре она еще больше обратилась к работе. Она познакомилась с Дягилевым, гастролировавшим по Европе, и он пригласил ее в свою парижскую труппу, в которую в то время входил и знаменитый Нижинский.

Многие были шокированы, когда она уехала из Парижа в Лондон, особенно потому, что ее карьера стремительно развивалась, и люди с разных континентов приезжали в Париж, чтобы увидеть ее танец.

Но восходящая тенденция продолжилась.Она стала обеспеченной и даже заплатила залог за Дандре, чтобы вытащить его из тюрьмы в России. Они поженились тайно и остались вместе.

Павлова никогда особо не рассказывала о своей личной жизни. Ей удалось сохранить это для себя и позволить своей работе говорить на сцене. Ее самоотверженность не имеет себе равных, и именно это в сочетании с ее огромным талантом сделало ее самой известной русской балериной за всю историю.

Сообщение по теме: Самые известные российские композиторы

2.

Михаил Барышников

Молодому поколению и тем, кто не совсем увлекается балетом, он известен по роли Александра Петровского во всемирно известном сериале «Секс в большом городе» .

В последнем сезоне сериала он появляется в роли рокового любовника Кэрри Брэдшоу, ради которой она уезжает из Нью-Йорка и переезжает в Париж. Но его «смертельный исход» намного превышает эту меру, поскольку он также является одним из самых известных танцоров русского балета как в России, так и в Соединенных Штатах.

Барышникову было всего 11 лет, когда он начал свой путь на сцене, обучаясь в Риге, а к 1964 году он был стипендиатом престижной Вагановской академии в Санкт-Петербурге. Вскоре он стал участником балета Мариинского театра, а в 1967 году танцевал в «Жизели».

Благодаря своей фантастической технике, точным движениям и харизме, которые подпитывали каждый шаг на сцене, он произвел впечатление на каждого крупного советского хореографа того времени.

Тем не менее, его рост оставался проблемой, и с его 166 см он, казалось, был предназначен для ролей второго плана.Он был недоволен еще и тем, что Россия не разрешила ему работать с западными хореографами, которые высоко оценили его.

В конце концов он покинул Советский Союз и переехал в Канаду. Вскоре после этого он присоединился к балетной труппе в Виннипеге, а к 1978 году стал частью престижной балетной сцены Нью-Йорка.

В 1980 году он стал художественным руководителем Американского театра балета и проработал на этой должности 9 лет. Благодаря своему успеху и влиянию на балет в Америке, в 1999 году он стал членом Американской академии искусств и наук.

3. Рудольф Нуриев

Нуриев был лидером во всех аспектах. Первый советский исполнитель, отказавшийся возвращаться из международного турне. Первый русский артист балета, ставший большой звездой Запада. Первый, кто публично высказался о своем гомосексуализме. И СПИД. Ему было 54 года, когда он умер.

Его ранняя жизнь не была сказкой. Он бросил родителей в 17 лет и поступил в Академию русского балета имени А.Я.Вагановой, но над ним часто издевались однокурсники.

К счастью, наставником у него был Александр Пушкин, который заботился о его развитии и благополучии вне студенческого общежития. Он начал выступать в балете Мариинского театра (в то время Кировский балет) и прославился ролью в балете «Лебединое озеро», 1958 года, .

Во время турне в Париже ему позвонили из Советов, чтобы они вернулись домой, чтобы сыграть очень важную роль, но он опасался, что это не истинная причина приглашения, поэтому он отказался вернуться. .Вместо этого он отправился в Лондон, где увидел Марго Фонтейн и сразу стал большим поклонником. По приглашению в The Royal Ballet, они вместе выступят в «Жизель» и станут одним из самых известных дуэтов в истории балета.

После долгих лет, проведенных в Лондоне, он переехал в Париж и стал директором Парижской оперы.

Рудольфа Нуреева помнят как новаторского, креативного и смелого режиссера, который не боялся экспериментировать с программой.К сожалению, в этот же период ему поставили диагноз СПИД. Из-за болезни его танцевальная карьера пошла на спад, так как он не мог поддерживать себя в форме. В последние годы жизни пробовал себя как дирижер.

4.

Майя Плисецкая

Плисецкая — величайшая прима-балерина Большого театра. Как танцовщица, как и многие другие великие артисты того времени, у нее было три варианта. Иммигрировать из Советского Союза (что она сделала после распада СССР), чтобы работать на сталинский режим и пользоваться благами, или просто остаться и страдать.

