Содержание

История создания пьесы "На дне" Горького: этапы работы, интересные факты

"На дне".
Сцена из спектакля
Пьеса "На дне" является одним из самых известных произведений выдающегося русского писателя и драматурга Максима Горького.

В этой статье представлена история создания пьесы "На дне" Горького: этапы работы, интересные факты о произведении.

Смотрите:
- Краткое содержание пьесы

История создания пьесы "На дне" Горького: этапы работы, интересные факты


Замысел пьесы

Творческий замысел пьесы "На дне" появился у Горького в начале 1900 г. Весной этого же года он рассказывал К. С. Станиславскому о задуманной пьесе. Вот что об этом писал Станиславский:
"В первой редакции главная роль была роль лакея из хорошего дома, который больше всего берег воротничок от фрачной рубашки — единственное, что связывало его с прежней жизнью. В ночлежке было тесно, обитатели ее ругались, атмосфера была отравлена ненавистью. Второй акт кончался внезапным обходом' ночлежки полицией. При вести об этом весь муравейник начинал копошиться, спешили спрятать награбленное; а в третьем акте наступала весна, солнце, природа оживала, ночлежники из смрадной атмосферы выходили на чистый воздух, на земляные работы, они пели песни и под солнцем, на свежем воздухе, забывали о ненависти друг к другу." (К. С. Станиславский, "Моя жизнь в искусстве", 1941 г.)
В середине октября 1901 г. Горький писал К. П. Пятницкому о задуманной им новой пьесе:
"...Босяки, Татарин, еврей, актер, хозяйка ночлежного дома, воры, сыщик, проститутки. Это будет страшно. У меня уже готовые планы, я вижу — лица, фигуры, слышу голоса, речи, мотивы действий — ясны,
все ясно!.."


Работа над текстом

М. Горький начал писать пьесу "На дне" в конце 1901 г. в Крыму. 5 мая 1902 г. писатель прибыл в Арзамас, где напряженно работал над произведением. 15 июня 1902 г. пьеса была завершена. 

25 июля 1902 г. Горький отправил экземпляр пьесы в Петербург в издательство "Знание" для последующей публикации. После этого текст драмы больше не подвергался авторской правке.

Поиски заглавия

Интересно, что в процессе работы Горький не раз менял заглавие пьесы. В рукописи произведение называлось "Без солнца", "Ночлежка", "Дно, "На дне жизни". Окончательное название "На дне" впервые появилось на афишах накануне премьерного спектакля в Москве.

Публикация отдельного издания

Пьеса "На дне" была впервые напечатана отдельной книгой под заглавием "На дне жизни" в Мюнхене издательством Мархлевского и поступила в продажу в конце декабря 1902 г.

В России пьеса была впервые опубликована в январе 1903 г. под заглавием "На дне" издательством товарищества "Знание" (СПб).

Книга пользовалась огромным спросом: весь первый петербургский тираж (40 000 экземпляров) был распродан за две недели. К концу того же 1903 г. было продано уже более 75 000 экземпляров. До этого ни одно литературное произведение не пользовалось подобным успехом.

Первая постановка

Театральная цензура сначала категорически запрещала пьесу "На дне" к постановке. В конце концов Горькому удалось добиться постановки на единственной площадке - в Московском Художественном театре. При этом театральные цензоры внесли значительные изменения в текст, чтобы ослабить революционную направленность драмы.


Впервые пьеса была поставлена на сцене 18 (31) декабря 1902 г. в Московском Художественном театре. Вот что писал Станиславский об этой премьере:
"Спектакль имел потрясающий успех. Вызывали без конца режиссеров, всех артистов и... самого
Горького" (К. С. Станиславский, "Моя жизнь в искусстве", 1941 г.)

Постановки в других театрах Начиная с 1903 г., пьеса с огромным успехом была поставлена во всех крупных театрах мира. По соображениям цензуры в России пьеса находилась под неофициальным запретом до апреля 1905 г.

Такова история создания пьесы "На дне" Горького: этапы работы, интересные факты о произведении.

Смотрите:

История создания и судьба пьесы «На дне»


История написания драмы

Произведение Максима Горького «На дне» увидело свет в 1902 году. Оно было написано специально для труппы Московского художественного общедоступного театра. Данная пьеса имеет очень непростую судьбу: она пережила запреты и цензуру, на протяжении стольких лет не умолкают споры о ее идейном содержании, художественном своеобразии. Драму восхваляли и критиковали, но равнодушно к ней не относился никто. Создание пьесы «На дне» было трудоемким, работу над ней писатель начал в 1900 году, а закончил только спустя два года.

На драматургию Горький обратил внимание в начале ХХ столетия. Именно тогда он поделился со Станиславским своей задумкой создать босяцкую пьесу, в которой было бы около двух десятков действующих лиц. Автор и сам не знал, что из этого выйдет, на громкий успех он не рассчитывал, характеризовал свою работу как неудавшуюся, со слабым сюжетом, устаревшую.

Главные герои драмы

История создания пьесы «На дне» вполне прозаична. Максим Горький хотел в ней рассказать о своих наблюдениях за миром низов. К «бывшим людям» писатель относил не только обитателей ночлежек, пролетариев и странников, но и представителей интеллигенции, разочаровавшихся в жизни, потерпевших неудачи. Существовали и реальные прототипы главных героев.

Так, история создания пьесы «На дне» повествует, что образ Бубнова писатель создал, объединив характеры знакомого босяка и своего учителя-интеллигента. списал с артиста Колосовского-Соколовского, а из рассказов Клавдии Гросс был позаимствован образ Насти.

«НА ДНЕ» История создания

История создания. В начале XX века Горький обращается к драматургии. Он пишет свои первые пьесы почти одновременно. «На дне» была задумана раньше, чем «Мещане», замысел «Дачни­ков» обозначился еще до первой премьеры «На дне».

Работа над пьесой началась в 1900 году. В январе следующего года Горький писал Станиславскому: «Затеял еще одну пьесу. Бо­сяцкую. Действующих лиц человек двадцать. Очень любопытно, что выйдет!»

Пьеса «На дне» была написана в 1902 году для труппы Московско­го Художественного общедоступного театра. По словам Горького, пьеса появилась в результате двадцатилетних наблюдений над миром «бывших людей», к которым он относил «… не только странников, оби­тателей ночлежек и вообще «люмпен-пролетариев», но и некоторую часть интеллигентов, оскорбленных и униженных неудачами в жиз­ни». Как указывал сам писатель, он наблюдал прототипов своих геро­ев в Нижнем Новгороде: артист Колосовский-Соколовский послужил прототипом Актера: Бубнова Горький писал не только со своего зна­комого босяка, но и с одного интеллигента, своего учителя; образ На­сти во многом заимствован из рассказов Клавдии Гросс.

Постановка пьес Горького была запрещена. Чтобы поставить «На дне», необходимо было ходатайство театрального общества или мест­ного губернатора. «Пришлось ехать в Петербург, отстаивать чуть ли не каждую фразу, скрипя сердце делать уступки и, в конце концов, добиться разрешения только для одного Художественного театра», — вспоминал впоследствии о постановке «На дне» В. Н. Немирович- Данченко. От бесед с тогдашним начальником Главного управления по делам печати, профессором Зверевым, у него осталось впечатле­ние, что «На дне» была разрешена только потому, что власти рассчи­тывали на оглушительный провал пьесы.

18 декабря, спустя четыре с половиной месяца после ее созда­ния, состоялось первое представление пьесы, опубликована она была лишь через полтора месяца. Пьеса имела огромный успех. Доказательство тому множество газетных публикаций. Вот одна из них: «…Овация приняла небывалые размеры. Горький был вызван более 15 раз. Нечто не поддающееся описанию». Сам писатель был чрезвычайно удивлен: «Успех пьесы исключительный, я ничего по­добного не ожидал». Очевидцы и критика тех лет такой успех «На дне» в МХТ связывали с образом Луки, созданным в спектакле Иваном Москвиным. И в остальных ролях были задействованы ве­дущие актеры театра. Так, К. Станиславский играл Сатина, В. Ка­чалов — Барона, О. Книппер-Чехова — Настю.

Уже к сентябрю 1903 года пьеса была выпущена тиражом 75 ООО экземпляров.

«НА ДНЕ» История создания

4.9 (98.83%) 206 votes

На этой странице искали :
  • история создания на дне
  • история создания пьесы на дне
  • на дне история создания
  • история создания на дне горький
  • пьеса на дне история создания
Сохрани к себе на стену!

Борьба с цензурой

Немало времени пришлось потратить на получение разрешения на постановку пьесы. Автор отстаивал каждую реплику героев, каждую строчку своего творения. В конце концов было дано разрешение, но только для Художественного театра. История создания пьесы «На дне» была непростой, сам Горький не верил в свой успех, да и власти допустили постановку, надеясь на громкий провал. Но получилось все с точностью до наоборот: пьеса имела оглушительный успех, ей посвятили огромное количество публикаций в газетах, автора неоднократно вызывали на сцену, аплодируя ему стоя.

История создания пьесы «На дне» примечательна тем, что Горький не сразу определился с ее названием. Драма уже была написана, а как назвать, ее автор не решил. Среди известных вариантов фигурировали следующие: «Без солнца», «В ночлежном доме», «На дне жизни», «Ночлежка», «Дно». Лишь в 90-х годах ХХ столетия в одном из Московских театров была осуществлена постановка пьесы под названием «На дне». Как бы там ни было, но драма была хорошо принята зрителем не только в России, но и за рубежом. В 1903 году в Берлине состоялась премьера пьесы. Драма была сыграна 300 раз подряд, а это свидетельствует о небывалом успехе.

Появившееся в 1902 году произведение было новаторским по жанру. В этой социально-философской драме нет традиционного сюжета, действие развивается в диалогах персонажей. Место событий – ночлежка для «бывших» людей, оказавшихся «на дне» жизни.

Максим Горький определил основной вопрос пьесы так: «что лучше, истина или сострадание? Что нужнее?» . Проблематика драмы многообразна: место человека и его роль в жизни, вера в человека, правомерность существования утешительной лжи, возможность изменить собственную жизнь.

Прочитав краткое содержание «На дне» по действиям, можно получить представление о героях и основных конфликтах пьесы. Пьеса включена в программу литературы 11 класса.

История создания

Пьеса была задумана Горьким за год до её создания, как-то в разговоре со Станиславским он упомянул, что хочет создать пьесу о жителях ночлежки, опустившихся на самое дно. В 1900 -1901 году автор сделал кое-какие наброски. В этот период Максим Горький серьёзно увлёкся пьесами А. П. Чехова, их постановкой на сцене и игрой актёров. Это оказало решающее значение для автора в плане работы в новом жанре.

В 1902 году была написана пьеса “На дне”, а в декабре этого же года поставлена на сцене театра МХАТ с участием Станиславского. Нужно отметить, что написанию произведения предшествовал кризис, который случился в России в конце 90-х годов 19 века, фабрики и заводы остановились, безработица, разорение, нищета, голод – всё это реальная картина в городах того периода. Пьеса создавалась с определённой целью – поднять уровень культуры всех классов населения. Её постановка вызвала резонанс, во многом благодаря гениальности автора, а также спорности озвученных проблем. В любом случае – о пьесе говорили, с завистью, недовольством или восхищением – это был успех.

Посмотрите, что еще у нас есть:

В произведении переплетаются несколько тем: судьба, надежда, смысл жизни, правда и ложь. Герои пьесы рассуждают на высокие темы, находясь настолько низко, что дальше опуститься уже невозможно. Автор показывает, что бедный человек может иметь глубокую сущность, быть высоко моральным, духовно богатым.

Вместе с тем, любой человек может опуститься на самое дно, подняться с которого практически невозможно, оно затягивает, даёт свободу от условностей, позволяет забыть о культуре, ответственности, воспитании и нравственных аспектах. Горький только озвучил самые острые проблемы современности, он не решил их, не дал универсального ответа, не показал путь. Поэтому его произведение названо пьесой-диспутом, она основана на споре, в котором рождается правда, своя для каждого персонажа.

Проблематика произведения разнообразна, самыми животрепещущими, пожалуй стоит считать диалоги героев о спасительной лжи и горькой правде. Смысл названия пьесы в том, что социальное дно – это прослойка, где тоже есть жизнь, где люди любят, живут, мыслят и страдают – она существует в любую эпоху и никто не застрахован от этого дна.

Главные герои

Костылев
Михаил
, 54-х лет, хозяин ночлежного дома.

Василиса

– супруга Костылева, 26-ти лет, любовница Пепла.

Наташа

– сестра Василисы, 20-ти лет. Мечтает о прекрасном будущем. Из-за побоев сестры попадает в больницу, выйдя из нее, исчезает.

Лука

– странник, 60-ти лет, проповедует утешительную ложь.

Васька Пепел

– вор, 28-ми лет, в нем пробуждается стремление изменить свою жизнь.

Клещ Андрей Митрич

– «рабочий человек» , слесарь 40-ка лет, надеется вернуться к прежней жизни.

Бубнов

– картузник, 45-ти лет. Убежден, что все люди на земле – лишние.

Барон

– бывший аристократ 33-х лет, сожитель Насти, уверен, что у него «все в прошлом» .

Сатин

– постоялец, около 40 лет, считает, что человек должен быть духовно свободен.

Актер

– пьяница, бывший актер, не видя возможности перемен, заканчивает жизнь самоубийством.

Другие персонажи

Медведев Абрам

– полицейский 50-ти лет, дядя Василисы и Наташи. Убежден – «человек должен вести себя смирно» .

Анна

– жена Клеща, 30-ти лет, добросердечная и спокойная, умерла в ночлежке.

Алешка

– сапожник, 20 лет.

Татарин, Кривой Зоб

– грузчики.

Настя

, девица легкого поведения, 24-х лет, мечтает о настоящей любви.

Квашня

– женщина лет 40-ка, торгует пельменями.

Акт первый

Действие происходит утром ранней весны в подвале ночлежки, похожей на пещеру.

Сидя возле одной из стен, Клещ подбирает ключи к старым замкам. В центре у большого грязного стола «хозяйничает» Квашня, Барон ест хлеб, Настя читает истрепанную книжку. За нестиранной занавеской на кровати в углу кашляет Анна. На печи ворочается Актер. Расположившись на нарах, собирается шить кепку Бубнов.

Обращаясь к Барону, Квашня утверждает, что, побывав замужем, больше никогда не расстанется со своей свободой. Клещ поддразнивает женщину словами о том, что она врет и рада будет идти замуж за Медведева, сделавшего ей предложение. Квашня же в ответ говорит, что он довел жену до полусмерти.

Барон, выхватывая у Насти книжку, и, прочитав название – «Роковая любовь» , – хохочет.

Анна просит перестать кричать и ссориться, дать ей спокойно умереть.

Сатин, Бубнов, Актер и Клещ ведут неспешный разговор. Сатин говорит, что прежде был культурным человеком. Бубнов припоминает, что его профессия – скорняк и когда-то он имел «собственное заведение» . Актер думает, что главное в жизни не образование, а талант.

Появляется Костылев, разыскивает жену. Стучит в дверь комнаты Пепла (комната отгорожена тонкими досками в углу ночлежки), собираясь поговорить, но Пепел прогоняет его. Костылев уходит.

Из дальнейшего разговора обитателей подвала становится ясно: у Пепла роман с женой хозяина ночлежки Василисой.

Сатин просит деньги у Пепла, тот дает, и Сатин рассуждает о деньгах и работе. Он считает, жизнь хороша, когда труд – удовольствие, а если работа это обязанность, то жизнь превращается в рабство.

Актер и Сатин уходят.

Появляется Наташа, с ней – новый постоялец, Лука. Пепел заигрывает с Наташей, но та не принимает ухаживаний.

Входит выпивший Алешка, он не может понять, чем он хуже других, почему его везде гонят.

Пепел, обращаясь к Клещу, говорит, что тот «зря скрипит» . Клещ говорит, что вырвется отсюда, не хочет жить, как все здесь – «без чести и совести» . Пепел же считает, что люди в ночлежке не хуже Клеща. Пепел с Бароном уходят.

Появляется Василиса, она выгоняет пьяного Алешку, ругает постояльцев за грязь. Потом интересуется, заходила ли Наташа и говорила ли с Василием. Уходит.

В сенях слышен шум и крики: Василиса бьет Наташу. Медведев, Квашня и Бубнов бегут разнимать сестер.

Акт второй

Действие пьесы происходит в той же обстановке. Несколько постояльцев заняты игрой в карты, за ними наблюдают Актер и Клещ. Медведев с Бубновым играют в шашки. Лука сидит возле кровати Анны.

Беседуя с Лукой, Анна жалуется на свою жизнь. Старец успокаивает ее, обещая рай и отдых после смерти.

Актер собирается «продекламировать куплеты» Луке, но обнаруживает, что забыл стихи. Он сокрушается о том, что для него все кончено – он «пропил душу» . Лука отвечает, что не все в жизни Актера потеряно: есть бесплатные лечебницы для пьяниц, только не помнит, в каком городе. Он уговаривает Актера потерпеть и воздержаться от пьянства. «Человек – все может… лишь бы захотел» ,- считает Лука.

Заходит угрюмый Пепел. Он обращается к Медведеву, спрашивая, сильно ли избила Василиса сестру. Тот отказывается говорить, замечая, что это не его, вора, дело. Пепел в ответ угрожает рассказать следователю о том, что «Мишка Костылев с женой» его на воровство подбил и краденое купил.

Лука пробует вмешаться в их разговор, но Пепел спрашивает, зачем Лука врет, говоря всем, что везде хорошо. Лука же убеждает Василия, что вместо поисков правды ему нужно идти в «золотую сторону» , Сибирь, именно там он сможет найти свой путь.

Входит Василиса. Она говорит с Пеплом, и тот признается, что Василиса надоела ему – в ней «души нет» . Василиса предлагает Пеплу жениться на сестре в обмен на убийство своего надоевшего мужа.

Входит Костылев, между ним и Василием вспыхивает ссора, но драку предотвращает Лука. Он советует Пеплу не иметь дело с Василисой, а уходить прочь из ночлежки с той, которая вору по душе – с Наташей.

Странник, заглянув за полог, где лежит Анна, обнаруживает, что она умерла.

Постепенно все жители ночлежки собираются у кровати Анны.

Акт третий

Действие – на «пустыре» , захламленном и заросшем бурьяном дворе ночлежки.

Настя рассказывает слушателям историю своей любви. Бубнов и Барон посмеиваются над ее рассказом, не веря, а девушка страстно доказывает, что она пережила настоящую любовь. Она плачет. Лука успокаивает ее, говорит, что раз сама она верит, то любовь такая была, а сожитель ее смеется, потому что в его жизни не было ничего настоящего.

Обитатели «дна» рассуждают о правде и лжи.

Наташа говорит, что и она выдумывает и ждет кого-то «особенного» или чего-то «небывалого» . Хотя, чего ждать – она не понимает, «всем плохо жить» .

Бубнов считает, что люди часто обманывают, чтобы «душу подкрасить» , сам он не видит смысла врать, ему лучше «валить всю правду, как она есть! Чего стесняться?»

Клещ людей ненавидит и правда ему ни к чему. Сказав об этом, он убегает

Появляется Пепел, включается в разговор. Спрашивает Луку, зачем тот обманывает, говоря, что везде хорошо. Лука отвечает, что «не всегда правдой душу вылечишь» , поэтому человека стоит пожалеть. Говорит, что скоро покинет ночлежку.

Пепел зовет Наташу уйти вместе с ним, признается в любви, обещает бросить воровство. Он чувствует, что надо изменить жизнь, «так жить, чтобы самому себя можно мне было уважать» . Наташа в раздумье, но все-таки решается поверить ему.

Подходят Костылев с женой. Василиса (она слышала беседу Пепла и Наташи) старается столкнуть Пепла и мужа, но Лука успокаивает Василия.

Костылев разговаривает с Лукой, говорит, что человек должен жить по правилам, а все хорошие люди имеют паспорт. Лука открыто говорит, что думает: Костылеву никогда не измениться, ведь он как непригодная для урожая земля – ни на что не годен.

Хозяева ночлежки прогоняют Луку, и он обещает уйти ночью.

Бубнов говорит Луке, что «вовремя уйти всегда лучше» и рассказывает свою историю.

Сатин и Актер, о чем-то споря, заходят в подвал. Сатин говорит, что никуда Актер не уйдет и требует сказать, чего Лука наобещал Актеру. Странник спрашивает, каким образом мог оказаться в ночлежке Сатин. Тот с неохотой рассказывает, что попал в тюрьму из-за сестры: «убил подлеца в запальчивости и раздражении» , а после тюрьмы все дороги закрыты.

Входит угрюмый Клещ – он вынужден был продать все инструменты, чтобы похоронить Анну и не понимает, как жить дальше.

Из квартиры Костылевых слышен крик Наташи: «Бьют! Убивают!» . Актер и Сатин выходят, чтобы разобраться, что происходит. Звучат отдельные голоса, по репликам понятно, что постояльцы пытаются разнять Василису и Наташу.

Появляются Квашня и Настя, помогают идти Наташе – она избита и ноги ее обварены кипятком. За ними идут Костылев, Василиса, обитатели ночлежки. Появившийся Пепел видит Наташу и бьет с размаху Костылева. Тот падает. Василиса кричит, что убили мужа, указывает на Пепла. Василий же говорит, что сама Костылева подговаривала его убить мужа.

Наташа в истерике обвиняет сестру и Пепла в сговоре и, почти теряя сознание, просит забрать ее саму в тюрьму.

Акт четвертый

Ранняя весна. Ночь. Подвал ночлежки. За столом Клещ, Настя, Сатин, Барон. На печи – Актер. В углу, где была комната Пепла (теперь перегородки сломаны), лежит Татарин.

Обитатели подвала вспоминают о Луке, который исчез во время суматохи вокруг Наташи и Костылева. Настя считает, что он все понимал и все видел. Своих же собеседников называл «ржавчиной» . Клещ соглашается – старик хороший, жалостливый. Татарин считает, что Лука жил по закону «Не обижай человека» .

Для Сатина «старикан» «как мякиш для беззубых» , к тому же Лука смутил умы обитателей ночлежки.

Барон называет Луку шарлатаном.

Настя, которой стали противны, и жизнь, и люди, хочет уйти «на край света» . Барон, предлагая девушке взять с собой Актера, издевается над его мечтой вылечиться.

Клещ замечает, что странник Лука «поманил куда-то, а сам дорогу не сказал» . По его мнению, он «очень против правды восставал. Верно – и без нее – дышать нечем» .

Сатин в возбуждении приказывает «молчать о старике» – тот, в отличие от всех, понимал, что «правда – это человек» , а обманывал из жалости к людям. Странник влиял на его отношение к миру как «кислота на старую и грязную монету» .

Разговор об убийстве Костылева. Попав в больницу после издевательств сестры и выйдя из нее, Наташа исчезла. Все считают, что Василиса выкрутится, а Пепел попадет если не на каторгу, то в тюрьму – точно.

Сатин рассуждает о том, что человека нужно уважать, а «не унижать его жалостью» . Барон признается, что живет, как во сне, не видя и не понимая смысла жизни.

Актер, вдруг слезает с печки и выбегает из подвала.

Входят Медведев с Бубновым, за ними – другие обитатели ночлежки. Кто-то устраивается на ночлег, несколько человек поют. Распахивается дверь. Барон кричит с порога – на пустыре повесился Актер.

Сатин произносит: «Эх, испортил песню, дур-рак!»

История создания пьесы Горького «На дне». Жанровые особенности

Урок 9

Тема: История создания, особенности жанра и конфликта в пьесе «На дне»

I. История создания

Пьесу «На дне» Горький писал в течение 1900-1902 годов. Надо сказать, что напиши ее Горький в другое время, она бы не имела такого успеха у современников. И вот почему.

Во – первых, в девятисотые годы в России разразился жестокий экономический кризис. Голодный 1900 год. После каждого неурожая массы разорившихся, обнищавших крестьян бродили по стране в поисках заработка. А фабрики и заводы закрывались. Тысячи рабочих и крестьян оказались без крова и средств к существованию. Под влиянием тягчайшего экономического гнета появляется огромное количество босяков, которые опускаются на «дно» жизни. Пользуясь безвыходным положением обнищавших людей, предприимчивые владельцы темных трущоб нашли способ извлекать пользу из своих зловонных подвалов, превратив их в ночлежки, где находили приют безработные, нищие, бродяги, воры и другие «бывшие люди».

Во – вторых, резкий всплеск философских и религиозных исканий, вызванный тотальным кризисом всей системы ценностей минувшего века. .

В пьесе Максим Горький хотел рассказать о своих наблюдениях за миром низов. К «бывшим людям» писатель относил не только обитателей ночлежек, пролетариев и странников, но и представителей интеллигенции, разочаровавшихся в жизни, потерпевших неудачи.