Если у нее был выбор, а это большой выбор, поскольку КГБ очень внимательно следил за ней, она выбрала последний. Позже в одном из интервью Хрущев открыто признает, что полиция держала микрофон под ее кроватью и следила за ней 24 часа в сутки, 7 дней в неделю.

Майя Плисецкая танцевала «Лебединое озеро» более 800 раз. В день ее смерти Михаил Барышников опубликовал ее исполнение «Умирающий лебедь» 1986 года. Ей тогда был 61 год. Последний раз она выступала в Нью-Йорке в возрасте 70 лет.

Но как все начиналось? Ее отец был убит сталинским режимом как враг государства, а вскоре после этого ее мать была отправлена ​​в исправительно-трудовой лагерь ГУЛАГ. Ее мать была арестована по дороге в Большой балет. Они собирались вместе посмотреть спектакль «Лебединое озеро» с участием ее тети. Позже ей разрешили навестить ее и даже исполнить последовательность «Лебединое озеро» в лагере.

В своем дневнике «Я, Майя Плисецкая» Майя говорит, что не уверена в своей судьбе, если Чайковский никогда не напишет «Лебединое озеро»

5.

Вацлав Нижинский

Взял штурмом все законы физики. Его фигура казалась картиной на потолке. Он стоял в воздухе.

Жан Кокто

Знаменитый Вацлав Нижинский, «король воздуха» или «восьмое чудо света», как его называли современники, стал легендой 20 века всего за 10 лет танцевальной карьеры.

Помимо непревзойденного умения выступать на сцене, в его личной жизни царил беспорядок. Свои лучшие годы Нижинский провел под руководством великого русского импресарио Дягилева в составе его труппы « Ballets Russes ».Потом женился и ушел со сцены. Вскоре после этого ему поставили диагноз шизофрения, и он провел большую часть своей жизни в психиатрических учреждениях. Он не мог позаботиться о себе, форма его болезни была довольно агрессивной и тяжелой.

Тем не менее, Вацлав Нижинский остается одной из самых ярких фигур русского балета.

Михаил Барышников — Дети, жена и танцор

Михаил Барышников — российско-американский артист балета, поставивший несколько знаковых произведений, сделавших его одним из величайших артистов балета ХХ века.

Кто такой Михаил Барышников?

Михаил Барышников, опытный и уважаемый артист балета в Советском Союзе 1960-х годов, был любимой частью своего народа. К сожалению, тогда чувства не были взаимными. Он бежал из Советского Союза в Канаду в 1974 году, а затем переехал в Соединенные Штаты в надежде получить лучшую возможность проявить себя творчески. Его техника преодолела любые культурные барьеры, с которыми он столкнулся во время иммиграции, поскольку американцы любили его точность и грацию как артиста балета, как и Советский Союз.Барышников работал с Американским театром балета до 1978 года, а в 80-х стал его художественным руководителем.

Ранняя жизнь и карьера

Родившись 27 января 1948 года в Риге, Латвия, Михаил Николаевич Барышников стал одним из ведущих танцоров ХХ века. Ранние годы Барышникова были тяжелыми. Его отец был советским полковником, и они не ладили. Как он объяснил The New York Times , его отец «был не очень приятным человеком.«Однако позже Барышников черпал вдохновение у своего отца.« Его манеры, его военные привычки, я вложил их в свою интерпретацию », — однажды сказал танцор.

В подростковом возрасте Барышников покончил с собой мать. Примерно в это же время, а в 1963 году, в возрасте 16 лет, начал обучение у выдающегося хореографа Александра Пушкина в Хореографическом институте им. Вагановой.

В 1967 году Барышников дебютировал на сцене с Кировским балетом в партии Жизель , позже исполнив роль танцевальная труппа premier danseur noble в Gorianka (1968) и Vestris (1969).Говорят, что хореограф Леонид Якобсон специально скроил Vestris для Барышникова. Сейчас эта работа считается одной из визитных карточек танцора. Барышников получил свою первую крупную награду в 1966 году, завоевав золотую медаль на танцевальном конкурсе в Варне, Болгария, а затем завоевал еще одну золотую медаль на Первом международном конкурсе артистов балета в Москве в 1969 году. Технические навыки, а также его эмоциональная выразительность, слава Барышникова быстро росла.К концу 1960-х он был одним из ведущих артистов балета Советского Союза.

Всемирно известный танцор

Несмотря на свою известность, Барышников вскоре устал от удушающей атмосферы в коммунистической России и в 1974 году — после выступления Большого балета в Торонто — бежал из Советского Союза в Канаду в поисках большего личного. и творческая свобода. Позже он объяснил свой отъезд из родной страны New Statesman , сказав: «Я индивидуалист, и это преступление.

В Соединенных Штатах Барышников присоединился к Американскому театру балета, где выступал в многочисленных постановках. Зрители толпами собирались, чтобы увидеть «его безупречную, казалось бы, легкую классическую технику и экстраординарные воздушные маневры, которые он выполнял с такой энергией и точностью. «как писала Лаура Шапиро в Newsweek .

Помимо балета, Барышников исследовал другие профессиональные возможности. Он был номинирован на премию Оскар за роль в мировой танцевальной драме Поворотный момент (1977) с Энн Бэнкрофт в главных ролях и Ширли Маклейн, которая вызвала у публики интерес к балету.

Барышников ушел из АБТ в Нью-Йорк Сити Балет в 1978 году. Там ему довелось поработать с такими ведущими хореографами, как Джордж Баланчин и Джером Роббинс. Примерно в это же время, в 1979 и 1980 годах, Барышников получил две премии «Эмми» за телевизионные танцевальные номера. Однако его время в NYCB оказалось коротким. Барышников вернулся в АБТ в качестве художественного руководителя и солиста в 1980 году.

Продолжая исследовать другие формы самовыражения, Барышников сыграл вместе с Грегори Хайнсом в танцевальной драме 1985 года « Белые ночи ».Он также появился в 1989 году в постановке «Метаморфозы » Франца Кафки. Помимо выступлений на сцене и в кино, Барышников основал собственную парфюмерную линию под названием «Миша» (его прозвище).

Более поздняя карьера

В 1990 году Барышников покинул ABT, чтобы вместе с Марком Моррисом создать авангардный танцевальный проект «Белый дуб» — шаг, отражающий сдвиг в сторону современного танца. «Это менее воспитано, более демократично, более прозрачно и, с моей точки зрения, ближе к сердцам людей», — сказал Барышников газете New Statesman .Через эту новую компанию он работал и поддерживал новые произведения, созданные такими авторами, как Твайла Тарп, Джером Роббинс и Марк Моррис.

В декабре 2000 года Барышников был отмечен, как и другие деятели культуры, выдающимися достижениями на церемонии вручения награды Кеннеди-центра.

В 2002 году Барышников распустил White Oak Project, чтобы сосредоточиться на своем следующем большом проекте. Через свой фонд он открыл Центр искусств Барышникова в Нью-Йорке в 2004 году. Этот объект был создан как «место встречи художников всех дисциплин», согласно его веб-сайту.В нем есть театр и площадка для представлений, а также студии и офисы, которые можно использовать для различных творческих начинаний.

Хотя он много времени проводил за кулисами над BAC, Барышников никогда не уходил от выступления. Он стал незабываемым гостем в телевизионной комедии « Секс в большом городе » в качестве российского артиста и любовного увлечения Сары Джессики Паркер с 2003 по 2004 год. Несмотря на проблемы с коленом, Барышников продолжал танцевать до 50-60 лет.

Однако Барышников снял танцевальные туфли для некоторых из своих последних проектов.В 2011 и 2012 годах он снялся в спектакле « В Париже » по рассказу Ивана Бунина. В следующем году Барышников снялся в экспериментальной постановке театра « Человек в футляре » в Хартфорде, штат Коннектикут.

Личная жизнь

Михаил Барышников женат на бывшей балерине ABT Лизе Райнхарт. У пары трое детей: Петр, Анна и София-Луиза. У Барышникова четвертый ребенок — дочь Александра (1981 г.р.) от предыдущих отношений с актрисой Джессикой Ланж.У Барышникова также были романтические отношения с танцовщицей Гелси Киркланд, с которой он работал как в New York City Ballet, так и в ABT.