Написав первый акт, он решил прочитать его Л. Толстому, который был для него, с одной стороны, авторитетом, с другой, литературным оппонентом. По замыслу предполагалась показать обитателей ночлежки, которые, несмотря ни на что, по весне выходят все и начинают убирать территорию вокруг, преобразовывая пространство. Коллективный труд их несколько сближает и проявляет в них нечто человеческое. Л.Толстой воспринял пьесу негативно, даже не стал дослушивать. Он сказал Горькому, что незачем тащить в литературу эту грязь, что не видит в этом никакого смысла, что это неинтересно. Горький обиделся. Он переписал пьесу, вставив туда еще одного героя – Луку, который является пародией на Толстого. И пьеса получила иное звучание. И звучит до сих на разных сценах мира.

Писал эту пьесу Горький исключительно для МХАТа. Сам присутствовал на репетициях. Отслеживал произношение каждой реплики. Надо сказать, что артисты даже специально посетили одну из московских ночлежек, чтоб лучше войти в образ, и где их чуть не побили. Спасибо Гиляровскому, который туда их и привел, он загнул такую фразу, полную нецензурной лексики, что обитатели ночлежки в восхищении остановились.

18 декабря 1902 года состоялась премьера. Пьеса сразу же вызвала яростные споры. И это, в общем-то, понятно. Все принципиально новое вызывает споры.

II. Особенности жанра и конфликта

Горький – писатель, выходящий за рамки общепринятого. В пьесе «На дне» новым является практически все, начиная с тематики.

В пьесе показана жизнь босяков. Это было новым. Герои, оказавшиеся на дне жизни, оказываются больше «человеками», чем те, кто тупо исполняют свою роль.

Сюжет в произведении несколько ослаблен, но это не означает, что он отсутствует. В пьесе происходят весьма драматичные события. 3 смерти: Анны, Костылева, убитого в драке, Актера. И каждая из этих смертей создает внутренний сюжет этой пьесы. Человек погибает в противостоянии этому миру или как жертва этого мира. В пьесе нет главных и второстепенных героев, нет положительных героев и героев-резонеров, которые высказывают авторскую точку зрения. Слова о человеке, который звучит гордо, произносит пьяный шулер.

В пьесе нет явного конфликта, того необходимого элемента композиции, который нужен для развития сюжета. Формально есть любовный конфликт: двойной треугольник. Его завязкой становится появление хозяина ночлежки Костылёва, ревнующего свою жену Василису к Ваське Пеплу. Кульминация остаётся за сценой: мы узнаём, что Василиса из ревности облила кипятком свою сестру Наташу, которая нравилась Пеплу. Развязка – Васька Пепел убивает Костылёва. Однако не этот любовный четырёхугольник движет пьесу. Он не захватывает, в нем нет интриги. Все предельно ясно с самого начала.

Гораздо более важным оказывается второй, глубинный конфликт – социально-философский: попытки героев найти правду. Правда – главное слово в этой пьесе. С него и начинается все. Что же такое правда? Правда о человеке?

Символично время. 1 действие: утро, весна. 4 действие: ночь, ветер. И через всю пьесу идет мотив – холодно. Человеку холодно и зябко на этой земле – об этом пьеса.

В тетрадь:

В пьесе «На дне» Горький показывает людей сломленных жизнью, отброшенных обществом.

«На дне» — это произведение, которое лишено действия, в нем нет завязки, основного конфликта и развязки.

Это набор откровений различных людей, собравшихся в ночлежке.

Каждый герой несет какую-то свою философию, свою идею

Проблемный вопрос:

— Заинтриговала ли вас пьеса? Хотели бы вы посмотреть ее или, как Л. Толстой, посчитали неинтересной пьесу о бомжах? Почему же эту пьесу уже второе столетие ставят разные театры мира?

(ответ не озвучивается учителем, к вопросу нужно будет вернуться в конце следующего урока)

III. Герои пьесы.

Знакомство с первой афишей. (анализируем идеи других афиш)

— Перечитайте афишу пьесы. Обратите внимание на то, как поименованы персонажи?

Читаем и анализируем афишу.

М.Горький, представляя действующих лиц, у одних указывает имена, отчества, фамилии, у других – имена и фамилии, у третьих – лишь фамилии. Однако большинство героев имеют лишь имена или прозвища. Такая система наименований во многом объясняется тем, что М.Горький изображает особый мир, мир людей «без пачпортов», силой различных обстоятельств оказавшихся на «обочине» жизни.

В одном из писем к М.Пришвину М.Горький заметил: « Знаком я был с одним монахом, но – редкий случай! — забыл его имя, а вместе с именем стерлось и лицо. Вот оно, слово – то, сила какая!»

Знакомство с героями пьесы (по презентации «Герои пьесы»)

1. Актер

Назван по своей прошлой профессии, так как действительно потерял имя: «Нет у меня здесь имени… Понимаешь ли ты, как это обидно – потерять имя? Даже собаки имеют клички…»

Даже здесь в ночлежке, населенной самыми пестрыми, колоритными обитателями, он выглядит не от мира сего.

Актер воспринимает жизнь как мираж: он поверил в существование бесплатных лечебниц, поверил в «праведный город».

Персонаж драмы М.Горького – это бывший актер, но он служитель Мельпомены. Он пришел в ночлежку из какого-то особого, иного мира и в определенном смысле стоит выше других босяков. Он одарен и, несомненно, самый образованный, культурный среди всех ночлежников, включая и Сатина. К тому же он добр, отзывчив, обладает хорошим вкусом.

2. Барон

По своему прошлому социальному положению назван и Барон, который «нет-нет, да и покажет из себя барина». Самый безвольный из ночлежников, он всю жизнь занимался переодеванием. Он даже не помнит, как оказался среди босяков.

Все ночлежники отзываются о Бароне отрицательно. Но он единственный знает генеалогию своего рода.

Лука называет его «испорченным бароном», а Настя – «ничтожеством». За полбутылки водки, предложенной Пеплом, Барон готов встать на четвереньки и лаять собакой.

Вместе с тем нельзя не заметить, что именно Барону пришла в голову мысль о бесцельно промотанной жизни. Именно он задается вопросом: «А…ведь зачем – нибудь я родился…а?» Хочется и ему, пусть на мгновение, узнать свое предназначение.

3. Настя

«И чего…зачем я живу здесь…с вами? Уйду…пойду куда-нибудь…на край света!»

В этом отношении особенно показательно поведение Насти в финале драмы. Услышав известие о смерти Актера, она «медленно, широко раскрыв глаза, идет к столу». На столе стоит единственная лампа, освещающая ночлежку. Настя идет к свету. Она поражена новыми, открывшимися ей чувствами, мыслями, окончательно осознает необходимость иной жизни.

Не случайно своей героине автор дал имя Анастасия, которое в переводе с греческого означает «воскресшая», «возрожденная».

4. Бубнов

Особое место среди ночлежников занимает Бубнов

. В свое время горьковеды называли его
философом безнадежности, равнодушным циником
. С самого начала действия Бубнов проявляет беспощадную трезвость в оценке положения ночлежников.

Для него обитатели подвала – это вор, шулер, алкоголик и не более. Правда Бубнова – это правда внешних обстоятельств, правда полной зависимости человека от окружающего мира, ярко выраженная в формуле: «Что было – было, а остались одни пустяки… Все слиняло, один голый человек остался». Таков и сам Бубнов. Понятия чести и совести для него значения не имеют. Сам о себе Бубнов заявляет: «Ленив я. Страсть как работать не люблю!»

Этот персонаж в пьесе является вестником зла и олицетворяет низший мир. Авторское отношение к нему явно негативно. М.Горький раскрывает холод и тьму души бесстрастного регистратора реальности

. Бубнов был убежден, что человек – существо на земле лишнее. «… все люди на земле – лишние», – говорит он Насте. А если человек никому не нужен и является существом лишним, то он ничем не должен связывать себя и волен жить так, как хочет.

5. Клещ

Он всего лишь полгода прожил в ночлежке и еще не свыкся со своим положением, надеется выбраться отсюда и откровенно презирает своих товарищей по несчастью: «Какие они люди? Рвань, золотая рота… Ты думаешь я не вырвусь отсюда? Вот погоди…умрет жена». Эгоистичный, озлобленный Клещ с нетерпением ожидает смерти жены, которую, по словам Квашни, «заездил до полусмерти». Он лишен к умирающей спутнице жизни малейшего сочувствия. А она, несмотря на муки, мечтает еще пожить:«Ну … еще немножко … пожить бы … немножко! Коли там муки не будет … здесь можно потерпеть … можно!»

Об этом, обращаясь к Клещу, говорит Костылев: «Эх, Андрюшка, злой ты человек! Жена твоя зачахла от твоего злодейства…никто тебя не любит, не уважает».

Отсюда и фамилия персонажа: клещ – насекомое, впивающееся в кожу, кровосос.

6. Костылев

Содержатель ночлежки Костылев – существо никчемное. Это явный ханжа, не столько утешает, сколько духовно усыпляет своих постояльцев, говоря, что «на том свете…всякое деяние наше усчитывают».

Все обитатели подвала относятся к Костылеву с нескрываемой, откровенной брезгливостью. Стоит хозяину появиться в ночлежке, как вокруг него создается своеобразная пустота, некий моральный вакуум.

Костылев как бы представляет иной, низший мир. Его религиозность есть прикрытие пустой, холодной души, поэтому так нелеп и жалок его конец.

7. Сатин

Особый интерес М.Горький проявлял к богомильству. В этом древнем славянском вероучении писателя привлек апокриф о Сатане, точнее о Сатанаиле. И именно с Сатанаилом связано имя Сатина

. Его звериным рычанием – рычанием своеобразного антихриста – открывается действие пьесы. Согласно богомильскому учению о мире, именно Сатанаил создал видимый материальный мир. Создал он и человеческую плоть, но не мог вдохнуть в человека душу. И тогда верховный Бог сжалился и послал в человека свой божественный дух. Таким образом, материальный мир, человеческая плоть – творение Сатанаила, а душа человека и солнце – творение Бога. Исходя из этого, понятен смысл первоначального названия пьесы «Без солнца». Оно напрямую связано и с песней ночлежников «Солнце всходит и заходит…», и с предполагаемым оптимистическим финалом: «…они пели песни и под солнцем забывали о ненависти друг к другу» Становится ясным и то, почему Сатин в конце второго действия называет ночлежников «мертвецами», ибо в них нет духа: «Мертвецы – не слышат! Мертвецы не чувствуют!»

Среди «бывших людей» Сатин выделяется твердостью, решительностью. Он стремится к правде, что хорошо видно в его отношениях с ночлежниками. Лука недоумевает, почему неглупый, бравый Сатин оказался среди босяков: «Эдакий ты бравый…Константин…неглупый…и вдруг» (VII). Видимо, непреклонность натуры Сатина, его нежелание идти на компромиссы и позволило М.Горькому называть этого босяка Константином , что значит «твердый, постоянный»

. Ведя заочный спор с Лукой, сам о себе Сатин заявляет:
«Не обижай человека!.. А если меня однажды обидели и – на всю жизнь сразу! Как быть? Простить? Ничего. Никому»
.

Многие мысли Горького высказывает именно Сатин.

8. Лука

Согласно учению богомилов, Бог, чтобы спасти мир от Сатаны, послал на землю Христа. В пьесе М.Горького учение Христа представляет Лука, имя которого явно восходит к имени апостола Луки.

Перед нами человек бывалый, готовый к долгим дорогам, к превратностям судьбы. От внешнего облика странника веет добротой, приветливостью.

Для Луки все люди одинаковы: « А все люди! Как ни притворяйся, как ни вихляйся, а человеком родился, человеком и помрешь…»

Для Луки ценна любая человеческая жизнь: «Человек – каков ни есть – а всегда своей цены стоит…»

Во втором действии Лука еще активнее проповедует определенную философию жизни. Всех утешает.

Во всем этом он близок своему евангельскому тезке, его можно назвать достойным учеником Христа. «Вера твоя спасла тебя, иди с миром,»- важнейшая сентенция Христа.

Но есть и другое толкование его имени. По В.И.Далю, «лукавый» значит хитрый, скрытный, противоречивый, двуличный. «Лукавый» – это бес, нечистый дух. В четвертом действии обитатели ночлежки, обсуждая Луку, прямо связывают его с лукавым: «Исчез от полиции… яко дым от лица огня!»

Однако так или иначе, но «добрый старикашка» изменил ночлежников.

Д/З: прочитать «На дне», сочинение-рассуждение «Нужна ли мне ложь или я хочу знать только правду».

Тест по пьесе

Прочитав краткое содержание произведения Горького, попробуйте ответить на вопросы:

Рейтинг пересказа

Средняя оценка: 4.6 . Всего получено оценок: 9633.

Пьеса «На дне» была задумана Горьким как одна из четырех пьес цикла, показывающего жизнь и мировоззрение людей из разных слоев общества. Это — одна из двух целей создания произведения. Глубинный смысл, который заложил в него автор — попытка ответить на главные вопросы человеческого существования: что есть человек и сохранит ли он свою личность, опустившись «на дно» нравственного и социального бытия.

История создания пьесы

Первые свидетельства о работе над пьесой относятся к 1900 году, когда Горький в разговоре со Станиславским упоминает о желании написать сцены из жизни ночлежки. Некоторые наброски появились в конце 1901 года. В письме к издателю К. П. Пятницкому, которому и посвятил произведение автор, Горький писал, что в задуманной пьесе для него ясны все персонажи, идея, мотивы действий, и «это будет страшно». Окончательный вариант произведения был готов 25 июля 1902 года, издан в Мюнхене и уже в конце года поступил в продажу.

Не так радужно обстояли дела с постановкой пьесы на сценах российских театров — она практически запрещена. Исключение сделано только для МХАТа, остальные театры должны были получать особое разрешение на постановку.

Название пьесы в процессе работы менялось, по крайней мере, четыре раза, а жанр автором так и не был определен — в издании значилось «На дне жизни: сцены». Укороченное и всем сегодня знакомое название впервые появилось в театральной афише при первой постановке в МХАТ.

Первыми исполнителями стал звездный состав Московского художественного академического театра: в роли Сатина выступил К. Станиславский, Барона — В. Качалов, Луки — И. Москвин, Насти — О. Книппер, Наташи — М. Андреева.

Краткая история создания пьесы «На дне» Горького

Для того, чтобы глубже оценить её идейный замысел, необходимо оглянуться на ситуацию — экономическую и социальную — в России в то время. В последние годы XIX века в стране начался кризис — были закрыты более трёх тысяч предприятий легкой промышленности, множество людей потеряли рабочие места и, как следствие этого, уровень материального благополучия населения стремительно падал. Что делает с человеком нищета? Унижает, ломает, убивает надежды и мечты.

Ищите нас здесь

Лишь небольшой процент людей в такой патовой ситуации способен бороться. Остальные опускают руки и плывут на волне голода, бедности и безысходности, погрязнув в мелочных склоках и все больше теряя человеческий облик. Такова реальная картина тех лет — и в своём произведении М. Горький откровенно и пугающе описал тот быт русского народа, находящегося на самом дне существования.

Горький начал непосредственную работу над пьесой в 1901 году, будучи в Крыму, тогда как задумка и первые черты персонажей появились в его воображении в 1900 году, как следует из воспоминаний К.С. Станиславского, с которым Горький поделился задуманным. В октябре 1901 года пьеса обретает более четкие очертания, в своём письме К.П. Пятницкому он говорит о том, что всё яснее видит и слышит будущих персонажей, их характеры и фразы.

В последние месяцы 1901 — начале 1902 уже были готовы несколько актов «На дне», Горький зачитывал фрагменты произведения Л.Н. Толстому и В.И. Немировичу-Данченко. Окончательный же вариант пьесы был выслан Горьким 1 июня 1902 года Пятницкому, после чего в текст самим автором были внесены некоторые существенные правки. Такой, какой мы знаем «На дне» сегодня, пьеса стала 25 июля того же года — один её экземпляр М. Горький отправил А. П. Чехову, чьё влияние на его литературную мысль тогда было решающим. В тот период своей жизни он был увлечён пьесами Чехова, их постановками на театральной сцене, игрой актёров и работой режиссёров, что помогло ему во время работы в новом для него жанре. Вторая чистовая рукопись, с рабочим названием «На дне жизни», была передана в издательство. Название «На дне» впервые увидело свет только на афишах Московского художественного театра, когда произведение прошло тернистый путь сквозь критику и цензуру, от издания до постановки.

Добиться разрешения на постановку было невероятно сложно — хоть в пьесе и нет прямого призыва к революции, её острота и откровенность вызвала волну противоречий среди литературных и театральных цензоров Москвы и Петербурга. Ставить спектакль было возможно только после специального разрешения местных властей и внесения множества правок. Только в декабре 1902 года, спустя полгода после окончания работы автора над ней, пьеса, наконец, была поставлена Станиславским — и имела оглушительный успех. Влияние этой драмы на разум народа России и всего мира невозможно переоценить — это первое литературное произведение, весь дебютный тираж которого в Санкт-Петербурге (в количестве сорока тысяч экземпляров) был раскуплен всего за две недели. Сложности с постановкой в России продолжались весь дореволюционный период, и, конечно же, в Императорском театре «На дне» была запрещена строжайше.

Однако, её ставили неоднократно в театрах столицы и провинций и даже за рубежом — произведение переведено на множество языков и было поставлено во многих крупных театрах мира, где неизменно имело успех у зрителя. В 1910-е годы в Венгрии вышла первая экранизация пьесы, которая стала лишь первой из десяти. Стоит отметить, что первая советская экранизация появилась лишь в 1952 году… Самая поздняя экранизация дебютировала в 2014 году, в современной адаптации (режиссёр В. Котт). Текст пьесы остаётся неизменным до сегодняшнего дня, машинописный оригинал хранится в Народной библиотеке Горького с последними правками автора.

Ищите нас здесь

«На дне» раскрывает одновременную силу и немощь человеческой души, тот факт, что каждый сам решает, какого волка кормить. Как и любое гениальное произведение, пьеса не устарела, она применима к реалиям жизни и спустя почти сто двадцать лет своего существования. Разве не заставят сегодня задуматься слова Луки: «Человек — все может…лишь бы захотел…»? О том, кто виноват в наших бедах — общество, государство или мы сами?

Насколько публикация полезна?

Нажмите на звезду, чтобы оценить!

Средняя оценка 0 / 5. Количество оценок: 0

Оценок пока нет. Поставьте оценку первым.

Ищите нас здесь

Смотрите также:

  1. Краткая история создания романа «Евгений Онегин» Пушкина «Евгений Онегин» — результат мониторинга, развернувшейся драмы, в судьбах интеллигенции того времени. Знаменитый роман А.С. Пушкина был начат писателем в 1823 году. Произведение прошло с Александром Сергеевичем через главные этапы…
  2. Краткая история создания песни «Орлёнок» Имя «Орлёнок» давно стало нарицательным. Так называли юных партизан, комсомольцев-разведчиков во время Великой Отечественной войны. Орленку поставлены памятники в разных точках бывшего СССР. Этому образу посвящены мультипликационные, художественные фильмы, в…
  3. Краткая история создания рассказа «Гранатовый браслет» Александра Куприна «Гранатовый браслет» — это произведение известного русского писателя Александра Ивановича Куприна, которое считают классикой российской любовной литературы прошлого столетия. Оно появилось в начале XX века и еще имеет в себе…
  4. Краткая история создания Альбома «Времена года» П. И. Чайковским До того, как Петр Ильич Чайковский создал цикл музыкальных пьес под названием «Времена года», существовал уже одноименный цикл Антонио Вивальди. Вивальди сочинил 4 струнных концерта, изображая разные временные сезоны. Чайковский…
  5. Краткая история создания пьесы «Вишневый сад» Чехова «Вишневый сад» называют главным произведением в жизни самого известного русского сатирического писателя XIX-XX столетия — Антона Чехова. И это не удивительно: в произведении заложено множество философских мыслей, которые, вероятно, у…

Основной сюжет произведения

Сюжет пьесы завязан на отношениях героев и в обстановке всеобщей ненависти, которая царит в ночлежке. Это — внешняя канва произведения. Параллельное действие исследует глубину падения человека «на дно», меру ничтожества социально и духовно опустившегося индивидуума.

Действие пьесы начинается и заканчивается сюжетной линией взаимоотношений двух персонажей: вора Васьки Пепла и жены владельца ночлежки Василисы. Пепел любит ее младшую сестру Наташу. Василиса ревнует, постоянно избивает сестру. Есть у нее и еще один интерес к любовнику — она хочет освободиться от мужа и подталкивает Пепла к убийству. В ходе пьесы Пепел действительно в ссоре убивает Костылева. В последнем же акте пьесы постояльцы ночлежки говорят, что Ваське придется идти на каторгу, а Василиса все равно «выкрутиться». Таким образом, действие закольцовывается судьбами двух героев, но далеко не ограничивается ими.

Временной промежуток пьесы — несколько недель ранней весны. Время года — важная составляющая пьесы. Одно из первых названий, данных автором произведению, «Без солнца». Действительно, вокруг весна, море солнечного света, а в ночлежке и в душах ее обитателей — мрак. Лучом солнца для ночлежников стал Лука, бродяга, которого в один из дней приводит Наташа. Лука приносит надежду на счастливый исход в сердца опустившихся и утративших веру в лучшее людей. Однако в конце пьесы Лука исчезает из ночлежки. Доверившиеся ему персонажи теряют веру в лучшее. Пьеса заканчивается самоубийством одного из них — Актера.

Анализ пьесы

Пьеса описывает жизнь московской ночлежки. Главными героями, соответственно, стали ее обитатели и хозяева заведения. Также в ней появляются лица, имеющие отношение к жизни заведения: полицейский, он же дядя хозяйки ночлежки, торговка пельменями, грузчики.

Сатин и Лука

Шулер, бывший каторжник Сатин и бродяга, странник Лука — носители двух противоборствующих идей: необходимости сострадания к человеку, спасительной лжи из любви к нему, и необходимости знать правду, как доказательство величия человека, как знак доверия к его силе духа. Для того, чтобы доказать ложность первого мировоззрения и истинность второго автором и выстроено действо пьесы.

Другие персонажи

Все остальные персонажи составляют фон для этой битвы идей. Кроме того, они призваны показать, измерить глубину падения, до которой способен опуститься человек. Пьяница Актер и смертельно больная Анна, люди, совершенно потерявшие веру в свои силы, подпадают под власть чудесной сказки, в которую уводит их Лука. Они наиболее зависимы от него. С его уходом они физически не могут жить и умирают. Остальные обитатели ночлежки воспринимают появление и уход Луки, как игру солнечного весеннего луча — появился и исчез.

Настя, продающая свое тело «на бульваре», верит в то, что есть светлая любовь, и она была в ее жизни. Клещ, муж умирающей Анны, верит, что он поднимется со дна и вновь станет зарабатывать на жизнь трудом. Ниточкой, которая связывает его с рабочим прошлым, остается ящик с инструментами. В конце пьесы он вынужден их продать, чтобы похоронить жену. Наташа надеется, что Василиса изменится и перестанет ее мучить. После очередных побоев, выйдя из больницы, она больше не появится в ночлежке. Васька Пепел стремится остаться с Натальей, но не может выпутаться из сетей властной Василисы. Последняя, в свою очередь, ждет, что смерть мужа развяжет ей руки и даст долгожданную свободу. Барон живет своим аристократическим прошлым. Картежник Бубнов, разрушитель «иллюзий», идеолог человеконенавистничества, считает, что «все люди лишние».

Произведение создавалось в условиях, когда после экономического кризиса 90-х годов XIX века в России встали заводы, население стремительно беднело, многие оказались на нижней ступени социальной лестницы, в подвале. Каждый из героев пьесы в прошлом пережили падение «на дно», социальное и нравственное. Сейчас они живут воспоминанием об этом, но подняться «на свет» не могут: не умеют, нет сил, стыдятся своего ничтожества.

Главные герои

Светом для некоторых стал Лука. Горький дал Луке «говорящее» имя. Оно отсылает и к образу святого Луки, и к понятию «лукавство». Очевидно, что автор стремится показать несостоятельность идей Луки о благотворной ценности Веры для человека. Горький практически низводит сострадательный гуманизм Луки к понятию предательства — по сюжету пьесы бродяга уходит из ночлежки как раз тогда, когда те, которые ему доверились, нуждаются в его поддержке.

Сатин — фигура, призванная озвучить мировоззрение автора. Как писал Горький, Сатин не совсем подходящий для этого персонаж, но другого со столь же мощной харизмой в пьесе просто нет. Сатин является идейным антиподом Луки: он ни во что не верит, видит безжалостную суть жизни и того положения, в котором оказался он и остальные обитатели ночлежки. Верит ли Сатин в Человека и его силу над властью обстоятельств и совершенных ошибок? Страстный монолог, который он произносит, заочно споря с ушедшим Лукой, оставляет сильное, но противоречивое впечатление.