Культура / Культура: Влияние России на американское исполнительское искусство: Танцы

«Влияние русского балета в Америке огромно», — заявила Сюзанна Карбонно, профессор перформанса и междисциплинарных исследований в искусстве Университета Джорджа Мейсона на втором семинаре. в серии «Культура / Культура», проведенной в Институте Кеннана 5 мая 2003 года.«Он представляет собой западную миграцию центра балетной традиции из России конца 19 века в ее переосмысление в качестве американской формы искусства в 20 веке». Карбонно, вместе с Камиллой Харди, главным исследователем, Popular Balanchine Project, Нью-Йорк, и старшим критиком, Dance Magazine, и Сюзанной Фаррелл, балетной труппой Сюзанны Фаррелл, Центром исполнительских искусств Джона Ф. Кеннеди, привели многочисленные примеры влияния. что русские танцоры и хореографы повлияли не только на развитие балета в Соединенных Штатах, но и на американское исполнительское искусство в ХХ веке.

Все три участника дискуссии согласились, что кульминацией российского влияния на американский танец стала работа Джорджа Баланчина, который считается одним из величайших хореографов всех времен. Но Баланчин не был первым русским танцором в Америке. Карбонно отмечал, что до Баланчина «миллионы американцев в городах по всей стране уже видели русских танцоров… и феномен русского балета прочно укоренился в сознании американцев». Танцоры и хореографы, такие как Анна Павлова, Михаил Мордкин, Лидия Лопокова и Адольф Больм, произвели фурор как в мире классического танца, так и на популярной сцене своими выступлениями на концертных площадках, в водевилях, на Бродвее и в фильмах.К 1920-м годам, по словам Карбонно, балетная подготовка стала жизненно важной для любого актера на музыкальной сцене, и многие из учителей были русскими: «Прежде чем делать что-либо еще, русские почти неизбежно искали возможности для преподавания».

По словам Карбонно, многие американцы так тесно связывали балет с Россией, что в 1910-1920-х годах нерусские артисты балета в США «были вынуждены принять русские имена». При этом она подчеркнула, что «Русский балет» в U.С. воспринял местные культурные стили. До Баланчина величайшим новатором в этой области был Больм, который «предвидел создание уникального американского художественного танца, который содержал бы отсылку к русскому балету, но также отвечал бы на скорость, энергию, смелость и хриплость, которые он считал присущим американскому характеру «. Карбонно добавил, что на других хореографов также повлияли джазовая музыка и чечетка, которые обычно играли вместе с балетом на Бродвее и в кругах Водевиля.

По словам Харди, после прибытия в США в 1933 году Баланчин «открыл новый порог американского классицизма», поставив такие балеты, как «Серенада». Несмотря на то, что сегодня он наиболее известен своими художественными танцами, Баланчин также был очень успешен в мире популярных развлечений. Харди утверждал, что он «использовал Бродвей и Голливуд, чтобы представить балет широкой публике, которую он полностью покорил».

Харди описал многочисленные бродвейские постановки, которые поставил Баланчин, и показал отрывки из нескольких своих фильмов.Она утверждала, что его постановки были популярны из-за их творческого и страстного танца, сочетающего балет, чечетку и даже кадриль, а также из-за того, что он использовал американские темы и представил «крутых уличных людей, с которыми его аудитория могла бы иметь прямое отношение». Хореография Баланчина оказала неизгладимое влияние на Бродвей и Голливуд. По словам Харди, «режиссируя танцевальные сцены в своих фильмах, [Баланчин] присоединился к Басби Беркли и Фреду Астеру в качестве пионеров в развитии отношений между камерой и танцором и оставил модель для последующих мюзиклов.«Его использование балета для изображения сцены мечты в хите 1936 года On Your Toes было настолько популярно, что балеты мечты стали почти обязательными в мюзиклах в течение следующих нескольких десятилетий.

Фаррелл, давний ученик Баланчина и ведущий танцор в его Нью-Йорке City Ballet завершила семинар своими воспоминаниями о Баланчине. По мнению Фаррелла, его величайшими сильными сторонами — как хореографа, так и как личности — были его понимание человеческих эмоций и любовь к людям. Великолепная человечность Баланчина позволила ему «руководить [ его балеты] каждому человеку в аудитории — не обязательно хорошо осведомленной аудитории, но каждому человеку, чтобы он мог проникнуться их чувствами.Фаррелл описал балеты Баланчина как полные взглядов на жизнь, сказав: «Вы не можете уйти от просмотра балета Баланчина и не измениться к лучшему». Она считает, что универсальность и глубина чувств в его балетах позволили им чтобы сохранить свою популярность и по сей день.

Фаррелл также описал Баланчина как искусного хореографа, способного интегрировать классический балет в бродвейские шоу, а его русские корни — в свой американский опыт. Баланчин «не перестал быть русским, когда стал американцем.Фаррелл также предположил, что травма русской революции глубоко повлияла на хореографию Баланчина и что «он стал хореографом, потому что был благодарен балетной форме за то, что она дала ему жизнь за пределами России». Она подчеркнула, что человек, который был настолько влиятельным в американском танце, «всегда возвращался к своему русскому наследию».

Россия — Балет

Россия Оглавление Россия внесла уникальный вклад в развитие балета.Балет появился в России вместе с другими аристократическими танцами. формируется в рамках программы вестернизации Петра Великого в начале 1700-е гг. Первая балетная школа была основана в 1734 году, а первая полная балетная труппа была основана в Императорском хореографическом училище в Санкт-Петербурге. Петербург в 1740-х гг. Итальянские и французские танцоры и хореографы преобладал в тот период, но к 1800 году русский балет усвоил местные элементы народных танцев, поскольку дворяне спонсировали танцевальные труппы крепостные.Европейские балетные критики сошлись во мнении, что у русского танца есть положительное влияние на западноевропейский балет. Мариус Петипа, француз балетмейстер, пятьдесят лет ставивший балеты в России, был доминирующая фигура в тот период; его величайшими победами были постановка балетов Чайковского. Другие известные европейские танцоры, такие как Мари Тальони, Кристиан Йоханссон и Энрико Чеккетти выступили в Россия на протяжении девятнадцатого и начала двадцатого веков, принося новые влияния с Запада. Самой влиятельной фигурой начала двадцатого века был импресарио Сергей Дягилев, основавший новаторский гастрольный балет труппа 1909 года с хореографом Мишелем Фокиным, танцором Вацлавом Нижинский и дизайнер Александр Бенуа. После постановки Спорная картина Стравинского Весна священная , Первая мировая война а большевистская революция не позволила Дягилеву вернуться в Россию. До смерти Дягилева в 1929 году его русская танцевальная труппа, Балет. Russe со штаб-квартирой в Париже.В этот же период мигрант танцовщица Анна Павлова гастролировала по миру со своей труппой и продемонстрировала огромный влияние на вид искусства. После Дягилева несколько новых трупп называют себя Балетом. Русс гастролировал по миру, и новые поколения русских танцоров наполнились свои ряды. Георгий Баланчин, грузинский мигрант и протеже Дягилев основал New York City Ballet в 1948 году. Советское правительство спонсировало новые балетные труппы по всему союзу.После периода инноваций и экспериментов в 1920-х гг. балет вернулся при Сталине к традиционным формам Петипа, даже изменить сюжеты некоторых балетов, чтобы подчеркнуть позитивные темы социалистический реализм. Самый влиятельный российский танцор середины двадцатого века был Рудольф Нуриев, который бежал на Запад в 1961 и приписывают установление доминирующей роли мужчины танцор классического балета. Второй заметный мигрант, Михаил Барышников, сделавший блестящую карьеру в США. после побега из ленинградского Кировского балета в 1974 году.Крупные города России традиционно имеют собственные симфонические оркестры и балетные и оперные театры. Хотя финансирование таких объектов сократилось в 1990-е годы посещаемость спектаклей остается высокой. Балетные труппы Большого театра в Москве и Кировского театра в Санкт-Петербурге. Петербург всемирно известны и регулярно гастролируют с самого начала. 1960-е гг. Пользовательский поиск Источник: U.S. Библиотека Конгресса

V&A · Дягилев и Русские балеты — Введение

Серж Дягилев (слева) и Игорь Стравинский (справа), черно-белая фотография, Испания, 1921 год. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Серж Павлович Дягилев (1872-1929), диктатор, дьявол, шарлатан, колдун, заклинатель — все имена одного человека, чей уникальный характер и вдохновляющие амбиции вызвали брожение в европейской культуре.

Самым большим достижением Дягилева была его танцевальная труппа «Русские балеты».Созданные столетие назад постановки Русских балетов произвели революцию в искусстве начала 20-го века и продолжают влиять на культурную деятельность сегодня.

Дягилев пережил катаклизмы Первой мировой войны и русских революций, но, как ни странно, они не затронули его. Он принял современное и эксплуатировал авангард, но во многих отношениях был глубоко консервативным. Он жил в основном в гостиничных номерах и оставил мало личных вещей, но предлагает всем нам удивительное наследие музыки, танцев и искусства.