Есть в произведении и носитель «третьей» правды — Бубнов. Этот герой, как и Сатин, «стоит за истину», только она у него как-то очень страшна. Он человеконенавистник, но, по сути, убийца. Только гибнут не от ножа в его руках, а от ненависти, которую питает он к каждому.

Драматизм пьесы возрастает от акта к акту. Связующей канвой становятся утешительные разговоры Луки со страждущими его сострадания и редкие реплики Сатина, говорящие о том, что он внимательно слушает речи бродяги. Кульминация пьесы — монолог Сатина, произнесенный после ухода-бегства Луки. Фразы из него часто цитируют, поскольку они имеют вид афоризмов; «Все в человеке — все для человека!», «Ложь — религия рабов и хозяев… Правда — бог свободного человека!», «Человек — это звучит гордо!».

Заключение

Горьким итогом пьесы становится торжество свободы падшего человека погибнуть, исчезнуть, уйти, не оставив после себя ни следа, ни воспоминаний. Обитатели ночлежки свободны от общества, норм морали, от семьи и средств к существованию. По большому счету, они свободны от жизни.

Пьеса «На дне» живет уже более века и продолжает оставаться одним из наиболее сильных произведений русской классики. Пьеса заставляет задуматься о месте веры и любви в жизни человека, о природе правды и лжи, о способности человека противостоять нравственному и социальному падению.

Каждый драматург мечтает создать такую пьесу, которая бы понравилась не только современникам, но и будущим поколениям. Оставаться актуальным на протяжении многих десятилетий может только то произведение, которое несет в себе какой-то смысл, учит чему-то, вскрывает нелицеприятные стороны общества, решает социальные проблемы. Именно к таким работам относится пьеса “На дне”.

История написания драмы

Произведение Максима Горького “На дне” увидело свет в 1902 году. Оно было написано специально для труппы Московского художественного общедоступного театра. Данная пьеса имеет очень непростую судьбу: она пережила запреты и цензуру, на протяжении стольких лет не умолкают споры о ее идейном содержании, художественном своеобразии. Драму восхваляли и критиковали, но равнодушно к ней не относился никто. Создание пьесы “На дне” было трудоемким, работу над ней писатель начал в 1900 году, а закончил только спустя два года.

На драматургию Горький обратил внимание в начале ХХ столетия. Именно тогда он поделился со Станиславским своей задумкой создать босяцкую пьесу, в которой было бы около двух десятков действующих лиц. Автор и сам не знал, что из этого выйдет, на громкий успех он не рассчитывал, характеризовал свою работу как неудавшуюся, со слабым сюжетом, устаревшую.

Главные герои драмы

История создания пьесы “На дне” вполне прозаична. Максим Горький хотел в ней рассказать о своих наблюдениях за миром низов. К “бывшим людям” писатель относил не только обитателей ночлежек, пролетариев и странников, но и представителей интеллигенции, разочаровавшихся в жизни, потерпевших неудачи. Существовали и реальные прототипы главных героев.

Так, история создания пьесы “На дне” повествует, что образ Бубнова писатель создал, объединив характеры знакомого босяка и своего учителя-интеллигента. Актера Горький списал с артиста Колосовского-Соколовского, а из рассказов Клавдии Гросс был позаимствован образ Насти.

Борьба с цензурой

Немало времени пришлось потратить на получение разрешения на постановку пьесы. Автор отстаивал каждую реплику героев, каждую строчку своего творения. В конце концов было дано разрешение, но только для Художественного театра. История создания пьесы “На дне” была непростой, сам Горький не верил в свой успех, да и власти допустили постановку, надеясь на громкий провал. Но получилось все с точностью до наоборот: пьеса имела оглушительный успех, ей посвятили огромное количество публикаций в газетах, автора неоднократно вызывали на сцену, аплодируя ему стоя.

История создания пьесы “На дне” примечательна тем, что Горький не сразу определился с ее названием. Драма уже была написана, а как назвать, ее автор не решил. Среди известных вариантов фигурировали следующие: “Без солнца”, “В ночлежном доме”, “На дне жизни”, “Ночлежка”, “Дно”. Лишь в 90-х годах ХХ столетия в одном из Московских театров была осуществлена постановка пьесы под названием “На дне”. Как бы там ни было, но драма была хорошо принята зрителем не только в России, но и за рубежом. В 1903 году в Берлине состоялась премьера пьесы. Драма была сыграна 300 раз подряд, а это свидетельствует о небывалом успехе.

История создания и судьба пьесы «На дне»

Расцвет русской драмы XIX в. связан с именем А. Н. Островского. После его смерти критика заговорила об упадке современной драматургии, но в конце 90_х — начале 1900_х гг. драматическое искусство и его сценическое истолкование получают новый общепризнанный взлет. Знаменем нового театра становится драматургия Чехова, творчески прочтенная режиссерами_новаторами, основателями Московского художественного театра. В сущности, только с этого времени режиссер приобретает в русском театре большое значение.

Новизна режиссерской трактовки пьес и необычайная для старой сцены игра актеров принесла Художественному театру огромный успех и привлекла к нему внимание молодых литераторов. М. Горький писал, что не любить этот театр «невозможно, не работать для него — преступление». Первые пьесы Горького были написаны для Художественного театра. Увлечение работой над драмой было столь сильным, что Горький в течение нескольких лет почти перестал писать прозу. Театр для него — трибуна, с которой может громко прозвучать призыв к борьбе со всем, что ведет к порабощению человека; писатель дорожил возможностью использовать эту трибуну.

В своей поэтике Горький_драматург близок поэтике Чехова, но для его пьес характерны иная проблематика, иные герои, иное восприятие жизни — и его драматургия зазвучала по-новому. Характерно, что придирчивые современники почти не обратили внимания на типологическую родственность драматургии того и другого писателя. На первое место выступало индивидуальное горьковское начало.

В пьесах Горького звучат обвинение, вызов, протест. В отличие от Чехова, тяготевшего к раскрытию жизненных конфликтов при помощи полутонов и подтекста, Горький прибегал обычно к обнаженной заостренности, к подчеркнутому противопоставлению мировоззрений и общественных позиций героев. Это пьесы_диспуты, пьесы идейного противоборства.

Одной из таких пьес является «На дне». Впервые она напечатана отдельной книгой, под заглавием «На дне жизни», издательством Мархлевского в Мюнхене, без указания года, и под заглавием «На дне», издательством товарищества «Знание», СПб. 1903. Мюнхенское издание поступило в продажу в конце декабря 1902 г., петербургское — 31 января 1903 г. Спрос на книгу был необыкновенно велик: весь тираж первого петербургского издания, в количестве 40 000 экземпляров, разошёлся в течение двух недель; к концу 1903 г. было продано более 75 000 экземпляров — подобным успехом до того времени не пользовалось ни одно литературное произведение.

Творческий замысел пьесы «На дне» относится к самому началу 1900 г. Весной этого года, в Крыму, М.Горький рассказал К.С.Станиславскому содержание задуманной пьесы. «В первой редакции главная роль была роль лакея из хорошего дома, который больше всего берёг воротничок от фрачной рубашки — единственное, что связывало его с прежней жизнью. В ночлежке было тесно, обитатели её ругались, атмосфера была отравлена ненавистью. Второй акт кончался внезапным обходом ночлежки полицией. При вести об этом весь муравейник начинал копошиться, спешили спрятать награбленное; а в третьем акте наступала весна, солнце, природа оживала, ночлежники из смрадной атмосферы выходили на чистый воздух, на земляные работы, они пели песни и под солнцем, на свежем воздухе, забывали о ненависти друг к другу,» — вспоминал Станиславский.

В середине октября 1901 г. Горький сообщил К.П.Пятницкому, основателю и руководителю товарищества «Знание», что им задуман «цикл драм» из четырёх пьес, каждая из которых будет посвящена изображению определённого слоя русского общества. О последней из них в письме сказано: «Ещё одну: босяки. Татарин, еврей, актёр, хозяйка ночлежного дома, воры, сыщик, проститутки. Это будет страшно. У меня уже готовые планы, я вижу — лица, фигуры, слышу голоса, речи, мотивы действий — ясны, всё ясно!..».

Писать «На дне» М.Горький начал в конце 1901 г., в Крыму. В воспоминаниях о Л.Н.Толстом М.Горький рассказывает, что он читал в Крыму написанные части пьесы Л.Толстому.

В Арзамасе, куда М.Горький прибыл 5 мая 1902 г., он напряжённо продолжал работу над пьесой. 15 июня пьеса была закончена и беловая рукопись её выслана в Петербург, К.П.Пятницкому. Получив из Петербурга машинописные копии вместе с рукописью, М.Горький исправил текст пьесы и внёс в него ряд существенных дополнений. 25 июля один экземпляр пьесы был снова отправлен в Петербург, в издательство «Знание». Другой экземпляр М.Горький послал А.П.Чехову. После этого драма ни разу не подвергалась авторской правке.

Заглавие в процессе работы над пьесой менялось несколько раз. В рукописи она называлась «Без солнца», «Ночлежка», «Дно», «На дне жизни». Последнее заглавие сохранилось даже в беловой машинописи, правленой автором, и в печатном мюнхенском издании. Окончательное заглавие — «На дне» — впервые появилось только на афишах Московского Художественного театра.

Постановка пьесы на сцене русских театров встретила большие препятствия со стороны театральной цензуры. Сначала пьеса была категорически запрещена. Чтобы уничтожить или хотя бы ослабить революционную направленность пьесы, театральная цензура сделала в пьесе большие купюры и некоторые изменения.

Впервые пьеса поставлена на сцене 18/31 декабря 1902 г. Художественным театром в Москве. Художественный театр создал спектакль огромной впечатляющей силы, спектакль, легший в основу многочисленных копий в постановках других театров как русских, так и зарубежных. Пьеса «На дне» была переведена на многие иностранные языки и, начиная с 1903 г., с огромным успехом обошла сцены всех крупных городов мира. В Софии, в 1903 г., спектакль вызвал бурную уличную демонстрацию.

Так же пьесу ставили Вятский городский театр, Нижегородский театр, петербургские театры: Василеостровский театр, Ростовский-на-Дону театр, Товарищество Новой драмы в Херсоне (реж. и исполнитель роли Актера — Мейерхольд).

В последующие годы пьесу ставили многие провинциальные театры и столичные театры, среди них: Екатеринодарский и Харьковский театры (1910),Общедоступный театр, Петроград (1912), Московский Военный театр (1918), Народный театр драмы в Петрозаводске (1918), Харьковский театр рус. драмы (1936), Ленинградский театр драмы им. Пушкина (1956).

В 1936 пьеса была экранизирована французским режиссёром Ж. Ренуаром (Барон — Жуве, Пепел — Габен).

В наше время постановку пьесы «На дне» можно увидеть во многих театрах: МХАТ им.М. Горького, театр-студия Олега Табакова, Московский театр на Юго-западе, Небольшой драматический театр под руководством Льва Эренбурга.

Пьеса Максима Горького «На дне» рассказывает читателю об «потерянных» людях, маргиналах. Действие происходит в последнем прибежище опустившихся на «дно» жизни людях, в ночлежке, чьи частые гости и обитатели – воры и жулики, проститутки, нищие, убогие и больные. Надломленные и брошенные социумом на «гниение заживо», всё ещё люди надеются на лучшую жизнь.

История создания столь драматического произведения начинается в 1900 году, данная пьеса была одним из первых сочинений молодого, тогда ещё совсем неопытного писателя.

«Прощупывая» почву под ногами, Горький создает на основе многолетних наблюдений за босяками и униженными (коих всегда было более чем достаточно), драму, полную горькой и печальной правды, правды непростой для принятия правительством и властями для массовых театральных постановок.

Каждый герой произведения с своим индивидуальных характером, манерой речи и поведением, создавался писателем скрупулезно и трепетно. Черты отдельных героев Максим Горький списывал со своих знакомых, друзей и простых прохожих.

Например, Актер воплотил в себе актера большой сцены Колосовско-Соколовского, Бубнов вырисовался из под пера творца, как знакомый нищий интеллигент, а характер и манеры героини Насти были взяты из выдержек рассказов Клавдии Глосс.

Названия произведения видоизменялось по мере углубления действия и от первоначальных набросков типа «Без солнца» или «Ночлежка» эволюционировало в краткое и лаконичное «На дне», олицетворяющее последнее пристанище, ниже которого опускаться было уже некуда.

Повсеместно наложены множественные запреты и хищническая цензура, разрешение постановки было выбито многочисленными ходатайствами лишь для Московского общедоступного театра в 1902 году, в том же году и было закончено сочинение пьесы.

Расчет комиссии по допуску был на провал пьесы и полным отрицанием народа с отождествлением несчастного социального слоя в лице главных героев. Но народу полюбилась пьеса, она прижилась и имела большой успех у публики и критиков, после своего выхода 18 декабря, постановкой руководил уже прославившийся к тому времени и заручившийся поддержкой масс режиссёр Станиславский.

Рукоплескания и овации долго не смолкали в зале, людям нужна была правда, пусть, неприкрытая и горькая, но правда, пьеса сыскала оглушительный и исключительный успех. Тираж издания тут же увеличился, достигнув 75 тыс. копий пьесы.

И после 1905 года постановка перекочевала во многие городские театры по всей России, в их числе самые известные и крупные – Петербуржский, Вятский, Нижегородский, Киевский и прочие.

Каждый драматург мечтает создать такую пьесу, которая бы понравилась не только современникам, но и будущим поколениям. Оставаться актуальным на протяжении многих десятилетий может только то произведение, которое несет в себе какой-то смысл, учит чему-то, вскрывает нелицеприятные стороны общества, решает социальные проблемы. Именно к таким работам относится пьеса «На дне».

История создания пьесы «На дне» М. Горького | Реферат, доклад, сообщение, краткое содержание, конспект, сочинение, ГДЗ, тест, книга

В начале XX века Горький обращается к драматургии. Он пишет свои первые пьесы почти одновременно. «На дне» была задумана раньше, чем «Мещане», замысел «Дачни­ков» обозначился еще до первой премьеры «На дне».

Работа над пьесой началась в 1900 году. В январе следующего года Горький писал Станиславскому: «Затеял еще одну пьесу. Бо­сяцкую. Действующих лиц человек двадцать. Очень любопытно, что выйдет!»

Пьеса «На дне» была написана в 1902 году для труппы Московско­го Художественного общедоступного театра. По словам Горького, пьеса появилась в результате двадцатилетних наблюдений над миром «бывших людей», к которым он относил «… не только странников, оби­тателей ночлежек и вообще «люмпен-пролетариев», но и некоторую часть интеллигентов, оскорбленных и униженных неудачами в жиз­ни». Как указывал сам писатель, он наблюдал прототипов своих геро­ев в Нижнем Новгороде: артист Колосовский-Соколовский послужил прототипом Актера: Бубнова Горький писал не только со своего зна­комого босяка, но и с одного интеллигента, своего учителя; образ На­сти во многом заимствован из рассказов Клавдии Гросс.

Постановка пьес Горького была запрещена. Чтобы поставить «На дне», необходимо было ходатайство театрального общества или мест­ного губернатора. «Пришлось ехать в Петербург, отстаивать чуть ли не каждую фразу, скрипя сердце делать уступки и, в конце концов, добиться разрешения только для одного Художественного театра», — вспоминал впоследствии о постановке «На дне» В. Н. Немирович- Данченко. От бесед с тогдашним начальником Главного управления по делам печати, профессором Зверевым, у него осталось впечатле­ние, что «На дне» была разрешена только потому, что власти рассчи­тывали на оглушительный провал пьесы. Материал с сайта //iEssay.ru

18 декабря, спустя четыре с половиной месяца после ее созда­ния, состоялось первое представление пьесы, опубликована она была лишь через полтора месяца. Пьеса имела огромный успех. Доказательство тому множество газетных публикаций. Вот одна из них: «…Овация приняла небывалые размеры. Горький был вызван более 15 раз. Нечто не поддающееся описанию». Сам писатель был чрезвычайно удивлен: «Успех пьесы исключительный, я ничего по­добного не ожидал». Очевидцы и критика тех лет такой успех «На дне» в МХТ связывали с образом Луки, созданным в спектакле Иваном Москвиным. И в остальных ролях были задействованы ве­дущие актеры театра. Так, К. Станиславский играл Сатина, В. Ка­чалов — Барона, О. Книппер-Чехова — Настю.

Уже к сентябрю 1903 года пьеса была выпущена тиражом 75 000 экземпляров.

На этой странице материал по темам:
  • на дне краткое история создания
  • горький на дне характеристикавасилий
  • в какую эпоху была написана пьеса на дне
  • пьеса м горького на дне история создания
  • история создания пьесы на дне кратко

«На дне» анализ произведения Горького – жанр, смысл названия, проблематика, история создания рассказа

В произведении М. Горького “На дне” затронут огромный пласт моральных, нравственных и духовных проблем общества. Автор использовал принцип великих умов прошлого: истина рождается в споре. Его пьеса – диспут призвана поднять самые важные для человека вопросы, чтобы он сам ответил себе на них. Полный анализ произведения может быть полезен учащимся 11 классов при подготовке к урокам литературы, тестовым заданиям, творческим работам.

Материал подготовлен совместно с учителем высшей категории

Опыт работы учителем русского языка и литературы - 27 лет.

Краткий анализ

Перед прочтением данного анализа рекомендуем ознакомиться с самим произведением На дне.

Год написания – конец 1901 – начало 1902 года.

История создания – пьеса создавалась специально для постановки в театре, Горький вложил в уста своих героев самые важные вопросы бытия, отразил свой собственный взгляд на жизнь. Показан период конца XIX века, глубокий экономический кризис, безработица, бедность, разорение, крах человеческих судеб.

Тема – трагедия отверженных людей, которые оказались на самом дне жизни.

Композиция – линейная композиция, события в пьесе построены в хронологическом порядке. Действие статично, персонажи находятся на одном месте, пьеса состоит из философских размышлений и споров.

Жанр – социально-философская драма, пьеса-диспут.

Направление – критический реализм.

История создания

Пьеса была задумана Горьким за год до её создания, как-то в разговоре со Станиславским он упомянул, что хочет создать пьесу о жителях ночлежки, опустившихся на самое дно. В 1900–1901 году автор сделал кое-какие наброски. В этот период Максим Горький серьёзно увлёкся пьесами А. П. Чехова, их постановкой на сцене и игрой актёров. Это оказало решающее значение для автора в плане работы в новом жанре.

В 1902 году была написана пьеса “На дне”, а в декабре этого же года поставлена на сцене театра МХАТ с участием Станиславского. Нужно отметить, что написанию произведения предшествовал кризис, который случился в России в конце 90-х годов XIX века: фабрики и заводы остановились, безработица, разорение, нищета, голод – всё это реальная картина в городах того периода. Пьеса создавалась с определённой целью: поднять уровень культуры всех классов населения. Её постановка вызвала резонанс во многом благодаря гениальности автора, а также актуальности озвученных проблем. В любом случае о пьесе говорили – с завистью, недовольством или восхищением – это был успех.

Посмотрите, что еще у нас есть:

Тема

В произведении переплетаются несколько тем: судьба, надежда, смысл жизни, правда и ложь. Герои пьесы, находясь настолько низко, что дальше опуститься уже невозможно, рассуждают на высокие темы. Автор показывает, что бедный человек может иметь глубокую сущность, быть высокоморальным, духовно богатым.

Вместе с тем любой человек может опуститься на самое дно, подняться с которого практически невозможно: оно затягивает, даёт свободу от условностей, позволяет забыть о культуре, ответственности, воспитании и нравственных аспектах. Горький только озвучил самые острые проблемы современности, он не решил их, не дал универсального ответа, не показал путь. Поэтому его произведение названо пьесой-диспутом, она основана на споре, в котором рождается правда, своя для каждого персонажа.

Проблематика произведения разнообразна, самыми животрепещущими, пожалуй, стоит считать диалоги героев о спасительной лжи и горькой правде. Смысл названия пьесы в том, что социальное дно – это прослойка, где тоже есть жизнь, где люди любят, живут, мыслят и страдают, она существует в любую эпоху и никто не застрахован от этого дна.

Композиция

Композицию пьесы сам автор определял как “сцены”, хотя её гениальность соответствует шедевральным пьесам русских и зарубежных классиков. Линейность построения пьесы обусловлена хронологической последовательностью событий. Завязка пьесы – появление в ночлежке Луки с его непохожестью и безликостью. Далее в нескольких действиях происходит развитие событий, переходя к самому мощному накалу – диалогу о смысле существования, о правде и лжи. Это кульминация пьесы, за ней – развязка: самоубийство Актёра, потеря надежд последних обитателей ночлежки. Они не в состоянии спасти себя сами, а значит, обречены на гибель.

Жанр

Анализируя пьесу “На дне”, можно сделать вывод об уникальности горьковского жанра пьесы-диспута. Главным в развитии сюжета является конфликт, он движет действие. Герои находятся в тёмном подвале и динамика достигается за счёт столкновения противоположных точек зрения. Жанр произведения принято определять как социально-философская драма.

Тест по произведению

Доска почёта

Чтобы попасть сюда - пройдите тест.

    
  • Любовь Пятигорская

    11/15

  • Регина Чистова

    15/15

  • Светлана Капралова

    15/15

  • Ангелина Ефимова

    15/15

  • Лайла Китарова

    15/15

  • Лариса Безукладникова

    13/15

  • Венера Сероштан

    12/15

  • Алина Башкирова

    15/15

  • Наталья Белорукова

    11/15

  • Kurmanalieva Zhyldyz

    15/15

Рейтинг анализа

Средняя оценка: 4.3. Всего получено оценок: 3349.

История создания пьесы «На дне» Горького🎈

Каждый драматург мечтает создать такую пьесу, которая бы понравилась не только современникам, но и будущим поколениям. Оставаться актуальным на протяжении многих десятилетий может только то произведение, которое несет в себе какой-то смысл, учит чему-то, вскрывает нелицеприятные стороны общества, решает социальные проблемы. Именно к таким работам относится пьеса «На дне».

История написания драмы

Произведение Максима Горького «На дне» увидело свет в 1902 году. Оно было написано специально для труппы Московского художественного

общедоступного театра. Данная пьеса имеет очень непростую судьбу: она пережила запреты и цензуру, на протяжении стольких лет не умолкают споры о ее идейном содержании, художественном своеобразии. Драму восхваляли и критиковали, но равнодушно к ней не относился никто. Создание пьесы «На дне» было трудоемким, работу над ней писатель начал в 1900 году, а закончил только спустя два года.

На драматургию Горький обратил внимание в начале ХХ столетия. Именно тогда он поделился со Станиславским своей задумкой создать босяцкую пьесу, в которой было бы около двух десятков действующих лиц. Автор и сам не знал, что из

этого выйдет, на громкий успех он не рассчитывал, характеризовал свою работу как неудавшуюся, со слабым сюжетом, устаревшую.

Главные герои драмы

История создания пьесы «На дне» вполне прозаична. Максим Горький хотел в ней рассказать о своих наблюдениях за миром низов. К «бывшим людям» писатель относил не только обитателей ночлежек, пролетариев и странников, но и представителей интеллигенции, разочаровавшихся в жизни, потерпевших неудачи. Существовали и реальные прототипы главных героев.

Так, история создания пьесы «На дне» повествует, что образ Бубнова писатель создал, объединив характеры знакомого босяка и своего учителя-интеллигента. Актера Горький списал с артиста Колосовского-Соколовского, а из рассказов Клавдии Гросс был позаимствован образ Насти.

Борьба с цензурой

Немало времени пришлось потратить на получение разрешения на постановку пьесы. Автор отстаивал каждую реплику героев, каждую строчку своего творения. В конце концов было дано разрешение, но только для Художественного театра. История создания пьесы «На дне» была непростой, сам Горький не верил в свой успех, да и власти допустили постановку, надеясь на громкий провал. Но получилось все с точностью до наоборот: пьеса имела оглушительный успех, ей посвятили огромное количество публикаций в газетах, автора неоднократно вызывали на сцену, аплодируя ему стоя.

История создания пьесы «На дне» примечательна тем, что Горький не сразу определился с ее названием. Драма уже была написана, а как назвать, ее автор не решил. Среди известных вариантов фигурировали следующие: «Без солнца», «В ночлежном доме», «На дне жизни», «Ночлежка», «Дно». Лишь в 90-х годах ХХ столетия в одном из Московских театров была осуществлена постановка пьесы под названием «На дне». Как бы там ни было, но драма была хорошо принята зрителем не только в России, но и за рубежом. В 1903 году в Берлине состоялась премьера пьесы. Драма была сыграна 300 раз подряд, а это свидетельствует о небывалом успехе.