Первые сезоны 1909 — 14

19 мая 1909 года, после нескольких недель рекламы, Дягилев открыл свой первый сезон русского балета в Париже. Зрители были поражены танцами и яркими рисунками. В течение следующих нескольких сезонов в постановках доминировал застенчивый русский элемент. Новаторская музыка усиливала их влияние, особенно Игоря Стравинского. Главным хореографом труппы был русский танцор Михаил Фокин.

Костюмы для разбойников из балета Фокина «Дафнис и Хлоя» по проекту Леона Бакста, 1912 год.Музей № S.508 и A, B-1979; S.639 & A, B, 635 & A, C-1980, © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Визуально первые сезоны Ballets Russes были отмечены экзотическими рисунками русского художника Леона Бакста. Его украшенные драгоценностями цвета, кружащиеся элементы ар-нуво и чувство эротического переосмысления танцевальных постановок как целостных произведений искусства.

После критического триумфа в 1909 году, несмотря на финансовые потери в 76 000 франков (более 350 000 фунтов стерлингов сегодня), Дягилев пользовался спросом во всей Европе.Поэтому в 1911 году он основал Ballets Russes как круглогодичную гастрольную компанию, а не как сезонное предприятие.

Нижинский: сила природы

Подписанная фотография Вацлава Нижинского в «Призраке роз» Берта, 1913 г. Архив Валентина Гросса, © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Виртуозность и харизма Вацлава Нижинского (1889-1950) были таковы, что никто из тех, кто видел его выступление, как утверждалось, никогда не забывал. Он трансформировался для каждой танцевальной партии.

Обученный в Российском Императорском Балете, он сразу же добился успеха на парижской сцене с первого сезона Ballets Russes в 1909 году. Публика не видела равного танцора-мужчину более двух десятилетий.

Как хореограф, он создавал необычайно разнообразные постановки, стиль движения которых радикально отличался друг от друга и от привычной академической балетной публики.

Нижинский стал любовником Дягилева в конце 1908 года. Это были интенсивные отношения, в которых часто считалось, что Дягилев доминирует, и внезапно прекратились, когда Нижинский женился, и Дягилев уволил его из компании в 1913 году.

Он ненадолго вернулся на два сезона во время Первой мировой войны, но позже страдал от шизофрении, которая в конечном итоге положила конец его карьере.

Ballet использует человеческое тело для выражения истории и эмоций. Учитывая этот основной характер, балет имеет тенденцию исследовать сильные простые истории, которые также могут предоставить танцорам возможность продемонстрировать свою виртуозность.

Танцовщицы Ballets Russes в танцевальном классе на сцене, 1928. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Танцы в исполнении Ballets Russes казались революционными, но они основывались на существующих традициях балетной постановки.Как движущая сила компании, Дягилев собрал широкий круг композиторов, хореографов, дизайнеров и исполнителей, но сохранил полный контроль над каждым аспектом постановки. Его величайшим достижением было обеспечение тесной интеграции истории, музыки, хореографии и дизайна, создание зрелищ, в которых общее воздействие превосходило отдельные части.

С самого начала целью Дягилева было создание совершенно новых балетов, а не повторение успехов других. Как правило, каждый сезон «Русских балетов» может включать в себя две или три новых постановки, и их создание, зачастую затяжное, отнимало у него значительную часть времени и сил.

Первая мировая война (1914–18) почти уничтожила Русский балет. В годы опустошительной войны Дягилев был изолирован от своих основных европейских заведений. В 1914 году Дягилев и Стравинский были успешными гражданами царской России. К 1918 году они были изгнанниками без гражданства из большевистской России, раздираемой гражданской войной.

Костюм китайского фокусника из спектакля «Парад» по проекту Пабло Пикассо, 1917 год. S.84 и A-1985, © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Когда разразилась война, Ballets Russes завершили пять успешных лет и как раз собирались на летние каникулы.Компания не реформировалась до мая 1915 года, когда Дягилев перестроил ее для первого турне по Северной Америке.

Спектакли 1915-1919 годов были одновременно и самыми консервативными, и самыми экспериментальными. The Ballets Russes представили популярные произведения новой публике в Северной и Южной Америке. Тем не менее, в Европе были длительные периоды бездействия, в течение которых компания могла воплощать оригинальные идеи.