✅ История создания пьесы на дне кратко. История создания пьесы «На дне» М


История написания драмы

Произведение Максима Горького «На дне» увидело свет в 1902 году. Оно было написано специально для труппы Московского художественного общедоступного театра. Данная пьеса имеет очень непростую судьбу: она пережила запреты и цензуру, на протяжении стольких лет не умолкают споры о ее идейном содержании, художественном своеобразии. Драму восхваляли и критиковали, но равнодушно к ней не относился никто. Создание пьесы «На дне» было трудоемким, работу над ней писатель начал в 1900 году, а закончил только спустя два года.

На драматургию Горький обратил внимание в начале ХХ столетия. Именно тогда он поделился со Станиславским своей задумкой создать босяцкую пьесу, в которой было бы около двух десятков действующих лиц. Автор и сам не знал, что из этого выйдет, на громкий успех он не рассчитывал, характеризовал свою работу как неудавшуюся, со слабым сюжетом, устаревшую.

Критика

Нельзя сказать, что до появления на свет своей легендарной пьесы, Горький не имел какой-либо популярности в обществе. Но, можно подчеркнуть, что интерес к нему усилился именно из-за этого произведения.

Горький сумел показать бытовые, обыденные вещи, окружающие грязных, необразованных людей под новым углом. Он знал, о чем пишет, так как сам имел опыт в достижении своего положения в обществе, он ведь был выходцем из простонародья и сиротой. Нет точного объяснения, почему именно произведения Максима Горького имели такую популярность и произвели настолько сильное впечатление на публику, ибо он не был новатором какого-то жанра, писав обо всем известных вещах. Но творчество Горького в то время было модным, обществу нравилось читать его произведения, посещать театральные постановки по его творениям. Можно предположить, что градус социального накала в России поднимался, и многие были недовольны устоявшимся порядком в стране. Монархия себя исчерпала, а народные акции последующих лет были жестко подавлены, и поэтому многие люди с удовольствием искали минусы в существующей системе, как бы подкрепляя собственные выводы.

Особенности пьесы заключаются в способе изложения и подаче характеров персонажей, в гармоничном употреблении описаний. Одной из затронутых проблем в произведении является индивидуальность каждого героя и его борьба за неё. Художественные тропы и стилистические фигуры очень точно изображают условия обитания действующих лиц, ведь автор видел все эти детали лично.

Автор: Алёна Ласькова
Интересно? Сохрани у себя на стенке!

Главные герои драмы

История создания пьесы «На дне» вполне прозаична. Максим Горький хотел в ней рассказать о своих наблюдениях за миром низов. К «бывшим людям» писатель относил не только обитателей ночлежек, пролетариев и странников, но и представителей интеллигенции, разочаровавшихся в жизни, потерпевших неудачи. Существовали и реальные прототипы главных героев.

Так, история создания пьесы «На дне» повествует, что образ Бубнова писатель создал, объединив характеры знакомого босяка и своего учителя-интеллигента. списал с артиста Колосовского-Соколовского, а из рассказов Клавдии Гросс был позаимствован образ Насти.

Вывод

Каждый читатель вынесет для себя свой определенный вывод. Пьеса «На дне» может помочь человеку понять, что в жизни стоит всегда к чему-то стремиться, потому что это дает силы идти дальше, не оглядываясь назад. Не останавливаться с мыслями, что ничего не получится.

На примере всех героев можно увидеть абсолютное бездействие и незаинтересованность в собственной судьбе. Вне зависимости от возраста и пола, они просто погрязли в своем нынешнем положении, отговариваясь тем, что поздно сопротивляться и начинать все заново. Человек должен сам иметь желание изменить свое будущее, и при любой неудаче не винить жизнь, не обижаться на нее, а набираться опыта, переживая проблему. Обитатели ночлежки считают, что на них внезапно, за их страдания в подвале, должно свалиться чудо, которое принесет им новую жизнь, как и происходит – к ним является Лука, желающий приободрить всех отчаявшихся, помочь советом, чтобы сделать жизнь лучше. Но, они забыли, что словом не помочь упавшему, он протянул им руку, только ее никто не взял. А все лишь и ждут действия от кого угодно, но не от себя самих.

Борьба с цензурой

Немало времени пришлось потратить на получение разрешения на постановку пьесы. Автор отстаивал каждую реплику героев, каждую строчку своего творения. В конце концов было дано разрешение, но только для Художественного театра. История создания пьесы «На дне» была непростой, сам Горький не верил в свой успех, да и власти допустили постановку, надеясь на громкий провал. Но получилось все с точностью до наоборот: пьеса имела оглушительный успех, ей посвятили огромное количество публикаций в газетах, автора неоднократно вызывали на сцену, аплодируя ему стоя.

История создания пьесы «На дне» примечательна тем, что Горький не сразу определился с ее названием. Драма уже была написана, а как назвать, ее автор не решил. Среди известных вариантов фигурировали следующие: «Без солнца», «В ночлежном доме», «На дне жизни», «Ночлежка», «Дно». Лишь в 90-х годах ХХ столетия в одном из Московских театров была осуществлена постановка пьесы под названием «На дне». Как бы там ни было, но драма была хорошо принята зрителем не только в России, но и за рубежом. В 1903 году в Берлине состоялась премьера пьесы. Драма была сыграна 300 раз подряд, а это свидетельствует о небывалом успехе.

Появившееся в 1902 году произведение было новаторским по жанру. В этой социально-философской драме нет традиционного сюжета, действие развивается в диалогах персонажей. Место событий – ночлежка для «бывших» людей, оказавшихся «на дне» жизни.

Максим Горький определил основной вопрос пьесы так: «что лучше, истина или сострадание? Что нужнее?» . Проблематика драмы многообразна: место человека и его роль в жизни, вера в человека, правомерность существования утешительной лжи, возможность изменить собственную жизнь.

Прочитав краткое содержание «На дне» по действиям, можно получить представление о героях и основных конфликтах пьесы. Пьеса включена в программу литературы 11 класса.

Жанр, направление, композиция

Пьеса написана в жанре, имеющем название «социально-философская драма». Автор затрагивает именно такие темы и проблемы. Его направление можно обозначить как «критический реализм», хотя некоторые исследователи настаивают на формулировке «соцреализм», так как писатель акцентировал внимание публики на социальной несправедливости и вечном конфликте между бедными и богатыми. Таким образом, его работа приняла идеологический оттенок, ведь в то время противостояние между знатью и простым народом в России только накалялось.

Композиция произведения линейная, так как все действия хронологически последовательны и образуют единую нить повествования.

Главные герои

Костылев
Михаил
, 54-х лет, хозяин ночлежного дома.

Василиса

– супруга Костылева, 26-ти лет, любовница Пепла.

Наташа

– сестра Василисы, 20-ти лет. Мечтает о прекрасном будущем. Из-за побоев сестры попадает в больницу, выйдя из нее, исчезает.

Лука

– странник, 60-ти лет, проповедует утешительную ложь.

Васька Пепел

– вор, 28-ми лет, в нем пробуждается стремление изменить свою жизнь.

Клещ Андрей Митрич

– «рабочий человек» , слесарь 40-ка лет, надеется вернуться к прежней жизни.

Бубнов

– картузник, 45-ти лет. Убежден, что все люди на земле – лишние.

Барон

– бывший аристократ 33-х лет, сожитель Насти, уверен, что у него «все в прошлом» .

Сатин

– постоялец, около 40 лет, считает, что человек должен быть духовно свободен.

Актер

– пьяница, бывший актер, не видя возможности перемен, заканчивает жизнь самоубийством.

Другие персонажи

Медведев Абрам

– полицейский 50-ти лет, дядя Василисы и Наташи. Убежден – «человек должен вести себя смирно» .

Анна

– жена Клеща, 30-ти лет, добросердечная и спокойная, умерла в ночлежке.

Алешка

– сапожник, 20 лет.

Татарин, Кривой Зоб

– грузчики.

Настя

, девица легкого поведения, 24-х лет, мечтает о настоящей любви.

Квашня

– женщина лет 40-ка, торгует пельменями.

Акт первый

Действие происходит утром ранней весны в подвале ночлежки, похожей на пещеру.

Сидя возле одной из стен, Клещ подбирает ключи к старым замкам. В центре у большого грязного стола «хозяйничает» Квашня, Барон ест хлеб, Настя читает истрепанную книжку. За нестиранной занавеской на кровати в углу кашляет Анна. На печи ворочается Актер. Расположившись на нарах, собирается шить кепку Бубнов.

Обращаясь к Барону, Квашня утверждает, что, побывав замужем, больше никогда не расстанется со своей свободой. Клещ поддразнивает женщину словами о том, что она врет и рада будет идти замуж за Медведева, сделавшего ей предложение. Квашня же в ответ говорит, что он довел жену до полусмерти.

Барон, выхватывая у Насти книжку, и, прочитав название – «Роковая любовь» , – хохочет.

Анна просит перестать кричать и ссориться, дать ей спокойно умереть.

Сатин, Бубнов, Актер и Клещ ведут неспешный разговор. Сатин говорит, что прежде был культурным человеком. Бубнов припоминает, что его профессия – скорняк и когда-то он имел «собственное заведение» . Актер думает, что главное в жизни не образование, а талант.

Появляется Костылев, разыскивает жену. Стучит в дверь комнаты Пепла (комната отгорожена тонкими досками в углу ночлежки), собираясь поговорить, но Пепел прогоняет его. Костылев уходит.

Из дальнейшего разговора обитателей подвала становится ясно: у Пепла роман с женой хозяина ночлежки Василисой.

Сатин просит деньги у Пепла, тот дает, и Сатин рассуждает о деньгах и работе. Он считает, жизнь хороша, когда труд – удовольствие, а если работа это обязанность, то жизнь превращается в рабство.

Актер и Сатин уходят.

Появляется Наташа, с ней – новый постоялец, Лука. Пепел заигрывает с Наташей, но та не принимает ухаживаний.

Входит выпивший Алешка, он не может понять, чем он хуже других, почему его везде гонят.

Пепел, обращаясь к Клещу, говорит, что тот «зря скрипит» . Клещ говорит, что вырвется отсюда, не хочет жить, как все здесь – «без чести и совести» . Пепел же считает, что люди в ночлежке не хуже Клеща. Пепел с Бароном уходят.

Появляется Василиса, она выгоняет пьяного Алешку, ругает постояльцев за грязь. Потом интересуется, заходила ли Наташа и говорила ли с Василием. Уходит.

В сенях слышен шум и крики: Василиса бьет Наташу. Медведев, Квашня и Бубнов бегут разнимать сестер.

Акт второй

Действие пьесы происходит в той же обстановке. Несколько постояльцев заняты игрой в карты, за ними наблюдают Актер и Клещ. Медведев с Бубновым играют в шашки. Лука сидит возле кровати Анны.

Беседуя с Лукой, Анна жалуется на свою жизнь. Старец успокаивает ее, обещая рай и отдых после смерти.

Актер собирается «продекламировать куплеты» Луке, но обнаруживает, что забыл стихи. Он сокрушается о том, что для него все кончено – он «пропил душу» . Лука отвечает, что не все в жизни Актера потеряно: есть бесплатные лечебницы для пьяниц, только не помнит, в каком городе. Он уговаривает Актера потерпеть и воздержаться от пьянства. «Человек – все может… лишь бы захотел» ,- считает Лука.

Заходит угрюмый Пепел. Он обращается к Медведеву, спрашивая, сильно ли избила Василиса сестру. Тот отказывается говорить, замечая, что это не его, вора, дело. Пепел в ответ угрожает рассказать следователю о том, что «Мишка Костылев с женой» его на воровство подбил и краденое купил.

Лука пробует вмешаться в их разговор, но Пепел спрашивает, зачем Лука врет, говоря всем, что везде хорошо. Лука же убеждает Василия, что вместо поисков правды ему нужно идти в «золотую сторону» , Сибирь, именно там он сможет найти свой путь.

Входит Василиса. Она говорит с Пеплом, и тот признается, что Василиса надоела ему – в ней «души нет» . Василиса предлагает Пеплу жениться на сестре в обмен на убийство своего надоевшего мужа.

Входит Костылев, между ним и Василием вспыхивает ссора, но драку предотвращает Лука. Он советует Пеплу не иметь дело с Василисой, а уходить прочь из ночлежки с той, которая вору по душе – с Наташей.

Странник, заглянув за полог, где лежит Анна, обнаруживает, что она умерла.

Постепенно все жители ночлежки собираются у кровати Анны.

Акт третий

Действие – на «пустыре» , захламленном и заросшем бурьяном дворе ночлежки.

Настя рассказывает слушателям историю своей любви. Бубнов и Барон посмеиваются над ее рассказом, не веря, а девушка страстно доказывает, что она пережила настоящую любовь. Она плачет. Лука успокаивает ее, говорит, что раз сама она верит, то любовь такая была, а сожитель ее смеется, потому что в его жизни не было ничего настоящего.

Обитатели «дна» рассуждают о правде и лжи.

Наташа говорит, что и она выдумывает и ждет кого-то «особенного» или чего-то «небывалого» . Хотя, чего ждать – она не понимает, «всем плохо жить» .

Бубнов считает, что люди часто обманывают, чтобы «душу подкрасить» , сам он не видит смысла врать, ему лучше «валить всю правду, как она есть! Чего стесняться?»

Клещ людей ненавидит и правда ему ни к чему. Сказав об этом, он убегает

Появляется Пепел, включается в разговор. Спрашивает Луку, зачем тот обманывает, говоря, что везде хорошо. Лука отвечает, что «не всегда правдой душу вылечишь» , поэтому человека стоит пожалеть. Говорит, что скоро покинет ночлежку.

Пепел зовет Наташу уйти вместе с ним, признается в любви, обещает бросить воровство. Он чувствует, что надо изменить жизнь, «так жить, чтобы самому себя можно мне было уважать» . Наташа в раздумье, но все-таки решается поверить ему.

Подходят Костылев с женой. Василиса (она слышала беседу Пепла и Наташи) старается столкнуть Пепла и мужа, но Лука успокаивает Василия.

Костылев разговаривает с Лукой, говорит, что человек должен жить по правилам, а все хорошие люди имеют паспорт. Лука открыто говорит, что думает: Костылеву никогда не измениться, ведь он как непригодная для урожая земля – ни на что не годен.

Хозяева ночлежки прогоняют Луку, и он обещает уйти ночью.

Бубнов говорит Луке, что «вовремя уйти всегда лучше» и рассказывает свою историю.

Сатин и Актер, о чем-то споря, заходят в подвал. Сатин говорит, что никуда Актер не уйдет и требует сказать, чего Лука наобещал Актеру. Странник спрашивает, каким образом мог оказаться в ночлежке Сатин. Тот с неохотой рассказывает, что попал в тюрьму из-за сестры: «убил подлеца в запальчивости и раздражении» , а после тюрьмы все дороги закрыты.

Входит угрюмый Клещ – он вынужден был продать все инструменты, чтобы похоронить Анну и не понимает, как жить дальше.

Из квартиры Костылевых слышен крик Наташи: «Бьют! Убивают!» . Актер и Сатин выходят, чтобы разобраться, что происходит. Звучат отдельные голоса, по репликам понятно, что постояльцы пытаются разнять Василису и Наташу.

Появляются Квашня и Настя, помогают идти Наташе – она избита и ноги ее обварены кипятком. За ними идут Костылев, Василиса, обитатели ночлежки. Появившийся Пепел видит Наташу и бьет с размаху Костылева. Тот падает. Василиса кричит, что убили мужа, указывает на Пепла. Василий же говорит, что сама Костылева подговаривала его убить мужа.

Наташа в истерике обвиняет сестру и Пепла в сговоре и, почти теряя сознание, просит забрать ее саму в тюрьму.

Акт четвертый

Ранняя весна. Ночь. Подвал ночлежки. За столом Клещ, Настя, Сатин, Барон. На печи – Актер. В углу, где была комната Пепла (теперь перегородки сломаны), лежит Татарин.

Обитатели подвала вспоминают о Луке, который исчез во время суматохи вокруг Наташи и Костылева. Настя считает, что он все понимал и все видел. Своих же собеседников называл «ржавчиной» . Клещ соглашается – старик хороший, жалостливый. Татарин считает, что Лука жил по закону «Не обижай человека» .

Для Сатина «старикан» «как мякиш для беззубых» , к тому же Лука смутил умы обитателей ночлежки.

Барон называет Луку шарлатаном.

Настя, которой стали противны, и жизнь, и люди, хочет уйти «на край света» . Барон, предлагая девушке взять с собой Актера, издевается над его мечтой вылечиться.

Клещ замечает, что странник Лука «поманил куда-то, а сам дорогу не сказал» . По его мнению, он «очень против правды восставал. Верно – и без нее – дышать нечем» .

Сатин в возбуждении приказывает «молчать о старике» – тот, в отличие от всех, понимал, что «правда – это человек» , а обманывал из жалости к людям. Странник влиял на его отношение к миру как «кислота на старую и грязную монету» .

Разговор об убийстве Костылева. Попав в больницу после издевательств сестры и выйдя из нее, Наташа исчезла. Все считают, что Василиса выкрутится, а Пепел попадет если не на каторгу, то в тюрьму – точно.

Сатин рассуждает о том, что человека нужно уважать, а «не унижать его жалостью» . Барон признается, что живет, как во сне, не видя и не понимая смысла жизни.

Актер, вдруг слезает с печки и выбегает из подвала.

Входят Медведев с Бубновым, за ними – другие обитатели ночлежки. Кто-то устраивается на ночлег, несколько человек поют. Распахивается дверь. Барон кричит с порога – на пустыре повесился Актер.

Сатин произносит: «Эх, испортил песню, дур-рак!»

Вариант 2

Горький написал пьесу о жизни опустившихся людей с целью показать свое понимание способа, который люди должны использовать, противостоя жесткому давлению обстоятельств.

Три героя пьесы придерживаются трех противоположных вариантов понимания «правды жизни». Это не открытый спор, где каждый доказывает другой стороне свою точку зрения, а противостояние моделей поведение.

Лука пытается помочь каждому найти какое-либо, пусть даже ложное утешение. Он не имеет возможности существенно помогать страждущим в реальности, поэтому проповедует «ложь во спасение». Лука уверен, что главное – это дать каждому человеку надежду, которая помогает жить и противостоять обстоятельствам. Однако ход событий в пьесе показывает, что Лука так и не смог никому помочь своими утешениями. Например, тот же актер вешается, ему не помогла надежда найти клинику, в которой его излечат от алкоголизма.

По самому простому пути идет Бубнов. Он заявляет, что он противник лжи. Однако его правда, также как и грезы, которые поддерживает у людей Лука, никому не способны помочь. И разрушение и возведение «воздушных замков» одинаково бесполезны.

Третью точку зрения, которой придерживается и сам автор, выражает Сатин. Он, в отличие от Луки, изображен человеком действия. Человек, по мнению этого обитателя ночлежки, должен опираться на свою внутреннюю силу, гордость и чувство собственного достоинства. Только таким путем можно противостоять жесткому давлению обстоятельств.

Отличие Сатина от Луки в том, что он лишен жалости. Противопоставляя философию Сатина проповедям Луки, автор пьесы стремился показать свое неприятие воззрений, распространенных среди интеллигенции того времени. Это толстовское непротивление злу и служение народу малыми делами, без коренного переустройства условий его жизни. В утешении простых людей и самоутешении интеллигенции Горький видел одну из главных опасностей в деле построения нового общества.

Сатин представляет собой тип сильного человека, который способен на решительную и бескомпромиссную борьбу. Это тип революционера. Крушение попыток Луки, изображенное в пьесе, должно было показать, что реально помочь людям могут только такие люди как Сатин. Только те, кто воспримет мировоззрение, которое придерживается этот персонаж смогут разрушить старый буржуазный мир, олицетворяемый в пьесе ночлежкой и реально помочь обездоленным.

Тест по пьесе

Прочитав краткое содержание произведения Горького, попробуйте ответить на вопросы:

Рейтинг пересказа

Средняя оценка: 4.6 . Всего получено оценок: 9633.

Пьеса «На дне» была задумана Горьким как одна из четырех пьес цикла, показывающего жизнь и мировоззрение людей из разных слоев общества. Это — одна из двух целей создания произведения. Глубинный смысл, который заложил в него автор — попытка ответить на главные вопросы человеческого существования: что есть человек и сохранит ли он свою личность, опустившись «на дно» нравственного и социального бытия.

Анализ «На дне» Горький

В произведении М. Горького “На дне” затронут огромный пласт моральных, нравственных и духовных проблем общества. Автор использовал принцип великих умов прошлого: истина рождается в споре. Его пьеса – диспут призвана поднять самые важные для человека вопросы, чтобы он сам ответил себе на них. Полный анализ произведения может быть полезен учащимся 11 классов при подготовке к урокам литературы, тестовым заданиям, творческим работам.

История создания пьесы

Первые свидетельства о работе над пьесой относятся к 1900 году, когда Горький в разговоре со Станиславским упоминает о желании написать сцены из жизни ночлежки. Некоторые наброски появились в конце 1901 года. В письме к издателю К. П. Пятницкому, которому и посвятил произведение автор, Горький писал, что в задуманной пьесе для него ясны все персонажи, идея, мотивы действий, и «это будет страшно». Окончательный вариант произведения был готов 25 июля 1902 года, издан в Мюнхене и уже в конце года поступил в продажу.

Не так радужно обстояли дела с постановкой пьесы на сценах российских театров — она практически запрещена. Исключение сделано только для МХАТа, остальные театры должны были получать особое разрешение на постановку.

Название пьесы в процессе работы менялось, по крайней мере, четыре раза, а жанр автором так и не был определен — в издании значилось «На дне жизни: сцены». Укороченное и всем сегодня знакомое название впервые появилось в театральной афише при первой постановке в МХАТ.

Первыми исполнителями стал звездный состав Московского художественного академического театра: в роли Сатина выступил К. Станиславский, Барона — В. Качалов, Луки — И. Москвин, Насти — О. Книппер, Наташи — М. Андреева.

Несколько интересных сочинений

  • Сочинение Если бы я был волшебником 5, 6 класс
    Если бы я был волшебником, то я бы прекратил на земле все войны и установил мир во всём мире. Чтобы дети не гибли и не становились инвалидами. Если бы я был волшебником, то я придумал лекарство от рака
  • Сочинение по картине Маковского В.Е. В сельской школе (описание)
  • Сочинение по Повести о Петре и Февронии Муромских анализ
    В России очень много святых, чьи имена известны пожалуй не только в нашей стране. Не станут исключением и знаменитые русские святые Пётр и Феврония Муромские.
  • Княжна Алина в романе Евгений Онегин Пушкина сочинение
    Княжна – титул, который может носить только незамужняя женщина, так как супруга князя именуется кузиной. Как мы узнаем из романа, Алина является старой девой, которая приходится кузиной (двоюродная сестра) для старшей Лариной
  • Анализ сказки Алиса в стране чудес
    По жанровой направленности произведение является сказкой в стиле абсурда, автором которой становится английский математик, увлекающийся поэзией и литературой, по имени Чарльз Лютвидж Доджсон

Основной сюжет произведения

Сюжет пьесы завязан на отношениях героев и в обстановке всеобщей ненависти, которая царит в ночлежке. Это — внешняя канва произведения. Параллельное действие исследует глубину падения человека «на дно», меру ничтожества социально и духовно опустившегося индивидуума.

Действие пьесы начинается и заканчивается сюжетной линией взаимоотношений двух персонажей: вора Васьки Пепла и жены владельца ночлежки Василисы. Пепел любит ее младшую сестру Наташу. Василиса ревнует, постоянно избивает сестру. Есть у нее и еще один интерес к любовнику — она хочет освободиться от мужа и подталкивает Пепла к убийству. В ходе пьесы Пепел действительно в ссоре убивает Костылева. В последнем же акте пьесы постояльцы ночлежки говорят, что Ваське придется идти на каторгу, а Василиса все равно «выкрутиться». Таким образом, действие закольцовывается судьбами двух героев, но далеко не ограничивается ими.

Временной промежуток пьесы — несколько недель ранней весны. Время года — важная составляющая пьесы. Одно из первых названий, данных автором произведению, «Без солнца». Действительно, вокруг весна, море солнечного света, а в ночлежке и в душах ее обитателей — мрак. Лучом солнца для ночлежников стал Лука, бродяга, которого в один из дней приводит Наташа. Лука приносит надежду на счастливый исход в сердца опустившихся и утративших веру в лучшее людей. Однако в конце пьесы Лука исчезает из ночлежки. Доверившиеся ему персонажи теряют веру в лучшее. Пьеса заканчивается самоубийством одного из них — Актера.

Анализ пьесы

Пьеса описывает жизнь московской ночлежки. Главными героями, соответственно, стали ее обитатели и хозяева заведения. Также в ней появляются лица, имеющие отношение к жизни заведения: полицейский, он же дядя хозяйки ночлежки, торговка пельменями, грузчики.

Сатин и Лука

Шулер, бывший каторжник Сатин и бродяга, странник Лука — носители двух противоборствующих идей: необходимости сострадания к человеку, спасительной лжи из любви к нему, и необходимости знать правду, как доказательство величия человека, как знак доверия к его силе духа. Для того, чтобы доказать ложность первого мировоззрения и истинность второго автором и выстроено действо пьесы.

Другие персонажи

Все остальные персонажи составляют фон для этой битвы идей. Кроме того, они призваны показать, измерить глубину падения, до которой способен опуститься человек. Пьяница Актер и смертельно больная Анна, люди, совершенно потерявшие веру в свои силы, подпадают под власть чудесной сказки, в которую уводит их Лука. Они наиболее зависимы от него. С его уходом они физически не могут жить и умирают. Остальные обитатели ночлежки воспринимают появление и уход Луки, как игру солнечного весеннего луча — появился и исчез.

Настя, продающая свое тело «на бульваре», верит в то, что есть светлая любовь, и она была в ее жизни. Клещ, муж умирающей Анны, верит, что он поднимется со дна и вновь станет зарабатывать на жизнь трудом. Ниточкой, которая связывает его с рабочим прошлым, остается ящик с инструментами. В конце пьесы он вынужден их продать, чтобы похоронить жену. Наташа надеется, что Василиса изменится и перестанет ее мучить. После очередных побоев, выйдя из больницы, она больше не появится в ночлежке. Васька Пепел стремится остаться с Натальей, но не может выпутаться из сетей властной Василисы. Последняя, в свою очередь, ждет, что смерть мужа развяжет ей руки и даст долгожданную свободу. Барон живет своим аристократическим прошлым. Картежник Бубнов, разрушитель «иллюзий», идеолог человеконенавистничества, считает, что «все люди лишние».

Произведение создавалось в условиях, когда после экономического кризиса 90-х годов XIX века в России встали заводы, население стремительно беднело, многие оказались на нижней ступени социальной лестницы, в подвале. Каждый из героев пьесы в прошлом пережили падение «на дно», социальное и нравственное. Сейчас они живут воспоминанием об этом, но подняться «на свет» не могут: не умеют, нет сил, стыдятся своего ничтожества.

Проблемы

В пьесе богатая проблематика. Максим Горький попытался в одном произведении указать актуальные, на то время, нравственные проблемы, которые, впрочем, существуют и по сей день.

  1. Первой проблемой является конфликт между обитателями ночлежки, причем не только друг с другом, но и с жизнью. По диалогам между героями можно понять их взаимоотношения. Постоянные ссоры, расхождение во мнениях, элементарные долги приводят к вечным перепалкам, что является ошибкой в данном случае. Ночлежникам нужно научиться жить над одной крышей в гармонии. Взаимопомощь облегчит быт, изменит общую атмосферу. Проблема общественного конфликта заключается в разрушении любого социума. Бедняки объединены общей проблемой, но, вместо её решения, они создают новые общими усилиями. Конфликт с жизнью заключается в отсутствии адекватного ее восприятия. Бывшие люди обижены на жизнь, из-за чего не предпринимают дальнейшие шаги к созданию другого будущего и просто плывут по течению.
  2. Другой проблемой можно выделить острый вопрос: «Истина или сострадание?». Автор создает повод для размышления: показать героям реалии жизни или посочувствовать такой судьбе? В драме кто-то страдает от физического или психологического насилия, а кто-то умирает в муках, но получает свою долю сострадания, и это уменьшает его мучения. У каждого человека свой взгляд на происходящую ситуацию, и реагируем мы исходя из своих ощущений. Писатель в монологе Сатина и исчезновении странника четко дал понять, на чьей он стороне. Лука выступает в роли антагониста Горького, пытаясь вернуть обитателей к жизни, показать истину и утешить страдающих.
  3. Также в пьесе поднимается проблема гуманизма. Точнее, его отсутствия. Возвращаясь снова к отношениям между обитателями, и их отношению к самим себе, — можно рассмотреть данную проблему с двух позиций. Отсутствие гуманизма со стороны героев друг к другу можно увидеть в ситуации с умирающей Анной, на которую никто не обращает внимания. Во время издевательства Василисы над сестрой Наташей, унижения Насти. Появляется мнение, что, если люди оказались на дне, значит, более никакая помощь им не нужна, каждый сам за себя. Эта жестокость к самим себе обуславливается их нынешним образом жизни – постоянные пьянки, драки, несущие в себе разочарование и потерю смысла в жизни. Существование перестаёт являться высшей ценностью, когда цели к ней нет.
  4. Проблема безнравственности поднимается в связи с образом жизни, который жители ведут исходя из социального расположения. Работа Насти девушкой по вызову, игры в карты на деньги, употребление алкоголя с вытекающими последствиями в виде драк и приводов в полицию, воровство – все это последствия нищеты. Автор показывает данное поведение как типичное явление для людей, оказавшихся на дне социума.

Главные герои

Светом для некоторых стал Лука. Горький дал Луке «говорящее» имя. Оно отсылает и к образу святого Луки, и к понятию «лукавство». Очевидно, что автор стремится показать несостоятельность идей Луки о благотворной ценности Веры для человека. Горький практически низводит сострадательный гуманизм Луки к понятию предательства — по сюжету пьесы бродяга уходит из ночлежки как раз тогда, когда те, которые ему доверились, нуждаются в его поддержке.

Сатин — фигура, призванная озвучить мировоззрение автора. Как писал Горький, Сатин не совсем подходящий для этого персонаж, но другого со столь же мощной харизмой в пьесе просто нет. Сатин является идейным антиподом Луки: он ни во что не верит, видит безжалостную суть жизни и того положения, в котором оказался он и остальные обитатели ночлежки. Верит ли Сатин в Человека и его силу над властью обстоятельств и совершенных ошибок? Страстный монолог, который он произносит, заочно споря с ушедшим Лукой, оставляет сильное, но противоречивое впечатление.

Есть в произведении и носитель «третьей» правды — Бубнов. Этот герой, как и Сатин, «стоит за истину», только она у него как-то очень страшна. Он человеконенавистник, но, по сути, убийца. Только гибнут не от ножа в его руках, а от ненависти, которую питает он к каждому.

Драматизм пьесы возрастает от акта к акту. Связующей канвой становятся утешительные разговоры Луки со страждущими его сострадания и редкие реплики Сатина, говорящие о том, что он внимательно слушает речи бродяги. Кульминация пьесы — монолог Сатина, произнесенный после ухода-бегства Луки. Фразы из него часто цитируют, поскольку они имеют вид афоризмов; «Все в человеке — все для человека!», «Ложь — религия рабов и хозяев… Правда — бог свободного человека!», «Человек — это звучит гордо!».

Заключение

Горьким итогом пьесы становится торжество свободы падшего человека погибнуть, исчезнуть, уйти, не оставив после себя ни следа, ни воспоминаний. Обитатели ночлежки свободны от общества, норм морали, от семьи и средств к существованию. По большому счету, они свободны от жизни.

Пьеса «На дне» живет уже более века и продолжает оставаться одним из наиболее сильных произведений русской классики. Пьеса заставляет задуматься о месте веры и любви в жизни человека, о природе правды и лжи, о способности человека противостоять нравственному и социальному падению.

Каждый драматург мечтает создать такую пьесу, которая бы понравилась не только современникам, но и будущим поколениям. Оставаться актуальным на протяжении многих десятилетий может только то произведение, которое несет в себе какой-то смысл, учит чему-то, вскрывает нелицеприятные стороны общества, решает социальные проблемы. Именно к таким работам относится пьеса “На дне”.

История написания драмы

Произведение Максима Горького “На дне” увидело свет в 1902 году. Оно было написано специально для труппы Московского художественного общедоступного театра. Данная пьеса имеет очень непростую судьбу: она пережила запреты и цензуру, на протяжении стольких лет не умолкают споры о ее идейном содержании, художественном своеобразии. Драму восхваляли и критиковали, но равнодушно к ней не относился никто. Создание пьесы “На дне” было трудоемким, работу над ней писатель начал в 1900 году, а закончил только спустя два года.

На драматургию Горький обратил внимание в начале ХХ столетия. Именно тогда он поделился со Станиславским своей задумкой создать босяцкую пьесу, в которой было бы около двух десятков действующих лиц. Автор и сам не знал, что из этого выйдет, на громкий успех он не рассчитывал, характеризовал свою работу как неудавшуюся, со слабым сюжетом, устаревшую.

Главные герои драмы

История создания пьесы “На дне” вполне прозаична. Максим Горький хотел в ней рассказать о своих наблюдениях за миром низов. К “бывшим людям” писатель относил не только обитателей ночлежек, пролетариев и странников, но и представителей интеллигенции, разочаровавшихся в жизни, потерпевших неудачи. Существовали и реальные прототипы главных героев.

Так, история создания пьесы “На дне” повествует, что образ Бубнова писатель создал, объединив характеры знакомого босяка и своего учителя-интеллигента. Актера Горький списал с артиста Колосовского-Соколовского, а из рассказов Клавдии Гросс был позаимствован образ Насти.

Борьба с цензурой

Немало времени пришлось потратить на получение разрешения на постановку пьесы. Автор отстаивал каждую реплику героев, каждую строчку своего творения. В конце концов было дано разрешение, но только для Художественного театра. История создания пьесы “На дне” была непростой, сам Горький не верил в свой успех, да и власти допустили постановку, надеясь на громкий провал. Но получилось все с точностью до наоборот: пьеса имела оглушительный успех, ей посвятили огромное количество публикаций в газетах, автора неоднократно вызывали на сцену, аплодируя ему стоя.

История создания пьесы “На дне” примечательна тем, что Горький не сразу определился с ее названием. Драма уже была написана, а как назвать, ее автор не решил. Среди известных вариантов фигурировали следующие: “Без солнца”, “В ночлежном доме”, “На дне жизни”, “Ночлежка”, “Дно”. Лишь в 90-х годах ХХ столетия в одном из Московских театров была осуществлена постановка пьесы под названием “На дне”. Как бы там ни было, но драма была хорошо принята зрителем не только в России, но и за рубежом. В 1903 году в Берлине состоялась премьера пьесы. Драма была сыграна 300 раз подряд, а это свидетельствует о небывалом успехе.

Темы

Несмотря на, казалось бы, достаточно простой сюжет и отсутствие крутых кульминационных поворотов, произведение изобилует темами, которые дают почву для размышлений.

  1. Тема надежды тянется через всю пьесу до самой развязки. Она витает в настроении произведения, но ни разу никто не упоминает о своем намерении выбраться из ночлежки. Надежда присутствует в каждом диалоге обитателей, но лишь косвенно. Как когда-то каждый из них попал на дно, так когда-нибудь они и мечтают оттуда выбраться. В каждом теплится маленькая возможность снова вернуться к прошлой жизни, где каждый был счастлив, хоть и не ценил этого.
  2. Тема судьбы также является немало важной в пьесе. Она определяет роль злого рока и его значение для героев. Судьба может быть в произведении той движущей силой, которую нельзя было изменить, что свела всех обитателей вместе. Или тем обстоятельством, всегда подверженным измене, которое нужно было преодолеть, чтобы суметь достичь больших успехов. По жизни обитателей можно понять, что они приняли свою судьбу и пытаются изменить её лишь в противоположную сторону, считая, что падать ниже им некуда. Если же кто-то из жильцов пытается предпринять попытку изменить свое положение и выбраться со дна – претерпевает крах. Возможно, автор хотел показать таким образом, что они заслужили такую участь.
  3. Тема смысла жизни выглядит достаточно поверхностно в пьесе, но, если вдуматься, то можно понять причину такого отношения к жизни героев лачуги. Каждый считает нынешнее положение дел – дном, из которого не выбраться никуда: ни вниз, ни, тем более, наверх. Герои, несмотря на разные возрастные категории, разочарованы в жизни. Они потеряли к ней интерес, и перестали видеть какой-либо смысл в собственном существовании, что уж говорить о сочувствии друг к другу. Они не стремятся к другой участи, потому что не представляют её. Лишь алкоголь иногда придаёт существованию краски, отчего ночлежники любят выпить.
  4. Тема правды и лжи в пьесе является основной задумкой автора. Данная тема является философским вопросом в произведении Горького, о котором он размышляет устами героев. Если говорить о правде в диалогах, то, её границы стираются, ибо порой герои говорят несуразные вещи. Тем не менее, в их словах скрываются секреты и тайны, раскрываемые нам по ходу сюжета произведения. Автор поднимает данную тему в пьесе, так как рассматривает истину как способ спасения обитателей. Показать героям реальное положение дел, открыв глаза на мир и на их собственную жизнь, которую они теряют каждый день в хижине? Или скрывать правду под масками лжи, притворства, потому что им так легче? Ответ каждый выбирает самостоятельно, но автор дает понять, что ему по душе первый вариант.
  5. Тема любви и чувств затрагивает в произведении, поскольку даёт возможность понять взаимоотношения обитателей. Любовь в ночлежке, даже между супругами, абсолютно отсутствует, да и вряд ли имеет возможность там появиться. Само место словно пропитано ненавистью. Всех соединила лишь общая жилплощадь и чувство несправедливости судьбы. В воздухе витает равнодушие, как к здоровым, так и к больным людям. Лишь перебранки, словно грызутся собаки, веселят ночлежников. Вместе с интересом к жизни потеряны краски эмоций и чувства.

История создания пьесы Максима Горького “На дне” ❤️| Горький Максим

Пьеса Максима Горького «На дне» рассказывает читателю об «потерянных» людях, маргиналах. Действие происходит в последнем прибежище опустившихся на «дно» жизни людях, в ночлежке, чьи частые гости и обитатели – воры и жулики, проститутки, нищие, убогие и больные. Надломленные и брошенные социумом на «гниение заживо», всё ещё люди надеются на лучшую жизнь.

История создания столь драматического произведения начинается в 1900 году, данная пьеса была одним из первых сочинений молодого, тогда ещё совсем неопытного писателя.

«Прощупывая» почву

под ногами, Горький создает на основе многолетних наблюдений за босяками и униженными (коих всегда было более чем достаточно), драму, полную горькой и печальной правды, правды непростой для принятия правительством и властями для массовых театральных постановок.

Каждый герой произведения с своим индивидуальных характером, манерой речи и поведением, создавался писателем скрупулезно и трепетно. Черты отдельных героев Максим Горький списывал со своих знакомых, друзей и простых прохожих.

Например, Актер воплотил в себе актера большой сцены Колосовско-Соколовского, Бубнов вырисовался из под пера творца,

как знакомый нищий интеллигент, а характер и манеры героини Насти были взяты из выдержек рассказов Клавдии Глосс.

Названия произведения видоизменялось по мере углубления действия и от первоначальных набросков типа «Без солнца» или «Ночлежка» эволюционировало в краткое и лаконичное «На дне», олицетворяющее последнее пристанище, ниже которого опускаться было уже некуда.

Повсеместно наложены множественные запреты и хищническая цензура, разрешение постановки было выбито многочисленными ходатайствами лишь для Московского общедоступного театра в 1902 году, в том же году и было закончено сочинение пьесы.

Расчет комиссии по допуску был на провал пьесы и полным отрицанием народа с отождествлением несчастного социального слоя в лице главных героев. Но народу полюбилась пьеса, она прижилась и имела большой успех у публики и критиков, после своего выхода 18 декабря, постановкой руководил уже прославившийся к тому времени и заручившийся поддержкой масс режиссёр Станиславский.

Рукоплескания и овации долго не смолкали в зале, людям нужна была правда, пусть, неприкрытая и горькая, но правда, пьеса сыскала оглушительный и исключительный успех.
Тираж издания тут же увеличился, достигнув 75 тыс. копий пьесы.

И после 1905 года постановка перекочевала во многие городские театры по всей России, в их числе самые известные и крупные – Петербуржский, Вятский, Нижегородский, Киевский и прочие.

Написание сценария игры: все, что вам нужно знать

При написании сценария игры ваш сценарий должен включать настройки, диалоги и действия, которые происходят на протяжении всей игры. Этот тип сценария описывает, кто что говорит или делает, когда и как, а также описывает обстановку сцены, такую ​​как фоны, освещение и реквизит. Это специально для живых визуальных историй на сцене, включая драмы, комедии и мюзиклы.

Как написать сценарий воспроизведения

Прежде чем вы начнете, важно понять, как правильно оформить пьесу и какие элементы истории нужно включить.Чтобы написать сценарий воспроизведения, выполните следующие действия:

Вдохновение

Первый шаг - прочитать и посмотреть как можно больше пьес. Во время исследования обращайте внимание на то, что у других драматургов получается хорошо. Если вы заметили диалоги, которые вам особенно нравятся, или полезные указания на сцене, подумайте о том, чтобы воспроизвести их в своем собственном сценарии игры. Сначала прочитать пьесу, а затем посмотреть ее живое исполнение - отличный способ увидеть, во что может превратиться сценарий.

Выберите тему

Выбор темы для вашей пьесы может помочь вам написать пьесу, к которой зрители смогут подключиться и понять.Принимая решение о том, какую историю рассказывать, учтите следующее:

  • Жанр: Это стиль, тон и тематика вашей пьесы, будь то серьезная и мрачная или забавная и проницательная (см. Примеры жанров кино здесь)
  • Рост персонажа: Так ваши персонажи развиваются в процессе игры.
  • Ключевые выводы: Это мораль или уроки, которые публика усваивает к концу пьесы.

Создать участок

Сюжет вашей пьесы - это события, которые происходят и ведут всю историю. Вам нужно решить, хотите ли вы, чтобы ваша игра была основана на сюжете, то есть история перемещает персонажей от сцены к сцене, или сосредоточена на персонажах, когда действия персонажей направляют историю. Вы можете выбрать комбинацию из двух. Так или иначе, многие драматурги создают сюжет, ведущий к росту персонажа.

При создании участка учитывайте следующие ключевые компоненты:

  • Персонажи: Решите, кто будет главным героем вашей пьесы.Постарайтесь превратить их в правдоподобных людей. Вы также можете добавить вспомогательных персонажей, которые поддерживают их или бросают им вызов. Если вам нужна традиционная история героя, вам нужно создать главного героя и антагониста. Обдумайте отношения между всеми вашими персонажами, особенно теми, которые конфликтуют друг с другом. Конфликт создает большую напряженность в вашей игре и сохраняет интерес аудитории к судьбе вашего главного героя.
  • Настройки: Где проходит ваша игра? Как это добавит к истории? Определите, как настройка влияет на каждую сцену или персонажа и контекстуализирует темы.Ограничение количества различных настроек сохраняет вашу игру стабильной и улучшает ее производительность. Подумайте, как ваша команда может быстро преобразовать одну обстановку в другую. Создание новых декораций для сцены сложнее, чем для кино и телевидения.
  • Время: Когда состоится ваш спектакль? Вам нужно придумать способ донести это до аудитории, будь то повествование, костюм или диалог.
  • Рассказ: Сюжет вашей пьесы фокусируется на реакциях и эмоциях персонажей, окружающих события сюжета.
  • Повествовательная дуга: Многие пьесы следуют структуре изложения, восходящего действия и развязки.
    • Экспозиция: В самом начале игры вам нужно установить, кто, что, где, когда и почему в вашем сюжете. Если в вашей пьесе есть центральный конфликт, возможно, самое время его представить.
    • Рост: Ближе к середине игры открываются новые препятствия или проблемы. Конфликт может углубиться, пока вы не достигнете кульминации пьесы.Это самый напряженный момент, обычно когда персонажи полностью разрешают конфликты.
    • Разрешение: После того, как наступает кульминация, напряжение вашей игры уменьшается. Во время разрешения ваши персонажи могут преодолеть свои конфликты или научиться жить с ними. Даже если ваш финал трагичен, вы можете включить в него важный вывод или урок.

Выберите структуру

Пьесы состоят из действий. В каждом акте есть несколько сцен. При написании пьесы вам нужно решить, какую структуру вы хотите.Как начинающий драматург, вы можете начать с простой структуры, например, с одноактной пьесы. Это самые распространенные игровые конструкции:

  • Одноактная пьеса: Спектакль проходит без перерыва. Вам все еще нужна сюжетная арка, но у вас может быть меньше настроек и сцен.
  • Двухактная пьеса: В большинстве современных пьес используется двухактная структура. Двухактная пьеса состоит из двух частей с перерывом между ними. Они позволяют создавать более сложные декорации, поскольку ваша команда может создать новую сцену во время антракта.Зрители ценят антракт, чтобы они могли потянуться, сходить в туалет и обсудить друг с другом первое действие.
  • Трехактная пьеса: Это самая сложная для написания пьеса. Если вы выберете трехактную пьесу, вам может потребоваться перерыв между каждым актом. Эти типы пьес имеют тенденцию быть более длинными из-за дополнительных антрактов и продолжительности действий. Во многих трехактных пьесах первый акт обычно является экспозицией, второй акт - восходящим действием, а третий акт - развязкой.

Сделайте контур

Прежде чем писать всю пьесу с нуля, создайте общий план вашей пьесы. Включите в свой план следующее:

  • Закон
  • Сцены
  • Когда появляются символы
  • Повествовательная арка
  • Действия генерального этапа

Написать, используя контур

Когда у вас будет четкий контур, вы можете приступить к написанию сценария игры. Заполнение схемы вашим реальным сценарием - разумный способ оставаться организованным.Вы хотите начать придавать своему скрипту глубину и перемещать его вместе со следующими компонентами:

  • Диалог: Это один из основных компонентов, который направляет вашу игру. Подумайте, какой диалог ведет каждый персонаж и как это развивает его личность.
  • Действия: В сценарии вам нужно отметить, что делает каждый персонаж. Дайте понять, что актеры лучше понимают, что им нужно делать.
  • Технические элементы: Сюда входят такие вещи, как смена костюмов, реквизит, освещение и настройки.

Редактировать и перезаписывать

После написания вашего первого черновика самое время прочитать весь сценарий воспроизведения и начать вносить изменения. Например, если ваш диалог кажется немного плоским, вам нужно переписать его так, чтобы он звучал более естественно. Подумайте, как люди разговаривают в реальной жизни, и постарайтесь, чтобы ваши персонажи чувствовали себя человечными и эмоциональными. Такие вещи, как прерывания и касательные, могут сделать его более реалистичным.

Попросите кого-нибудь прочитать вашу пьесу, чтобы понять, имеет ли она для него смысл.Попросите их отметить все, что немного сбивает с толку или требует доработки. Поскольку история находится в вашей голове, вы можете не осознавать, что на бумаге все не так просто.

Пример сценария воспроизведения

При написании сценария воспроизведения соблюдайте следующие правила форматирования:

  • Центральный акт и заголовки сцены.
  • Расположите имена персонажей по центру и пишите заглавными буквами перед каждой строкой диалога.
  • Используйте заглавные буквы в именах ваших персонажей в строках действий.
  • Отступ и курсив для направлений этапа.

Вот краткий пример сценария игры:

Акт первый

Сцена первая

Средняя школа Среднего Запада. Кабинет учителя. Сразу после школы выпускает.

САМ, эксцентричная учительница истории, сидит за своим столом. Она перебирает стопку бумаг и пытается найти то, что ищет.

ЗУР

Говорит сама с собой.

Почему в моей жизни такой беспорядок?

Входит ДЖОРДЖ, солидный мужчина.

GEORGE

Потому что ты Сэм.

ДЖОРДЖ усмехается, когда СЭМ закатывает глаза.

Написание сценария пьесы требует много усилий и практики, но оно того стоит, когда вы видите, как ваше видение воплощается в жизнь на сцене. Посетите другие блоги Нэшвиллского института кино, чтобы узнать о написании сценария для фильма или телевидения.

Как написать драматический сценарий: Советы по написанию драматического сценария - 2021

Как написать драматический сценарий: Советы по написанию драматического сценария - 2021 - MasterClass

Чтобы отправить запросы о помощи или оставить отзыв о доступности, обратитесь в службу поддержки @ masterclass.com.

Драма - это форма письма, зародившаяся в Древней Греции. Хотя сегодняшние драмы переместились из греческих амфитеатров на звуковые сцены Голливуда, основные элементы написания сценария драмы остались прежними.


Что такое драматический сценарий?

Драма - это грань между трагедией и комедией. Драма может происходить где угодно с любыми персонажами в любой период времени; драму из фильма делает не обстановка, а тон. Драмы серьезны, полны конфликтов и постоянно расширяют границы сюжета, повышая ставки.В зависимости от поджанра драмы история может варьироваться от запрещенного романа до расследования убийства.

Какова основная структура драматического сценария?