Леонид Мясин проявил себя как новый талантливый хореограф, опираясь на влияние стран, в которых он путешествовал, особенно Италии и Испании.

Русские балеты в 1920-е годы

Костюмы для Le Train Bleu, созданные Коко Шанель, около 1924 года. S.836-1980, S.837-1980, © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Первая мировая война привела к краху Российской, Германской, Австро-Венгерской и Османской империй. После жестокой гражданской войны Россия попала под контроль коммунистов, и Дягилев так и не вернулся. Belle époque, ставшая свидетелем рождения Русского балета, была навсегда разрушена.

Великие темы Дягилева — Россия, классический мир и Восток — теперь рассматривались в контексте современности. Другие балеты отражали актуальные интересы, такие как пляжная культура, фильмы и спорт.

К 1920 году у Русских балетов был значительный репертуар, к которому каждый год добавлялись новые балеты. Французские авангардисты, такие как Матисс, Дерен и Брак, создавали постановки, а хореографы Мясин, Нижинская и Баланчин подходили к движению новаторски.

Дягилеву и его компании пришлось приспосабливаться к очень разным экономическим обстоятельствам. Монте-Карло теперь служил зимней базой для создания новых работ, а продолжительные сезоны в Лондоне обеспечивали некоторую финансовую стабильность.

Дизайн и цвета, использованные в постановках Ballets Russes, создали новую эстетику 20-го века. Знания о революционных балетах компании проникли в театр, моду и повседневную жизнь, включая дизайн интерьеров. В частности, представление Дягилевым своей родины создало заметную черту русского стиля.

Спектакль «Жар-птица» Королевским балетом, фотография Грэма Брэндона, Королевский оперный театр, Ковент-Гарден, Лондон, 2006 г. © Музей Виктории и Альберта, Лондон / Грэм Брэндон

Пожалуй, самое очевидное наследие — это музыка, которую заказал Дягилев. Балетные произведения Стравинского, де Фальи и других продолжают исполняться в концертных залах по всему миру.

Репертуар Русского балета сегодня остается бесценным ресурсом для хореографов.С тех пор, как Дягилев заказал ее, было поставлено более 200 различных версий «Весны священной». Достижения Дягилева продолжают вдохновлять мир искусства, театра, музыки и танца.

Изначально это содержание было написано в связи с выставкой Дягилев и Золотой век русского балета , 1909 — 1929, выставленной в V&A 25 сентября 2010 — 9 января 2011.

Школа танцев, Университет штата Юта

Олег Виноградов (родился в Ленинграде, СССР, 1937) — всемирно известный хореограф и постановщик оперы, балета и телевидения, а также преподаватель балета, декорации и художник по костюмам.Свою карьеру он начал, когда учился в Ленинградском государственном хореографическом институте (позже переименованном в Академию русского балета им. А.Я.Вагановой), где он был учеником Александра Пушкина и одноклассником Рудольфа Нуреева. После окончания в 1958 году он поступил в Новосибирский балет в качестве танцора и стал ассистентом художественного руководителя Петра Гусева, известного не только как знаток ревизий и постановок классических балетов, но и как изобретатель новых ступеней и лифтов. В 1961 году Виноградов стал хореографом-резидентом Новосибирского театра, где создал свою первую важную, определенно новую постановку «Золушка» Прокофьева (1964) и «Ромео и Джульетта» (1965).Московские и ленинградские критики назвали его творчество «профессиональным рождением смелого и оригинального хореографического таланта».

Виноградов разработал словарь символических движений, который отображал глубину смысла за пределами классических физических линий красоты. Он опирался на свое более раннее образование в качестве художника-визуала при создании эскизов, которые стали основой его хореографии, и он использовал эскизы для развития движений в репетиционной студии. На этот раз Виноградов заявил: «Зритель, который приходит на балет только для того, чтобы полюбоваться красотой танца, грабит самого себя.Современный балет может и должен возбуждать не только чувства, но и мысли ». Благодаря его свежему подходу к постановкам, который иногда считался слишком радикальным, имя Виноградова стало привлекать большое внимание по всей России. В 1967 году балет Большого театра пригласил его на постановку полнометражного балета «Асель» на музыку В. Власова, а в 1968 году Кировский балет попросил его поставить хореографию на музыку М. Кажлаева «Горянка». С 1968 по 1972 год он продолжал ставить балетную труппу Кировского балета в качестве хореографа-резидента.