Драмы следуют четко определенной структуре повествовательного сюжета и содержат литературные элементы, такие как персонажи, сеттинг и стиль, которые помогают зрителям анализировать и интерпретировать историю:

  • Экспозиция : Настройте и представьте все через экспозицию, которая излагает из справочной информации вашей истории.Обозначьте главных героев, обстановку и период времени. Один из способов пройти через экспозицию в вашем сценарии - сделать так, чтобы хотя бы один любопытный персонаж выступал в роли представителя аудитории: этот персонаж может задавать вопросы, которые могут возникнуть у аудитории, тем самым проясняя различные моменты сюжета.
  • Восходящее действие : Представьте главный конфликт истории с восходящим действием, которое представляет собой серию событий в истории, которые создают напряжение и приводят к кульминации. Например, в шекспировском «Гамлете » восходящее действие происходит, когда призрак отца Гамлета сообщает Гамлету, что его убил Клавдий.Намерение Гамлета становится ясным - отомстить за смерть своего отца - и история начинается.
  • Кульминация : Достигните вершины напряжения и достигните поворотной точки для главного героя. Обычно кульминация истории наступает, когда главному герою приходится смотреть правде в глаза и делать важный выбор.
  • Падение : Покажите результат того, что происходит, когда главный герой делает важный выбор. Падающее действие - это когда свободные концы связываются, напряжение рассеивается, и конфликт уступает место разрешению.
  • Заключение : Замкните петлю на истории. Покажите, как напряжение сказалось на персонажах и окружающем мире.

6 элементов драмы Аристотеля

Законы рассказывания историй были впервые изложены греческим философом Аристотелем в его Поэтике (ок. 335 г. до н.э.), самом раннем из сохранившихся философских трактатов о драматической структуре. Повествование развивалось с развитием технологий и появлением кинофильмов, но законы повествования Аристотеля и шесть основных драматических элементов все еще актуальны:

  1. Сюжет : сюжетная линия и то, что происходит во время фильма.Узнайте о сюжете здесь.
  2. Тема : общий смысл фильма. Узнайте о различных темах фильмов здесь.
  3. Персонажи : игроки, которые продвигают сюжет вперед. Найдите здесь 12 архетипических персонажей.
  4. Диалог : слова, которые говорят герои фильма. Советы по созданию диалогов можно найти в нашем руководстве по написанию диалогов здесь.
  5. Песня : традиционно ритм голосов актеров, исполняющих свои строки.
  6. Spectacle : визуальные элементы и технические элементы фильма, включая язык тела, мимику, звуковые эффекты и спецэффекты.

6 современных поджанров драмы

По мере того, как вы становитесь более знакомыми с написанием драматических произведений, экспериментируйте с различными поджанрами, чтобы найти свою нишу:

  1. Историческая драма : драматическая историческая пьеса, установленная не менее 25 лет в прошлом об историческом событии или периоде времени.
  2. Романтическая драма : драма, в которой основное внимание уделяется сложному роману, в котором что-то мешает двум людям быть вместе, например, семейная напряженность или брак с кем-то другим.
  3. Криминальная драма, юридическая драма и процессуальная драма : драмы о том, как раскрываются преступления.
  4. Медицинская драма : драма, действие которой происходит в больнице, клинике или другом медицинском учреждении.
  5. Научно-фантастическая драма : драма, дополненная элементами научной фантастики, такими как футуристический сеттинг или передовые технологии.
  6. Докудрама : драма, в которой представлены драматические реконструкции реальных событий

10 советов по написанию сценариев драмы

Вот несколько советов, которые помогут улучшить ваши сцены:

  1. Разместите тему для всего фильма сразу в первой сцене.
  2. Каждая сцена и серия событий должны продвигать сюжет вперед.
  3. Четко покажите намерения и препятствия каждого персонажа прямо в начале сцены.
  4. Экспозиция должна быть четкой в ​​каждой сцене, но не мешать повествованию.
  5. Ставки должны быть высоки и ясны в каждой сцене.
  6. Захватите аудиторию как можно скорее. Попробуйте бросить их в середине разговора между двумя персонажами - это заставит их обратить внимание и поиграть в догонялки.
  7. Если вы впервые представляете персонажа в сцене, покажите аудитории, чего хочет этот персонаж.
  8. Если персонаж ничего не хочет, он загромождает ваш сценарий.
  9. Не каждая сцена должна заканчиваться драматично, но вы должны быть довольны тем, как она заканчивается.
  10. Если вы не знаете, какой должна быть следующая сцена, попробуйте использовать ее, чтобы ответить на вопрос, заданный в предыдущей сцене.

10 драматических сценариев, которые стоит прочитать для вдохновения

Все эти признанные критиками сценарии получили «Оскар» за лучший оригинальный сценарий или за лучшую адаптацию сценария.Изучите их как экспертные примеры построения вашей драматической истории:

  1. Гражданин Кейн (1941) . Фильм, сочетающий в себе различные техники повествования - воспоминания, множественные точки зрения, нелинейное повествование - в одном фильме. Гражданин Кейн «» был одним из первых фильмов, отошедших от традиционного линейного повествования, и на момент его выхода был новаторским.
  2. Крестный отец (1972) .Фильм, который перевернул гангстерский жанр с ног на голову, сосредоточив внимание на мафии изнутри. Крестный отец начал долгую успешную карьеру Фрэнсиса Форда Копполы, который и написал сценарий, и поставил.
  3. Все люди президента (1976) . Одна из самых успешных и признанных критиками экранизаций современного кино.
  4. Условия нежности (1983) . Отличный пример того, как рассказать историю, которая длится 30 лет, и как эффективно сочетать юмор и горе.
  5. Человек дождя (1988) . Фильм с участием персонажей, в котором основное внимание уделяется уникальным отношениям между разлученными братьями, один из которых - аутичный ученый.
  6. Список Шиндлера (1993) . Новаторская статья о Холокосте.
  7. Красота по-американски (1999) . Сложный фильм, анализирующий американский средний класс и культурные стандарты красоты и любви.
  8. Вечное сияние чистого разума (2004) . Фильм, в котором несколько жанров объединены в нелинейное повествование.
  9. Социальная сеть (2010) . Фильм, написанный Аароном Соркиным, в котором история происхождения Facebook используется для исследования тем дружбы, ревности и классовых структур в обществе.
  10. BlacKkKlansman (2018) . Пример Спайка Ли того, как биографический фильм может дать краткий комментарий о текущих событиях.

Станьте лучшим сценаристом с годовым членством MasterClass. Получите доступ к эксклюзивным видео-урокам, которые преподают ведущие режиссеры, в том числе Аарон Соркин, Спайк Ли, Джоди Фостер и многие другие.


Подпишитесь здесь, чтобы получать лучшие советы Хелен Миррен по актерскому мастерству и многое другое на свой почтовый ящик.

Наши курсы по искусству и развлечениям


Драма - Центр письма • Университет Северной Каролины в Чапел-Хилл

О чем этот раздаточный материал

Этот раздаточный материал определяет общие вопросы о драме, описывает элементы драмы, которые наиболее часто обсуждаются в театральных классах, предлагает несколько стратегий для планирования и написания эффективной драматической работы, а также определяет различные ресурсы для исследований в области истории театра и драматической критики.Особое внимание мы уделим написанию о постановках и постановках спектаклей.

Что такое драма? А как ты об этом пишешь?

Когда мы описываем ситуацию или поведение человека как «драматические», мы обычно имеем в виду, что они интенсивные, волнующие (или возбужденные), поразительные или яркие. Те драматические произведения, которые мы изучаем в классе, разделяют эти элементы. Например, если вы смотрите спектакль в театре, часто возникает чувство напряжения и ожидания, потому что вам интересно, что произойдет между персонажами на сцене.Будут ли они стрелять друг в друга? Признаются ли они наконец в своей бессмертной любви друг к другу? Когда вы читаете пьесу, у вас могут возникнуть похожие вопросы. Сможет ли Эдип понять, что он был тем, кто вызвал чуму, убив своего отца и спав с его матерью? Удастся ли Гамлету отомстить за убийство отца?

Для преподавателей академических факультетов - независимо от того, посвящены ли их занятия театральной литературе, истории театра, спектаклям, актерскому мастерству или техническим аспектам постановки - писать о драме часто означает объяснять, что делает пьесы, которые мы смотрим или читаем, такими захватывающими.Конечно, одна постановка пьесы может быть не такой захватывающей, как предполагалось. На самом деле, это может быть совсем не интересно. Написание о драме также может включать в себя выяснение того, почему и как постановка пошла не так.

В чем разница между пьесами, постановками и представлениями?

Говорить о пьесах, постановках и представлениях может быть сложно, особенно из-за того, что эти термины во многом совпадают. Хотя есть некоторые исключения, обычно пьесы - это то, что написано на странице.Постановка пьесы - это серия спектаклей, каждое из которых может иметь свои особенности. Например, одна постановка Шекспира «Двенадцатая ночь» может поставить пьесу на Манхэттен 1940-х годов, а другая - на ферму альпаки в Новой Зеландии. Более того, в конкретном спектакле (скажем, во вторник вечером) актер, играющий Мальволио, может устать играть роль пастуха альпаки, кричать о унижении всего этого, проклинать Шекспира за то, что он когда-либо написал пьесу, и топаем со сцены.Видишь, как это работает?

Имейте в виду, что приведенные выше термины иногда используются как взаимозаменяемые, но часто встречаются наиболее интересные вещи, о которых можно говорить о пересекающихся элементах каждого из них. Например, серия особенно плохих спектаклей может отвлечь внимание от превосходных постановок: если актер, играющий Фальстафа, неоднократно спотыкается о копье и падает со сцены, публика может не заметить впечатляющую декорацию позади него. Точно так же особенно динамичный и изобретательный сценарий (пьеса) может настолько ослепить публику, что они никогда не заметят неумелую схему освещения.

Несколько анализируемых элементов пьес

Пьесы

содержат множество различных элементов или аспектов, а это означает, что у вас должно быть множество различных вариантов для фокусировки вашего анализа. Драматурги - авторы пьес - называются «писателями», потому что это слово означает «строитель». Точно так же, как кораблестроители строят корабли, драматурги строят пьесы. Сырье для драматурга - это слова, но для создания успешной пьесы он или она должны также думать о спектакле - о том, что будет происходить на сцене со сценами, звуками, актерами и т. Д.Другими словами: слова пьесы имеют свои значения в более широком контексте - контексте постановки. Когда вы смотрите или читаете пьесу, думайте о том, как все части работают (или могут работать) вместе.

Что касается самой пьесы, следует учитывать следующие важные контексты:

  • Период времени, в который была написана пьеса
  • Биография драматурга и другие его произведения
  • Современные театральные произведения (пьесы, написанные или поставленные другими артистами примерно в то же время)
  • Язык спектакля
  • Настройка
  • Участок
  • шаблоны
  • Персонажи

В зависимости от вашего назначения вы можете сосредоточиться исключительно на одном из этих элементов или сравнить и сопоставить два или более из них.Имейте в виду, что любого из этих элементов может быть более чем достаточно для диссертации, не говоря уже о короткой реакционной статье. Также помните, что в большинстве случаев ваше задание будет требовать от вас предоставить какой-то анализ, а не просто краткое изложение сюжета - поэтому не думайте, что вы можете написать статью о Кукольном домике, в которой просто описываются события, приведшие к роковой жизни Норы. решение.

Поскольку в ряде академических заданий вас просят обратить внимание на язык пьесы, и поскольку это может быть самая сложная вещь для работы, стоит рассмотреть несколько способов, которыми вас могут попросить справиться с этим более подробно. деталь.

Язык

Существует бесчисленное множество способов рассказать о том, как язык работает в пьесе, постановке или конкретном спектакле. Если у вас есть выбор, вам, вероятно, следует сосредоточиться на словах, фразах, строках или сценах, которые действительно поразили вас, вещах, которые вы все еще помните через несколько недель после прочтения пьесы или просмотра спектакля. Вам будет намного легче написать на языке, который вы сильно чувствуете (любите это или ненавидите).

Тем не менее, вот два распространенных способа рассказать о том, как язык работает в пьесе:

Как создаются персонажи в соответствии с их языком

Если у вас сложилось сильное впечатление о персонаже, особенно если вы не видели этого персонажа на сцене, вы, вероятно, помните одну строчку или фрагмент диалога, которые действительно отражают, кто этот персонаж.Драматурги часто выделяют своих персонажей своеобразной или, по крайней мере, индивидуальной манерой речи. Возьмите этот пример из книги Оскара Уайльда «Как важно быть серьезным» :

.

    Алджернон: Вы слышали, что я играл, Лейн?
    ЛЕЙН: Я не считал вежливым слушать, сэр.
    ОЛГЕРНОН: Прошу прощения, ради вас. Я не играю точно - каждый может играть точно, - но я играю с прекрасной экспрессией. Что касается фортепиано, моя сильная сторона - сантименты.Я храню науку на всю жизнь.
    ЛЕЙН: Да, сэр.
    ОЛГЕРНОН: И, говоря о науке о жизни, у вас есть нарезанные сэндвичи с огурцом для леди Брэкнелл?

Этот ранний момент в пьесе очень влияет на то, что аудитория думает об аристократичном Алджерноне и его слуге Лейне. Если бы вы говорили о языке в этой сцене, вы могли бы обсудить сдержанные ответы Лейна: они смешные? Указывают ли они на фамильярность или сарказм? Как вы реагируете на слугу, который так отвечает? Или вы можете сосредоточиться на остроумных ответах Алджернона.Неужели Алджернону важно, что думает Лейн? Он больше говорит, чтобы слышать себя? Что это говорит о том, как зрители должны видеть Алджернона? Манера речи Алджернона - часть его характера. Если вы анализируете конкретное выступление, вы можете прокомментировать исполнение этих строк актером: уместно ли было его вокальное изменение? Это показало что-то о персонаже?

Как язык влияет на сцену и настроение

Древние, средневековые и ренессансные пьесы часто используют словесные уловки и нюансы, чтобы передать обстановку и время пьесы, потому что у исполнителей в эти периоды не было продуманной технологии спецэффектов для создания театральных иллюзий.Например, большинство сцен из шекспировского « Макбет » происходит ночью. Первоначально спектакль был поставлен в театре под открытым небом ярким солнечным днем. Как Шекспир сообщил, что в пьесе ночь? В основном, начиная с таких сцен:

    БАНКО: Как проходит ночь, мальчик?
    ФЛАНС: Луна зашла; Я не слышал часов.
    БАНКО: И она спускается в двенадцать.
    ФЛЕАНС: Я так понимаю, это позже, сэр.
    БАНКО: Постой, возьми мой меч.На небесах есть земледелие; Все свечи погасли. Возьми и это. Тяжелый зов лежит на меня, как свинец, И все же я не хочу спать: милосердные силы, Сдерживайте во мне проклятые мысли, которые природа дает в покое!

    Входят МАКБЕТ и слуга с факелом

    Дайте мне мой меч.
    Кто там?

Персонажи, входящие с факелами, - довольно большая подсказка, так же как и персонажи, говорящие: «Настала ночь». Позже в пьесе вопрос: «Кто там?» повторяется несколько раз, создавая иллюзию, что персонажи не видят друг друга.Ощущение наступающей тьмы и общая таинственность ночи вносят свой вклад в ряд других тем и мотивов пьесы.

Постановки и спектакли

Производство

Для производства в целом следует учитывать следующие важные элементы:

  • Место проведения: Насколько велик театр? Это профессиональная актерская компания или любительская? Какие у них есть ресурсы? Как это повлияет на шоу?
  • Костюмов: Во что все одеты? Соответствует ли это историческому периоду? Современный? Модный? Старомодный? Подходит ли это по персонажу? Что его / ее костюм заставляет вас думать о каждом персонаже? Как это повлияет на шоу?
  • Дизайн декорации: Как выглядит набор? Пытается ли он создать ощущение «реализма»? Устанавливает ли спектакль в определенный исторический период? Какие впечатления производит набор? Изменится ли набор, и если да, то когда и почему? Как это повлияет на шоу?
  • Световое оформление: Персонажи бывают в темноте? Есть софиты? Свет проникает через окна? Сверху? Снизу? Проецируется ли какой-либо затемненный или цветной свет? Как это повлияет на шоу?
  • «Идея» или «концепция»: Кажется, что декорации и дизайн освещения работают вместе, создавая определенную интерпретацию? Костюмы и другие элементы кажутся согласованными? Как это повлияет на шоу?

Вы, наверное, заметили, что каждый из них заканчивается вопросом: «Как это повлияет на шоу?» Это потому, что вы должны связать каждую деталь, которую вы анализируете, с этим вопросом.Если особенно странный костюм (например, король Генрих в подводном снаряжении) что-то говорит о персонаже (король Генрих в буквальном и переносном смысле зашел слишком далеко), тогда вы можете спросить себя: «Это добавляет или умаляет шоу?» (Интерес короля Генри к водным млекопитающим, возможно, не был тем, что имел в виду Шекспир.)

Представления

Для индивидуальных выступлений вы можете проанализировать все пункты, рассмотренные выше, в свете того, насколько они могли отличаться накануне вечером. Например, некоторые важные элементы, которые следует учитывать:

  • Индивидуальные актерские выступления: Что привнес в спектакль исполнитель роли? Было ли что-то особенно трогательное в представлении той ночью, что вас удивило, чего вы не могли себе представить, прочитав пьесу заранее (если вы это сделали)?
  • Неполадки, неполадки и пожарная сигнализация: Актеры напортачили? Спектакль остановился или продолжился?
  • Реакция аудитории: Аплодисменты? В неподходящих точках? Кто-то заснул и громко храпел во втором акте? Кто-нибудь плакал? Кто-нибудь ушел в крайнем возмущении?

Ответные документы

Преподаватели театральных классов часто хотят знать, что вы на самом деле думаете.Иногда они дают вам очень открытые задания, позволяющие выбрать собственную тему; эта свобода может иметь свои преимущества и недостатки. С одной стороны, вам может быть проще выразить свое мнение без каких-либо конкретных указаний или ограничений. С другой стороны, бывает сложно решить, о чем писать. Перечисленные выше элементы и темы могут стать отправной точкой для выполнения более открытых заданий. После того, как вы определили возможную область интереса, вы можете задать себе вопросы, чтобы развить свои идеи по этому поводу и решить, может ли она стать хорошей темой для статьи.Например, если вас особенно интересовало освещение, как вы себя чувствовали? Нервный? Скучающий? Несосредоточенный? Обычно лучше быть как можно более конкретным. Вам будет намного труднее, если вы начнете писать о «образах» или «языке» в пьесе, чем если вы начнете с описания того нелепого лица, которое сделала Хелена, когда узнала, что Лизандр ее больше не любит.

Если у вас действительно возникли проблемы с началом работы, вот план из трех пунктов, как реагировать на театральную постановку, скажем, на спектакль, который вы недавно наблюдали:

  1. Составьте список из пяти или шести конкретных слов, изображений или моментов, которые привлекли ваше внимание, когда вы сидели на своем месте.
  2. Ответьте на один из следующих вопросов: Способствовали ли какие-либо из перечисленных вами слов, изображений или моментов вашему удовольствию или отвращению к игре? Казалось ли, что кто-нибудь из них добавляет или умаляет какую-либо общую тему пьесы? Кто-нибудь из них заставил вас задуматься о чем-то совершенно другом и совершенно не имеющем отношения к пьесе? Если да, то какая связь может быть?
  3. Напишите несколько предложений о том, как каждый из элементов, выбранных вами для второго вопроса, повлиял на вас и / или игру.

Этот список идей поможет вам приступить к анализу производительности и вашей собственной реакции на нее.

Если вам нужно провести исследование в специализированной области исследований перформанса (раздел коммуникативных исследований) или вы хотите особо сосредоточиться на поэтическом или сильном языке в пьесе, просмотрите наши раздаточные материалы по коммуникативным исследованиям и раздаточный материал по поэтическим объяснениям. Дополнительные советы о том, как писать о пьесах как о виде литературы, можно найти в нашем раздаточном материале о художественной литературе.

Консультации по работам

Мы ознакомились с этими работами при написании данного раздаточного материала. Это не полный список ресурсов по теме раздаточного материала, и мы рекомендуем вам провести собственное исследование, чтобы найти дополнительные публикации. Пожалуйста, не используйте этот список в качестве модели для формата вашего собственного списка литературы, так как он может не соответствовать используемому вами стилю цитирования. Инструкции по форматированию цитат см. В руководстве по цитированию библиотек UNC. Мы периодически пересматриваем эти советы и приветствуем отзывы.

Картер, Пол. 1994. Справочник за кулисами: иллюстрированный альманах технической информации , 3-е изд. Остров Шелтер, Нью-Йорк: Broadway Press.

Вандермейер, Филипп. 2021. «Базы данных от А до Я: Драматическое искусство». Руководства по предметным исследованиям, Университет Северной Каролины. Последнее обновление 3 марта 2021 г. https://guides.lib.unc.edu/az.php?a=d&s=1113.

Уортен, Уильям Б. 2010. Уодсвортская антология драмы , 6-е изд. Бостон: Cengage.


Эта работа находится под лицензией Creative Commons Attribution-NonCommercial-NoDerivs 4.0 Лицензия.
Вы можете воспроизвести его для некоммерческого использования, если вы используете весь раздаточный материал и указываете источник: Центр письма, Университет Северной Каролины, Чапел-Хилл,

Сделать подарок

V&A · История театра

Коллекции V&A Theatre и Performance отражают увлекательную историю театра в Великобритании от средневековья до наших дней. От ранних драматических форм, таких как мистерии и придворные маски, до альтернативной драмы конца 20-го века, через патриотические развлечения военного времени 1940-х годов и создание таких институтов, как Совет по делам искусств и Национальный театр.

Самый ранний театр в Англии развился из церковных служб 10-го и 11-го веков. Это стало по-настоящему популярной формой примерно в 1350 году, когда религиозные лидеры поощряли постановку мистических циклов (рассказов из Библии) и чудес (рассказов о жизни святых). Они были написаны и исполнены на языке обычных людей, а не на латыни, чтобы научить преимущественно неграмотные массы христианству и Библии.

Уильям Поэл в роли Адоная в пьесе о морали XV века «Каждый человек», 1901, Англия.© Музей Виктории и Альберта, Лондон

Каждый спектакль ставился на фургонах, которые проезжали по улицам и останавливались для выступления на заранее подготовленных площадках. К концу средневековья во многих городах были специальные помещения, посвященные публичным театрам.

Расцвет светской драмы

После Реформации в 16 веке - движения, которое выступало против власти Римско-католической церкви - вся религиозная драма в Англии была подавлена.Театральным труппам выдавались лицензии, позволяющие им репетировать и выступать публично, при условии, что они имели одобрение и покровительство дворянина.

Первый в Великобритании театр «Театр» был построен в Финсбери Филдс в Лондоне в 1576 году. Он был построен Leicester's Men , действующей труппой, созданной в 1559 году из членов семьи графа Лестера. В течение следующих 16 лет было построено 17 новых общественных театров под открытым небом. Большинство из этих театров были круглыми, окружали открытый двор, где зрители стояли по трем сторонам сцены.Новые компании процветали, и писатели должны были ежегодно ставить ряд новых пьес для удовлетворения спроса. Компании стали известны по титулу мецената. Двумя самыми известными отрядами и яростными соперниками были люди адмирала и люди лорда-камергера.

Гравюра с изображением Театра Глобус с оригинальной картины, гравированной Холларом Венцеславом, 1647 год, Лондон, Англия. Музей № С.261-1978. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Уильям Шекспир (1564 - 1616)

Уильям Шекспир, родился в 1564 году в Стратфорде-на-Эйвоне, Уорикшир, является самым известным драматургом Англии.Написал 38 пьес и множество сонетов. Не только широта его творчества делает Шекспира величайшим британским драматургом, но и красота и изобретательность его языка, а также универсальность его произведений.

Книга комедий, историй и трагедий мистера Уильяма Шекспира: издана в соответствии с подлинными копиями, под редакцией И. Хеминга и Х. Конделла], напечатана Исааком Яггардом и Эдвардом Блаунтом, 1623 г., Лондон, Англия. Музей № Дайс 8936. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

В 1594 году Шекспир присоединился к «Мужчины лорда Чемберлена» как актер и их главный драматург.Он писал для труппы в среднем по две новые пьесы в год. Его самые ранние пьесы включали Комедию ошибок (впервые исполненную в 1594 году), а его первым опубликованным произведением было стихотворение Венера и Адонис (1593). Шекспир написал многие из своих самых известных пьес для театра «Глобус», который был построен в 1599 году организацией «Люди лорда Чемберлена» . Когда срок аренды земли под их театром The Theater в Шордиче истек, компания решила демонтировать деревянное каркасное здание и перестроить его на южном берегу Темзы, переименовав его в Globe.

Маска была формой праздничного придворного развлечения, процветавшего в Европе 16 и начала 17 веков. Английский архитектор и дизайнер Иниго Джонс (1573 - 1652) в сотрудничестве с драматургом и поэтом Беном Джонсоном (1572 - 1637) создал серию тщательно продуманных масок для Джеймса I (годы правления 1603 - 25) и Карла I (годы правления 1625). - 49). Одна постановка, «Маска Оберона» (1611) стоила более 2000 фунтов стерлингов, а стоимость одних костюмов - более 1000 фунтов стерлингов.

Эскиз костюма, Иниго Джонс, 1613 год.© Музей Виктории и Альберта, Лондон

Иниго Джонсу приписывают введение в британский театр арки авансцены - пространства, обрамлявшего актеров на сцене - и подвижных декораций, расположенных в перспективе. Вдохновленный сценическими механизмами, которые он видел во время путешествия по Франции и Италии, в декорациях Джонса использовалась серия ставен, которые скользили внутрь и наружу, используя бороздки в полу. Он даже облетал декорации сверху и вводил цветное освещение, помещая свечи за тонированными стеклами.

Закрытие кинотеатров

В 1642 году в Англии вспыхнула гражданская война между сторонниками короля Карла I и парламентариями во главе с Оливером Кромвелем. Театры были закрыты для предотвращения общественных беспорядков и оставались закрытыми в течение 18 лет, что доставляло значительные трудности профессиональным театральным артистам, менеджерам и писателям. Незаконные представления носили эпизодический характер, и многие публичные театры были снесены.

В 1656 году поэту и драматургу Уильяму Давенанту удалось поставить в своем доме полноценную версию пьесы « Осада Родоса» .Считается, что это первая английская опера. После того, как Карл II был восстановлен на престоле в 1660 году, Давенанту и драматургу Томасу Киллигрю были предоставлены королевские патенты, что дало им фактическую монополию на представление драматических произведений в Лондоне. Эти монополии не отменялись до 19 века.

Появление декораций и сложной сценической техники на английской публичной сцене в 1660-х годах привело к появлению полуопера-блокбастеров. Многие из них были адаптациями других пьес, часто Шекспира.В них были музыкальные эпизоды, песни, танцы и спецэффекты. Самым грандиозным театром того времени, в котором была одна из первых арок авансцены, был Театр герцога в Дорсетских садах. Спроектированный Уильямом Давенантом и спроектированный Кристофером Реном (архитектор собора Святого Павла), он стоил 9000 фунтов стерлингов (около 600000 фунтов стерлингов сегодня). Он стоял на берегу Темзы, и от реки поднимались ступеньки для посетителей, прибывающих на лодке.

Гравюра Театра Герцога, Дорсетские сады, напечатанная Р.Пейдж, опубликованный для Encyclopaedia Londinensis, 13 мая 1825 г., Лондон, Англия. Музей № С.2351-2009. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Впервые женщины были признаны профессиональными актрисами и драматургами. Самым известным драматургом была Афра Бен (1640 - 89), которая до этого работала шпионом Карла II и провела краткое пребывание в тюрьме должников. Группа писательниц, известная как «Женский ум», написала множество произведений для сцены. Среди них были Мэри Пикс (1666 - 1709), Кэтрин Троттер (1679 - 1749) и плодовитая Сюзанна Центливр (около 1670 - 1723), написавшая 19 пьес, в том числе сатирический A Bold Stroke for a Wife, , впервые исполненный в 1718 году. .

(Слева направо 🙂 Гравюра с изображением Афры Бен, выгравированная Р. У. с картины Чарльза Рубена Райли, XIX век, Великобритания. Музей № С.1391-2012. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; Гравюра с изображением г-жи Сюзанны Цент-Ливр, гравировка П. Пелхама. с картины Д. Фермина, 1720, Лондон, Англия. Музей № С.1663-2009. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Первой женщиной, вышедшей на профессиональную сцену в Англии, обычно считается Маргарет Хьюз (1645-1719), которая выступала в постановке Отелло в Театре на Вер-Стрит в Лондоне в 1660 году.Среди других известных актрис того времени были Элизабет Барри (1658–1713), также известная как «королева трагедии», и Нелл Гвин (1650–87), которая, как считалось, была изображена обнаженной для Карла II и родила ему двоих детей. .

(Слева направо 🙂 Гравюра с изображением мадам Хьюз (Маргарет «Пег» Хьюз) с оригинальной картины П. Лелли 1677 года, 18 век, Великобритания. Музей № С.4416-2009. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; Гравюра с изображением Нелл Гвин, напечатанная У. Л. Коллсом, XIX век, Великобритания.Музей № С.299-2015. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

В 18 веке театр стал популярным развлечением, и многие театры были расширены, а в Лондоне и по всей стране были построены новые театры. Одним из самых успешных спектаклей на лондонской сцене в начале XVIII века была опера-баллада Джона Гэя «» «Опера нищего» . Гей переработал популярные песни того времени и написал новые тексты, которые были юмористическими и сатирическими.

Гравюра, изображающая сцену из оперы нищего, действие III, гравированная Уильямом Блейком по картине Уильяма Хогарта, 1790, Лондон, Англия.Музей № С.44-2019. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Пьесы Шекспира становились все более популярными в 18 веке, но были переработаны, чтобы удовлетворить вкусы того времени. Его стиль все еще казался слишком беспорядочным, и такие поэты, как Александр Поуп, тщательно убирали любые неровные стихотворные строки. Концовка Шекспира «Король Лир » казалась слишком удручающей, и переработанная версия Наума Тейта (в которой выжили Корделия и король) была предпочтительнее оригинала. Дэвид Гаррик переписал конец Ромео и Джульетта так, чтобы влюбленные разговаривали друг с другом перед смертью в гробнице, и превратил Укрощение строптивой в фарс.

(Слева направо) Эскиз декорации для Акта V Сцены 2 пьесы Шекспира «Ричард III, Филип Джеймс де Лутербург», возможно, для Королевского театра, Друри-лейн, Лондон, 30 мая 1772 года. С.1471-1986. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; Входной билет в «Ораторию, Оду посвящения, Бал и в Большую будку у фейерверка» во время празднования юбилея Шекспира в Стратфорде-на-Эйвоне, 6 и 7 сентября 1769 года. С.1055-2010. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Гаррик был одним из величайших актеров Великобритании и первым был назван звездой.С 1741 года до выхода на пенсию в 1776 году он был очень успешным актером, продюсером и театральным менеджером. Он написал более 20 пьес и адаптировал многие другие, в том числе пьесы Шекспира. В 1742 году его нанял Королевский театр на Друри-Лейн, и он начал триумфальную карьеру, которая продлилась более 30 лет. В течение пяти лет он также руководил театром.

Портрет Дэвида Гаррика, неизвестного мастера, XIX век, Великобритания. Музей № С.120-1997. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Гаррик изменил весь стиль игры.Он отверг моду на декламацию, когда актеры занимали позу и произносили свои реплики формально, и вместо этого предпочел более легкую и естественную манеру речи и движений. Результатом стал более тонкий, менее манерный стиль игры и движение к реализму.

Закон о лицензировании 1737 года оказал огромное влияние на развитие театра в Великобритании. Он ограничил постановку пьес двумя патентными театрами в Друри-Лейн и Ковент-Гарден в Лондоне и ужесточил цензуру драмы, заявив, что лорд Чемберлен со своими экзаменаторами пьес должен проверять любой сценарий, прежде чем спектакль будет разрешен.

Закон был введен в действие тогдашним премьер-министром Робертом Уолполом (1676–1745), который был обеспокоен тем, что политическая сатира на сцене подрывает его и авторитет правительства. Постановка The Golden Rump, фарсовой пьесы неизвестного авторства стала главным спусковым крючком для Уолпола, выдвинувшего аргументы в пользу запрета непристойной драмы на публичной арене. В пьесе скандально предполагалось, что королева поставила королю клизмы. Генри Филдинг, автор ряда успешных сатир, и другие подозревали, что эта пьеса на самом деле была спроектирована самим Уолполом.

(Слева направо) Театральная лицензия, написанная от руки лордом Солсбери, лордом Чемберленом, на постановку «Оттенка и крика», Королевский театр, Друри-Лейн, Лондон, 11 мая 1791 года. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; Удаленная страница сценария канцелярии лорда Чемберлена, стр. 27, действие I пьесы «Билли Лжец» Кейта Уотерхауза и Уиллиса Холла, 1950-е годы, Лондон. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Чтобы обойти ограничения Закона о лицензировании 1737 года, непатентные театры чередовали драматические сцены с музыкальными интермедиями.Мелодрама и бурлеск с их короткими сценами и музыкальным сопровождением стали в это время чрезвычайно популярными. В конце концов, огромный рост спроса на театральные представления в начале 19 века сделал систему патентных театров неработоспособной. Театры возникли по всему Лондону, и границы между тем, что было разрешено в патентных театрах (законная драма), и тем, что было показано в других театрах (незаконный театр), стали размытыми. В 1843 году Закон о лицензировании был отменен, что позволило другим театрам представлять драмы, хотя цензура лорда Чемберлена оставалась в силе до 1968 года.

После того, как театр Ковент-Гарден сгорел в 1808 году, руководство решило поднять цены, чтобы покрыть расходы на восстановление. Чтобы увеличить доход, руководство изменило конфигурацию верхней галереи, чтобы втиснуть больше мест по 1 шиллингу, создав то, что рассерженные посетители назвали «голубятнями». Цена за место в яме была повышена с трех шиллингов и шести пенсов до четырех шиллингов, а пропуск в общественные ложи увеличился с шести до семи шиллингов. Целый ряд боксов стал «частным», и их можно было арендовать только на весь сезон.Зрители были в ярости и обратили свой гнев на менеджера театра, актера Джона Филипа Кембла.

18 сентября 1809 года Кембл вышел на сцену в костюме Макбета, чтобы приветствовать публику на первой постановке в новом театре, и был встречен шквалом криков, шипения и улюлюканья, которые продолжались на протяжении всего представления. Хотя были вызваны магистраты и арестованы некоторые протестующие, беспорядки не прекратились до двух часов ночи. Это было началом того, что было известно как Старая цена (или О.П.) Беспорядки. В течение следующих десяти недель все выступления в Ковент-Гардене были срывы. Основная цель протестующих - заставить руководство восстановить старую систему ценообразования. К декабрю 1809 года стоимость судебных издержек, заработной платы вышибалам и бесплатных пропусков для союзников, которым платили за повторение «Н.П.» («Новые цены») означало, что театр терял 300 фунтов стерлингов за ночь. Кембл принял требования бунтовщиков и принес публичные извинения со сцены.

(Слева направо) Карикатурный принт Джона Филипа Кембла в «Очках OP», Исаак Круикшанк, 17 ноября 1809 года, Лондон, Англия.Музей № С.4776-2009. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; Карикатурный принт с изображением Джона Филипа Кембла в «The NP Spectacles», Исаак Круикшанк, 23 ноября 1809 года, Лондон, Англия. Музей № С.4777-2009. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

На рубеже XIX века семья Кембл доминировала на лондонской сцене. Актер Джон Филип Кембл (1757–1823) считался лучшим актером в Англии, а его сестра Сара Сиддонс (1755–1831) считалась одним из величайших трагиков.В своем первом сезоне она сыграла 80 раз в семи разных ролях, вызывая обмороки и истерику у своей публики. Джон Филип Кембл дебютировал на лондонской сцене в 1783 году в партии Гамлета. Его актерский стиль был статичным и декламационным, с длинными широкими линиями и отстраненным величием.

Популярный актер Эдмунд Кин (1787 - 1833) заменил Кембла в качестве любимца лондонской сцены после дебюта на Друри-Лейн в роли Шейлока в фильме Венецианский купец в 1814 году.Кин был одним из немногих актеров, которые смогли заполнить огромный театр Друри-Лейн на 3000 зрителей. Его природная страсть и пылкий дух соответствовали мелодраматическому стилю игры. Говорят, что он лучше всех проявлял себя в сценах смерти и тех, которые требовали интенсивности переживаний или резких переходов из одного настроения в другое.

(Слева направо) Джон Филип Кембл в роли Ричарда III Уильяма Шекспира, картина Уильяма Гамильтона Р.А., после 1788 года, Англия. Музей № DYCE.75. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; Портрет Эдмунда Кина в роли Ричарда III, изданный в Лондоне С.Рыцарь 22 марта 1814 года, Лондон, Англия. Музей № С.2183-2009. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Мелодрама стала популярной с 1780-х годов и просуществовала до начала 20 века. Первой британской драмой, названной мелодрамой, стала «Загадка » Томаса Холкрофта «» (1802). Мелодрама состояла из коротких сцен с вкраплениями музыкального сопровождения и характеризовалась простыми моральными историями со стереотипными персонажами - всегда были злодей, обиженная девушка и герой, действующий в раздутом стиле.

С середины 19 века театр начал приобретать новую респектабельность и привлекать больше публики из среднего класса. Они были очарованы исторической точностью и вниманием к деталям, которые становились все более важными в сценическом дизайне. Живописная драма уделяла большое внимание костюму и отражала модный интерес к археологии и истории. Неизбежные долгие и сложные смены сцен означали, что пьесы, особенно Шекспира, пришлось вырезать. Одним из главных представителей живописной драмы был Чарльз Кин (1811–68), сын Эдмунда Кина.Чарльз Кин был известен своими кропотливыми исследованиями исторической одежды и декораций для своих постановок в Театре принцесс на лондонской Оксфорд-стрит в 1850-х годах.

Портрет Чарльза Кина в роли Ричарда II в опере «Ричард II» в Театре принцесс, Лондон, 1857 год. С.139: 831-2007. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

В театре XIX века преобладали актеры-менеджеры, которые руководили театрами и играли главные роли в постановках. Генри Ирвинг (1838–1905), Чарльз Кин и Бирбом Три (1852–1917) - все создавали постановки, в которых они играли главную роль.Генри Ирвинг доминировал на лондонской сцене более 25 лет, и зрители почитали его как героя. Когда он умер, король Эдуард VII и президент Соединенных Штатов выразили свои соболезнования.

Шекспир был самым популярным писателем среди этих актеров-менеджеров. Стало модным давать пьесам Шекспира детализированные и исторически реалистичные декорации и костюмы. Сценическое зрелище часто было важнее самой пьесы, и тексты были сокращены, чтобы дать время изменить массивные декорации и максимально раскрыть главную роль.

Ботинки, которые носил Генри Ирвинг в роли Ричарда III, в лицее, 1877. Музей № S.2754: с 1 по 7-2010. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Первой женщиной-актером-менеджером в Лондоне была Элиза Вестрис (1797–1856), певица и танцовщица, которая также руководила Олимпийским театром с 1830 года. Там она представила программу бурлеска, многие из которых играли главную роль. Среди других женщин-менеджеров XIX века были Мэдж Кендал (1848-1935) и Сара Лейн (около 1822-99) в Театре Бриттании в Хокстоне.

Величайшей английской актрисой конца 19 - начала 20 века была Эллен Терри (1847 - 1928). Она присоединилась к легендарному актеру-менеджеру Генри Ирвингу в Lyceum Theater с 1878 по 190 год в качестве его ведущей леди, и в течение более чем следующих двух десятилетий она считалась ведущей шекспировской и комической актрисой в Великобритании. Двумя из ее самых известных ролей были Порция в Венецианский купец (1875) и Беатрис в Много шума из ничего (1882). В 1903 году Терри возглавила лондонский Императорский театр, где она сосредоточилась на пьесах Бернарда Шоу и Хенрика Ибсена.Однако финансовая неудача означала, что она вернулась к работе там много лет спустя.

Фотография Эллен Терри в роли Порции в "Венецианском купце", 1875 год, авторства Fradelle & Young. Музей № С.133: 218-2007. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

V&A хранит коллекцию Эллен Терри, которая содержит огромное количество корреспонденции, в том числе письма, написанные Терри ее дочери, художнику по костюмам Эдит Крейг, и письма, написанные ее партнером по сцене Генри Ирвингом.В архиве также есть записная книжка с мыслями Терри об Ирвинге.

Изощренная техника и оборудование сцены конца 19 века породили серию «сенсационных» драм, в которых спецэффекты стали главной достопримечательностью. Художники-декораторы, работая с опытными техниками, создавали реалистичные репродукции мира природы. Используя веревки, балки, мосты, беговые дорожки и вращающиеся механизмы, они могли произвести что угодно, от гонки на колесницах в Ben Hur до рельсовой аварии в The Whip .

Фотографический оттиск акта 3, сцены 6 из спектакля «Кнут», Театр Друри-Лейн, Лондон, 1909. Номер музея. С.211-2016. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Одним из величайших дизайнеров «сенсационных» сцен был Брюс «Сенсация» Смит. Он работал в Театре Друри-Лейн, который стал признанным домом для такой драмы после того, как в 1894 году в театре было установлено гидравлическое сценическое оборудование.

Драматург Том Уильям Робертсон (1829 - 71) представил новый вид пьесы на театральной сцене XIX века.Его новаторские «проблемные игры» касались серьезных и деликатных вопросов дня. Работы Робертсона считались настолько революционными по стилю и сюжету, что ни одно устоявшееся руководство не могло ставить его пьесы. «Опасность», - сказала Эффи Бэнкрофт, «лучше, чем тупость», и она создала ряд успешных и прибыльных хитов Робертсона, таких как Ours (1866), Caste (1867), Play ( 1868) и школа (1869). Каста была посвящена браку через классовый барьер и исследовала предрассудки в отношении социальной мобильности.Люди говорили на нормальном языке и имели дело с «обычными» ситуациями, а исполнители не «действовали», а «вели себя», как их аудитория - они говорили, они не декламировали.

Фотография Мари Уилтон в роли Нэн в спектакле «Ни на что не годна» в Театре принца Уэльского, Лондон, 1879 год. С.142: 165-2007. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Новая драма начала ХХ века

На рубеже 20-го века в театре возникли две доминирующие тенденции: драматизация современных, моральных и социальных проблем и интерес к более простой и абстрактной постановке пьес.Новаторская работа из-за рубежа, в частности таких драматургов, как Генрик Ибсен и Антон Чехов, также оказала влияние на формирование этой новой драмы.

В период между 1903 и 1907 годами, когда Харли Гранвиль-Баркер руководил Королевским двором, популяризовались работы Джорджа Бернарда Шоу. Бернард Шоу был одним из самых успешных писателей начала 20-го века и активным членом Фабианского общества, организации, приверженной социальной реформе и которую многие в то время считали подрывной.Он бросил вызов морали своей буржуазной аудитории в своих сатирических и часто юмористических произведениях, которые включали неудобные темы, такие как религия и проституция. Многие из его пьес были подвергнуты цензуре лордом Чемберленом, в том числе «Профессия миссис Уоррен» (1893 г., первое публичное представление в Англии в 1925 г.), в котором рассказывается о бывшей проститутке и ее попытке примириться с неодобрительной дочерью.

Сцена из постановки Джорджа Бернарда Шоу «Профессия миссис Уоррен», 1985, Королевский национальный театр.© Музей Виктории и Альберта, Лондон

На более низком уровне по всей стране возникли театральные группы, нацеленные на пропаганду дела социализма и Лейбористской партии.

Между 1926 и 1935 годами Движение рабочих театров (WTM), которое было в союзе с коммунистами, использовало театр для агитации за социальные перемены. WTM разработал стиль «агит-проп», в котором песни и зарисовки выходили на улицы в попытке спровоцировать перемены.

Unity Theater вырос из WTM.Его цель заключалась в том, чтобы «развивать и развивать искусство драмы в соответствии с принципом, согласно которому истинное искусство, эффективно представляя и правдиво интерпретируя жизнь, которую переживает большинство людей, может побудить людей работать на благо общества». Unity ввела новые формы театра, представляя публике фактическую информацию о текущих событиях, а также сатирические пантомимы, которые бросили вызов цензуре лорда Чемберлена.

Печатная программа, «Растение под солнцем», Театр «Единство», ок. 1930–40, Кембриджский театр.© Музей Виктории и Альберта, Лондон

Другие влиятельные политические компании включали базирующуюся в Солфорде Red Megaphones и Hackney People's Players. Стремясь избавиться от буржуазных атрибутов театра, они хотели создать более физический театр, отражающий машинный век. Популярные пьесы Эрнста Толлера Массы и люди (1923) и The Machine Wreckers (1922) и футуристический кошмар Карла Чапека RUR (1920), где машины и роботы используются для замены рабочего класса.

Основанная в 1908 году Лига актрис по франчайзингу поддерживала движение за избирательное право, организовывая мероприятия и чтения. К 1914 году членство насчитывало 900 человек, и группы существовали во всех крупных городах Великобритании. В числе пьес - «» Сесили Гамильтон и Кристофера Сент-Джона «Как было выиграно голосование» (1909) и самая известная работа Гамильтона «» - «» (1908, ), «» Добсона.

The Pioneer Players была основана Эдит Крейг, дочерью Эллен Терри, известной английской актрисы конца 19 - начала 20 веков.Компания стремилась представить пьесы, «представляющие интерес и идеи», особенно те, которые касались текущих социальных, политических и моральных вопросов, включая избирательное право. The Pioneer Players выступали в Маленьком театре, который работал как клубный театр, чтобы избежать цензуры лорда Чемберлена. В числе постановок были « в работном доме » Маргарет Винн Невинсон (1911) и «» Кристофера Сент-Джона «Первая актриса » (1911).

(Слева направо) Фотография Эллен Терри и Эдит Крейг, конец XIX века, Великобритания.Музей № С.133: 511-2007. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; Спектакль «Первопроходцы» по пьесе «Первая актриса», Kingsway Theater, Лондон, 1911 г. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Репертуарное театральное движение возникло на основе страсти и убежденности Барри Джексона и Энни Хорниман, которые считали, что людям нужно предоставлять широкий спектр театрального опыта по цене, которую они могут себе позволить. Хорниман считал, что, субсидируя театры, можно как поднять стандарты выступления, так и расширить программу, которую театр может предложить своему сообществу.

Хорниман была дочерью богатого торговца чаем, не имевшего семейных связей с театром, но она осознавала культурную ценность субсидируемых государством репертуарных трупп в Германии. В 1903 году Хорниман вложил деньги в открытие Театра Аббатства в Дублине и Театра Гейети в Манчестере в 1907 году. Всего за десять лет они поставили более 200 пьес в Гейети, но были вынуждены закрыться в 1917 году из-за финансовых трудностей.

Репертуарный театр Бирмингема открылся 15 февраля 1913 года постановкой Шекспира Двенадцатая ночь .Его основатель Барри Джексон, как и Хорниман, был увлечен необходимостью предложить жителям Бирмингема широкий спектр театрального опыта и лично субсидировал строительство Rep Theater в качестве базы для своей компании.

Клубные театры начала ХХ века

В 1899 году было основано Сценическое общество с целью поддержки театра идей. Разочарованный консервативным характером более коммерческих театров, он представил частные воскресные постановки экспериментальных пьес, не получивших лицензий от лорда Чемберлена.После полицейского рейда на их первую постановку ( Бернарда Шоу «Никогда не скажешь ») утверждалось, что, поскольку это были частные выступления, ограничения лорда Чемберлена на воскресные выступления и лицензионные спектакли не применялись. Сценическое общество выиграло дело, и открылись другие «клубные» театры, члены которых платили небольшой абонемент, а не вступительный взнос. Эти театры стали домом для нелицензионных, экспериментальных и спорных пьес - ситуация, которая длилась до 1968 года, когда цензура была окончательно отменена.

(Слева направо) Программа британской премьеры оперы Сэмюэля Беккета «В ожидании Годо» в постановке Питера Холла, 3 августа 1955 года, The Arts Theater Club, Лондон. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; Фотография оригинального состава «В ожидании Годо», 1955 год, The Arts Theater Club, Лондон. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Художественный театр открылся как клубный в 1927 году и быстро завоевал репутацию новатора и интересной работы. Здесь ставились пьесы французских и немецких писателей, таких как Расин и Гете, а также новые произведения британских драматургов.Такие актеры, как Джон Гилгуд и Сибил Торндайк, работали в Художественном театре, даже когда они были хорошо известны в Вест-Энде - такова была их приверженность представлению экспериментальных работ.

Театр Вест-Энда между войнами

Театр Вест-Энда между войнами представлял собой странную смесь. По большей части театры обеднели Депрессия и остались консервативными как по содержанию своей работы, так и по постановке.

На сцене доминировали пьесы Джорджа Бернарда Шоу, Сомерсета Моэма, Теренса Раттигана, Ноэля Кауарда и Джей Би Пристли.В то время как Пристли и Шоу придерживались сильных левых взглядов, пьесы были по сути консервативными по форме. Пьесы Шекспира практически исчезли из Вест-Энда. Теперь его домом был театр Олд Вик и региональные репертуарные театры, которые экспериментировали с постановкой современной одежды. Именно Джон Гилгуд вернул Шекспира в Вест-Энд в 1935 году своими постановками Ромео и Джульетта , Ричард III и Венецианский купец .

Головной убор, разработанный Оливером Месселем, который носила Вивьен Ли в роли Титании в пьесе Шекспира «Сон в летнюю ночь», Old Vic, Лондон, 1937. Номер музея. С.491: 1, 2-2006. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Коммерческий театр процветал, и на Друри-Лейн в крупнобюджетных мюзиклах Айвора Новелло и Ноэля Кауарда использовались огромные декорации, экстравагантные костюмы и большие актеры для создания зрелищных постановок. «Кавалькада » Кауарда (первая постановка в 1931 году) - это эпическая пьеса, прослеживающая историю первых лет ХХ века через жизнь одной семьи.Трус остался одним из популярных писателей этого периода с такими комедиями, как The Vortex (1924), Fallen Angels (1925) и Present Laughter (1942).