С 1973 по 1977 год, будучи художественным руководителем и главным хореографом Малого (ныне Михайловского) театра балета, его эксперименты помогли завоевать репутацию Малого театра как смелого и новаторского. В 1977 году Виноградов становится художественным руководителем и главным балетмейстером Кировской балетной труппы. В качестве художественного руководителя (1977-2003) вернул историческому Кировскому / Мариинскому театру всемирную известность. Он внес радикальные, а иногда и противоречивые изменения, чтобы возродить некогда великую компанию.Он сделал это, придав танцорам строгий эстетический вид и стиль. Таким образом, компания, к которой многие годы не обращались с гастролями, начала гастролировать за границей и добилась больших успехов.

За более чем двадцатилетний период работы художественным руководителем театра им. Кирова Виноградов успешно возродил труппу, привлекая молодых танцоров и знакомя их с международной аудиторией по всему миру, а также резко расширив и модернизировав репертуар. На протяжении многих лет Виноградов хотел привозить в Петербург зарубежных хореографов: «За железным занавесом для нас были недоступны произведения великих западных хореографов.Большую часть своей сознательной артистической жизни я не знал, что происходит на мировой балетной сцене. Поэтому после того, как я стал художественным руководителем балета Киров-Мариинский, моим первым стремлением было изменить эту ситуацию ». Благодаря видению и огромным усилиям Виноградова впервые была представлена ​​хореография Джорджа Баланчина и Джерома Роббинса, а также произведения Августа Бурнонвиля, Ролана Пети, Мориса Бежара, Пьера Лакотта, Антония Тюдора, Джона Ноймайера и других.

В конце 1980-х он в полной мере воспользовался преимуществами гласности, когда она достигла балетного мира и открыла дополнительные возможности для общения, экспериментов и культурного обмена.Виноградов договорился о возвращении Натальи Макаровой и Рудольфа Нуреева в Россию, чтобы они выступили впервые после их ухода с кировской сцены. В 1989 году он основал Кировскую академию балета в Вашингтоне, округ Колумбия, где он был художественным руководителем до 2008 года. В 1998-2005 годах он стал художественным руководителем Universal Ballet Company (UBC) в Сеуле, Корея, где он принес уровень Компания соответствует самым высоким международным стандартам. В 2011 году Виноградов стал членом Академии эстетических искусств Российской Федерации в знак признания его достижений.

В 2013 году по запросу общественности был создан некоммерческий фонд его имени: «Фонд сохранения и развития классического балета Олега Виноградова». В настоящее время Виноградов является художественным руководителем кафедры хореографии Санкт-Петербургского гуманитарно-социального университета, а также художественным руководителем Санкт-Петербургского театра балета при Санкт-Петербургской государственной консерватории им. Н.А. Римского-Корсакова. Под его руководством проводились фестивали, профессиональные семинары и курсы по балетной педагогике для хореографов, артистов балета и учителей в России и США.Виноградов — автор «Признаний хореографа» (2007), еще не переведенного на английский язык. В его фильмографии: «Grand Pas в белых ночах» (1987), «Спящая красавица» (1989), «Кировская классика» (1991), «Моя религия — балет» (1998), «Пиковая дама» (хореография. 2002), «Позиции Олега Виноградова» (2007), «Знакомство с мастером» (2010) и «Искусство жить» (2010). Он продолжает работать в качестве приглашенного артиста по всему миру и является гражданином России и США.

Премии и награды Олега Виноградова
1968 — Заслуженный артист Республики Дагестан
1970 — Официальная Государственная премия Российской Федерации
1979 — Премия Мариуса Петипа (за сохранение и развитие искусства классического балета)
1981 — Парижская академия премии Танца за лучшую современную хореографию 1983 — Народный артист Российской Федерации
1985 — Приз American Express Canada
1985 — Премия Парламента Греции
1986 — Премия Пабло Пикассо за хореографию балета «Витязь в тигровой шкуре» / 1986 — Орден Рыцарства и звание Кавалера Французской Республики за особые заслуги в области искусства и культуры
1987 — Народный артист СССР
1988 — Приз Лоуренса Оливье
1989 — Приз Люмьера 2011 — Почетный член Российская Федерация Академия эстетики свободных искусств
2017 — Премия ЮНЕСКО
2018 Международная премия «Балтийская жемчужина» за художественные достижения энц »

.