(Слева направо) Фотография Ноэля Кауарда, неизвестного производителя, начало 1930-х годов, Лондон. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; Печатный флаер к постановке Ноэля Кауарда «Кавалькада», 1932 год, Театр Друри-Лейн, Лондон. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Вторая мировая война вызвала всплеск интереса к искусству, и многие гражданские и военные зрители впервые увидели драму, оперу и балет.Этот интерес привел к созданию Правительством в 1946 году Совета искусств с ежегодным грантом для распространения среди произведений искусства. Этот грант обеспечил выживание таких компаний, как балет и опера Сэдлера Уэллса, и, в конечном итоге, создание Королевской оперы, Королевской шекспировской труппы и Национального театра, а также поддержал театр в регионах и работу отдельных артистов и трупп. К 1956 году Художественный совет субсидировал 40 компаний по всей стране, а в период с 1958 по 1970 год на государственные деньги было построено 15 новых театров.

Послевоенный театр Вест-Энда

После окончания Второй мировой войны в Вест-Энде преобладал коммерческий сектор. Фарсы и «кто-то» стали популярными, самым известным из которых является The Mousetrap , экранизация романа Агаты Кристи, вышедшего в 1952 году и продолжающегося до сих пор. Гламурные постановки 1950-х годов Бинки Бомонт и Х. М. Теннент вскоре стали экономически нежизнеспособными. Актеры перешли на телевидение, чтобы заработать больше денег, и производство в Вест-Энде сократилось в размерах.

В этот период также произошел взрыв нового письма: книга Джона Осборна «Оглянись в гневе » (1956) стала ориентиром для нового поколения молодых писателей, в том числе Арнольда Вескера, Тома Стоппарда, Эдварда Бонда и Гарольда Пинтера. Небольшие площадки продолжали продвигать и поддерживать новые произведения, поскольку экспериментальные постановки перемещались в мейнстримные театры, включая Королевский двор Джорджа Дивайна. Фраза «In your face Theater» применялась ко многим молодым писателям, которые были продюсированы Королевским двором в 1990-х годах.Этот агрессивный и конфронтационный стиль был разработан, чтобы атаковать чувства аудитории. Он исследовал мучительные крайности человеческого положения и загнал его в глотку излишествам современного общества. Одним из самых успешных постановок «In yer face» стал фильм Марка Рэвенхилла « Shopping and Fucking, », который открылся в Королевском дворе в 1996 году. «Шокером во всех смыслах этого слова», - заявила Daily Mail.

(Слева направо) Афиша программы, рекламирующая первый репертуарный сезон The English Stage Company в Королевском Королевском театре в Лондоне с апреля по июнь 1956 года, включая мировую премьеру оперы Джона Осборна «Оглянись в гневе».Музей № С.876-1997. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; Фотография сцены из спектакля «Оглянись в гневе», 1956 год, Королевский придворный театр, Лондон. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Национальная театральная труппа была основана в 1963 году в Олд Вик под руководством Лоуренса Оливье и переехала в свой новый дом на Южном берегу Лондона в 1976 году под руководством Питера Холла. Питер Холл также руководил первокурсниками Королевской шекспировской труппы в Стратфорде-на-Эйвоне.

Политический театр также процветал в это время - особенно работы Джоан Литтлвуд и Portable Theater Company, которые продюсировали молодых политических писателей, таких как Джон МакГрат, Дэвид Эдгар, Тревор Гриффитс, Дэвид Хейр и Ховард Брентон.Компания Joint Stock стала пионером в процессе совместной работы, когда писатели обменивались своими идеями с компанией для разработки сценария. Компания Joint Stock разработала многие ранние пьесы Кэрил Черчилль.

Конец театральной цензуры в 1968 году привел к всплеску альтернативного театрального движения в Великобритании. Компании, больше не ограниченные строгим взглядом лорда Чемберлена, могли свободно выражать любую повестку дня по своему выбору. Феминистские театральные труппы, такие как «Красная лестница» и «Женская театральная группа» (ныне «Сфинкс»), начали ставить пьесы, которые выражали политическую повестку феминистского движения и ставили под сомнение мужское доминирование писателей и режиссеров в британском театре.Женщины-писательницы, такие как Кэрил Черчилль и Пэм Гемс, писали для таких компаний, как Joint Stock, прежде чем добиться успеха в мейнстриме.

Версия Кэрил Черчилль «Игра снов» Августа Стриндберга, Cottesloe Theater в Национальном театре, Лондон, Англия, 2005 г. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Компании также изучали новые способы создания театра, разрабатывая работу, которая была направлена ​​на то, чтобы быть более демократичной, вовлекая всю компанию во все аспекты творческого процесса, от первоначальной концепции до финальных представлений.

Во время финансового кризиса 1980-х годов многие «альтернативные» компании сократили (скудные) субсидии и больше не могли себе позволить продолжать работу. Однако другие успешно превратились в мейнстрим, такие как Hull Truck и Майк Ли, которые позже успешно перешли в кино и на телевидение.

Физический и визуальный театр

На протяжении 1980-х и 90-х годов компании начали экспериментировать с более физическим типом театра. Они хотели уйти от ограничений реалистичной и натуралистической драмы и создать энергичный визуальный театр, сочетающий сильный дизайн с хореографией и физическими образами.Под влиянием работ Филиппа Голье и Жака Лекока такие компании, как Theater de Complicite, применили свой стиль к переработке классических текстов и создали новые работы в сотрудничестве с писателями.

«Улица крокодилов» театра de Complicite, Королевский театр, Лондон, 1999 г. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Этот отъезд не был полностью новым - в 1960-х Питер Брук заинтересовался более физическим и визуальным театром. Он был вдохновлен японским театром Но и находился под влиянием работы Адриенны Мнушкин «Театр дю Солей» в Париже.Первыми новаторами в этой области были исполнители баухауза, дадаистов и сюрреалистов, хореограф Рудольф Лабан, режиссеры Мейерхольд и Ежи Гротовски и Рихард Шехозер.

Сегодня театральные труппы и коллективы создают все больше экспериментальных работ, в которых исследуются социальные и политические вопросы и оспариваются общепринятые представления о том, что такое спектакль и как его следует представлять.

Blast Theory описывают свою работу как совместную и междисциплинарную. Такие работы, как Can You See Me Now? (2001) - игра в погоню, в которую играют онлайн и на улицах, смешанные видеоигры и производительность, в то время как Я бы скрыл тебя (2012), Моя шея в лесу (2013) и Слишком много информации (2015 ) привлекла разнообразную аудиторию через разные средства массовой информации.Точно так же британская театральная компания Punchdrunk создает произведения, которые стирают границы между сценой и аудиторией, создавая иммерсивные презентации, в которых аудитория может выбирать, что смотреть и куда идти.

Национальный видеоархив перформанса

V&A хранит Национальный видеоархив выступлений (NVAP), архив из более чем 300 высококачественных записей живых театральных представлений, сделанных с 1992 года. Эта уникальная коллекция доступна бесплатно всем, независимо от того, являетесь ли вы исследователем, актером, готовящимся к прослушиванию, художник-постановщик, анализирующий прошлые интерпретации, или тот, кто упустил возможность посетить постановку во время ее показа.

Как читать пьесу

3. ТЕМАТИЧЕСКИЙ ФОКУС

Что может означать пьеса? Прежде чем сосредоточиться на центральных и вращающихся темах, полезно рассмотреть множество значений. Тема и драматическое действие должны быть взаимосвязаны - это два способа думать об одном и том же. Драматическое действие описывает конфликтующих персонажей; тематическая направленность описывает смысл, извлеченный из этого действия, и его результаты. (Примечание: это еще один способ сказать: «Это пьеса о… [введите существительное, но не используйте слово« люди »»].)

4. ПУТЕШЕСТВИЕ ПЕРСОНАЖЕЙ

Драма о персонажах, которые меняются. Иногда героями движет желание перемен, иногда перемены им навязывают. В любом случае, эффективный способ понять пьесу - спросить: «Как, где и почему меняются главные герои от начала до конца пьесы?»

5. ОТНОШЕНИЯ

Театр - это человеческий опыт и отношения, но на сцене отношения - лучший способ измерить изменения, влияние и значение пьесы.Если отношения не меняются, что-нибудь происходит, что-то затронуто? Независимо от того, смотрите ли вы на Шекспира, Беккета или Сьюзан-Лори Паркс, отношения - это мерило драмы.

6. СТРУКТУРА

Французская карта сцен неоценима для отображения ритма и развития пьесы. Таблица основана на входах и выходах персонажей и включает длину страницы каждой сцены, имена персонажей, которые ее населяют, примечание о физическом местоположении / обстановке и название сцены (ваше собственное изобретение), в котором резюмируется действие.Глядя на карту французских сцен, не зная пьесы, можно понять основные сцены и центральных персонажей, а также проанализировать последовательность и продолжительность сцен, составляющих общий ритм пьесы.

7. ТЕАТРАЛЬНЫЕ ДОСТОПРИМЕЧАТЕЛЬНОСТИ

Что поддерживает постоянный интерес аудитории? Это сюжет, юмор, раскрытие персонажа, повествование, интрига, насилие, романтика, сценические элементы или что-то еще? Независимо от темы и драматического действия, жизненно важно понимать, из чего состоит пьеса, если кто-то надеется успешно воплотить ее в жизнь.

8. НАЗАД И ВПЕРЕД

Чтобы быть эффективными и максимизировать воздействие, пьесы написаны так, чтобы подготовиться к важным моментам, завершить конфликты и окупить путешествия персонажей. Чтобы понять драматическую взаимосвязь между сценами в начале, середине и конце пьесы, полезно читать пьесу как вперед, так и назад.

9. ЯЗЫК

В театре язык является одним из основных средств передачи жизненно важной информации о персонаже посредством экспозиции и доставки: социальный класс, регион, культура, возраст и многое другое.На странице язык также является исключительным средством, поэтому очень важно уделять особенно пристальное внимание силе и назначению стихов, изображений, мотивов и окраски акцента, диалекта и манер, таких как малапропизмы. Это часть театральных достоинств произведения, но, благодаря Аристотелю, они заслуживают отдельного упоминания.

10. НАМЕРЕНИЯ ПЛЕЙРАРА

Как драматург понимает свою игру? Что писатель сказал или написал об этом? Сообщает ли намерение автора ваше понимание и анализ работы? Есть ли аспекты жизни, канона или мировоззрения автора, которые освещают произведение?

11.ПЕРВЫЕ ВПЕЧАТЛЕНИЯ

Делайте заметки, когда впервые читаете пьесу: что вы делаете и чего не понимаете и что производит наибольшее впечатление, когда пьеса для вас нова, имеет решающее значение. Если вы будете работать над сценарием, у вас никогда больше не будет такого первого опыта чтения, но это будет у публики при каждом представлении.

12. ТЕОРИЯ

Это сложная категория, потому что пьесы редко точно вписываются в какую-либо теорию, даже в теорию самого драматурга. На самом деле критики часто отмечают, что пьесы Бертольда Брехта лучше, когда они выходят за рамки его теории отчуждения, то есть когда зрители теряют осознание себя и вовлекаются в драму на сцене.Теоретические основы, такие как феминизм или марксизм, могут пролить свет на произведение, но в целом теория более полезна при обсуждении пьесы, чем при создании театра.

13. ОПОРЫ И СЦЕНА

Этот анализ, заимствованный у режиссера Джона Джори и отдельно от художника-декоратора Кейт Саттон-Джонсон, требует составления списков, которые, в свою очередь, служат источником вдохновения для физического / сценического производства. Джори составляет список всего, что требуется в пьесе, затем он смотрит на этот список, чтобы определить, какие объекты важны и могут иметь символическое или метафорическое значение.(Они также дают актерам что-то делать.) Саттон-Джонсон объединяет все направления сцены в один документ, и эта компиляция предлагает основные требования и требования физического пространства.

14. СЦЕНИЧЕСКАЯ МЕТАФОРА

Эта тема раскрывает функциональную необходимость декораций. Помимо требований (дверь для входа или выхода, аррас, за которой нужно убить Полония) и настроения (темные улицы для мистера Хайда), сценическая метафора создает смысл с помощью света, звука и предметов.Лучшие сценические метафоры трансформируются вместе с действием, так что смысл раскрывается с течением времени.

15. ЧТО ЭТО ИСТОРИЯ?

Такой подход к тексту позволяет сфокусировать производство, а также дает вдохновение для некоторых уникальных интерпретаций. Мне вспоминается постановка фильма Уильяма Инджа «« Пикник »», которую поставила Энн Богарт в Театре актеров Луисвилля. В то время как пьеса обычно концентрирует кризис молодых любовников Мэдж и Хэла, с дополнительным сюжетом другого предложения и брака, Богарт решил сосредоточиться на младшей сестре Милли, которую Богарт добавлял в каждую сцену, чтобы она могла стать свидетелем всего романтического хаоса и бойни. .

16. ЧТО ДАЛЬШЕ?

Призрак отца Гамлета появляется и разговаривает с Гамлетом. Момент драматичный, театральный, волнующий. Тогда все кончено. Что произойдет дальше? Том приглашает своего друга, Джентльмена-звонящего, навестить свою сестру Лору. Они танцуют. Они целуют. Что произойдет дальше? Этот подход подчеркивает действия, которые затем требуют дальнейшего изучения. Идут ли они вперед по причине и следствиям или другим путем? К чему они складываются? И как они вовлекают аудиторию - неизвестность, напряжение, загадка, шок, сочувствие и т. Д.?

Theatre Blocking 101 - Dramatics Magazine

ВЫЯВЛЕНИЕ ПЕРСОНАЖА В ДВИЖЕНИИ

Персонажи перемещаются по разным причинам. Самый простой - это путешествовать из одного места в другое с определенной целью. Они хотят пить и хотят выпить стакан воды. Ребенок плачет, поэтому они идут его кормить. Тем не менее, если ваши персонажи будут двигаться ТОЛЬКО, когда у них есть конкретная потребность или цель, в вашей игре будет очень мало движения, и она будет казаться статичной.

Чем больше игровое пространство, тем очевиднее это становится.Вам нужно открывать и мотивировать сценические движения актеров, которые могут показаться не совсем естественными. Как нам сделать это, не натолкнувшись на чрезмерно театрализованность или, что еще хуже, произвольность?

В дополнение к придумыванию действий для ваших актеров и мест, куда они могут пойти при разработке плана сцены для вашего набора, исследуйте способы раскрыть психологию ваших персонажей с помощью блокировки. Под этим я имею в виду то, что они думают о других персонажах на сцене в любой момент. Одно практическое правило, которое вы можете использовать, - заставить персонажей перемещаться на к предметам, которые приносят им удовольствие, и на на к вещам, которые причиняют им боль.Мой босс только что предложил мне продвижение по службе, на которое я так надеялся. Я возбужденно подхожу к ней, сокращая разрыв между нами. Мой отец только что сказал, что я ужасно разочаровал. Я удрученно отворачиваюсь от него в другую сторону комнаты. Представьте, что вы смотрите спектакль с выключенным звуком. Может ли слабослышащий член аудитории по-прежнему понимать отношения и следить за историей по тому, что они видят на сцене?

Вообще актеры любят противостояние. Это самые пикантные части сцены.Выберите сцену с словесной дракой, и, предоставленные самим себе, актеры неизбежно окажутся на расстоянии четырех дюймов друг от друга и будут кричать друг другу в лицо. С другой стороны, настоящие люди склонны избегать конфронтации. Попробуйте поставить персонажей на некотором расстоянии друг от друга во время словесной конфронтации, и вы удивитесь, насколько более аутентичным кажется эта сцена. Кроме того, по моему опыту, это позволяет сцене естественным образом развиваться. Когда актеры смотрят друг другу в лицо, им больше некуда деваться эмоционально.

Критические концепции: драматическая ситуация

Критические концепции: драматическая ситуация

Критические концепции

Драматическая ситуация | Конфликт



Один из главных источников увлечения людей историями, от с незапамятных времен была их способность идентифицировать себя с людьми вовлеченных в конфликты .

Чтобы возник конфликт, у нас должны быть две вещи, и эти вещи должны быть не просто отличными или даже противоположными друг другу другие, но активно противостоят друг другу.

Таким образом, ни одна из следующих фраз не достаточна для определения конфликт:

  • Дочери короля Лира
  • Желания Макбета
  • Ураган Долорес
  • бессознательное высокомерие мужчин по отношению к женщины в пьесе Сьюзан Гласпелл ​​ мелочи
  • Чувства миссис Маллард к своему умершему муж (в «Повести Кейт Шопен» Час »)

Каждый из этих касается того, что квалифицируется как конфликт, но чтобы сформулировать конфликт в вопрос, мы должны сказать больше.В некоторых случаях мы нужно указать какой-то другой элемент, внешний по отношению к нему который участвует в некотором соревновании. В другие, мы должны разъяснить, какие элементы в ситуация, на которую указывает фраза, работают в оппозиции друг другу.

  • В произведении Шекспира Король Лир две старшие дочери главного героя враждебно относятся к друг друга (каждый стремится к полному контролю над королевство, которое их отец разделил между их), и каждый оказывается в разногласиях со своим отцом, как хорошо (Лир настаивает на том, чтобы его лечили уважение к царственному отцу, но как только он отреклись от престола в свою пользу, эти гадюки лечат его как неприятность, от которой нужно избавиться).Лира младшая дочь Корделия остается ей верной отец, но заработал свой гнев и лишение наследства, потому что она не будет соревноваться со своими сестрами в провозглашая ее глубокую любовь к нему в состязание за его благосклонность, потому что она считает это как ненужный и унизительный ритуал.
  • Стремление Макбета к славе и власти противоречит, и его желание уважения к жене разногласия с его совестью, когда он уступает ей подстрекает и убивает короля Дункана, гостя в его замок, чтобы получить трон для сам.
  • Ураган Долорес обрушился на Корпус-Кристи, штат Техас.
  • В пустяках, женщины чувствуют себя оскорбленными снисходительность мужчин к ним.
  • Чувства миссис Маллард к своему умершему мужу амбивалентны: с одной стороны, она вещи его с любовью и уважением, и с признательность за его любовь к ней; с другой, она испытывает негодование по поводу того, что как женатый человек, нельзя жить для себя в одиночку, но подчинить собственное желание большие отношения.

Хотя элементы участвуют в конфликте часто разительно контрастируют друг с другом, конфликт не то же самое, что контраст . У нас может быть контраст без какого-либо конфликта как бы то ни было.

  • В Мелочах , например, мы сталкиваемся с двумя женщинами, которые существенно отличаются от друг с другом. Миссис Хейл знакома с история женщины, которая только что была заключена в тюрьму по подозрению в убийстве мужа.В домохозяйка на соседнем хуторе, тоже чувствует виновен в том, что постоянно откладывал посещение Минни Райт, ужасно пострадавшая от изоляция, наложенная ее мужем. Г-жа. Петерсон - горожанка, незнакомая с руководители в катастрофе. И как жена шерифа округа, она (по его фразе) "замужем за законом". в по ходу спектакля мы узнаем, что она сама знаком с глубокой депрессией, потеряв двухлетняя, тогда ее единственный ребенок, когда она и ее муж поселился в Северной Дакоте.
    • Здесь у нас есть контраст, который, как оказывается вне, в конечном итоге вносит свой вклад в важный конфликт, а также его разрешающая способность. Но пока эти различия вызывают некоторые трения между женщинами, пусть и приглушенными, отклонено, тактично высказано и оговаривается, конфликта нет. Даже когда такой конфликт в конечном итоге появиться, мы не будем описывать это, если мы ограничиваемся замечанием моментов контраст, как в описании мы только что осмотрел.
  • Часто в рассказах, пьесах, фильмах контрасты используются в качестве удобные маркеры для символов в конфликт. Но тогда дело не в том, чтобы ошибаюсь такие контрасты - рыжие волосы против седых волосы, белое платье vs. красное платье, потертые сандалии против элегантных туфель для танго с гетрами - для личные качества или ценности, с которыми друг друга составляют конфликт эти другие черты используются, чтобы указать к.Подробнее о том, как систематический контраст может использоваться для создания импликации, см. обсуждение фольги.

Конечно, - это отдельных термина, из которых делают обозначают конфликт: «война», «борьба», «соревнование», «нерешительность», «двойственность» и т. д. Но они сами по себе относятся к ситуациям, в которых по крайней мере два фактора противопоставляются друг другу. Чтобы указать конкретный конфликт, нам нужно более подробно рассказать о том, что именно факторы противостоят каждому Другие.

Конфликты, составляющие основу многих художественных произведений конечно, конфликты, которые требуют от аудитории идентификации с одним или несколькими из символы. Это отождествление может быть отдаленным или интенсивным, простой или сложный, частичный или «весь», но , если конфликт продолжается, поглощая наши интересы, это придется требовать идентификации.

  • Мы можем интересоваться конфликтами, которые не привлечь нас через идентификацию, но это редко, если когда-либо, будь в центре внимания вымышленных историй или пьесы.Нам может быть очень любопытно, например о деталях тектоники плит, которые приводят к поднятие горных хребтов и разрушение морское дно. И это любопытство геолога, которое непрофессионалы, безусловно, могут поделиться, может быть в значительной степени отрешенный даже от наших отдаленных забот о таких бедствия, такие как землетрясения и извержения вулканов: мы можем быть глубоко заинтересованы в изучении того, как эти процессы работают. Но когда такого рода детали входят в художественную литературу, они делают это благодаря большему или большему количеству менее непосредственные затруднения персонажей, попавших в виды ситуаций фильм Dante's Inferno построен вокруг.
  • Другими словами, конфликты, которые создают фикции бизнес
    • конфликты между людьми, или
    • конфликты между людьми и нечеловеческими существами одушевленные существа - животные, духи, божества - или
    • конфликты между людьми и природными силами - например, море, пустыня, снег - или
    • конфликты внутри людей, или
    • конфликты между агентами, которые ведут себя подобным образом людей, e.г.,
      • животное, с которым мы можем творчески идентифицировать, или
      • растения, камни или персонифицированные абстракции, которые демонстрируют человеческие поведение.

A драматическая ситуация - это ситуация в повествовательном или драматическом произведении, в которой люди (или "люди") вовлечены в конфликты, которые вызывают чуткое участие аудитории в их затруднительном положении. Часто мы прямо и сразу же погружаемся в драматическое ситуация, прямо в начале или вскоре после начала рассказа или играть. (В таких случаях задача экспозиции - познакомить нас с основные факты, которые нам нужно понять, чтобы понять, по крайней мере, изначально драматическая ситуация.) В других произведениях - например, те, которые используют неизвестность, чтобы поймать первоначальное внимание - экспозиция будет использована для вместо этого генерировать драматические вопрос.) Иногда, однако, драматическая ситуация вводится более постепенно, по мере развития действия. (Это может происходить в произведениях, которые используют неизвестность, чтобы запечатлеть наши внимание, пока мы знакомимся с дополнительными объектами интерес.) Некоторые истории вызывают у нас интерес к драматическим ситуация для собственного волнения (часто драматический вопрос приходит, чтобы привязаться к исходу конфликта), в то время как другие используют его привлечь внимание к некоторому этическому или пруденциальному пункту ( "моральный"), или чтобы заинтересовать нас особенностями характер одного или нескольких задействованных в нем агентов. А также когда мы попадаем в драматическую ситуацию, мы можем обнаружить, что его природа оказывается богаче и сложнее, чем сделал в своем первом появлении в рассказе, или что его природа изменения в способах, на которые нам нужно обратить внимание.

Смысл этих напоминаний в том, что мы не хотим ковылять нас самих с иллюзией, что все истории вращаются исключительно, или в первую очередь, или даже вообще, в случае конфликта. Мы хотим сохранить мы открыты для возможности того, что кусок, с которым мы должен делать, предназначен для удовлетворения других или дополнительных интересы.

  1. Когда мы понимаем, что нас зацепило ожидание, мы хотим быть внимательным к возможности того, что часть истории стратегия при этом заключается в том, чтобы познакомить нас с драматическая ситуация.
    • В то же время, возможно, история, которую мы чтение не требует от нас идентификация в ситуации конфликт. Может быть, это история, которая работает в первую очередь на уровне неизвестность, или в манере объяснения притча.
  2. Однако, когда мы сталкиваемся с драматической ситуации, мы хотим помнить о том, что это может быть ради скрытых целей.Как драматическая ситуация становится все более ясной определены, мы хотим спросить: «Ну и что?» Почему автор решил представить нам именно этот набор конфликтов? Будет ли это делать разница была ли ситуация в этом или это уважение? Такое любопытство необходимо, если мы должны настроиться на проблемы, которые могут быть затронуты в истории подарок для нашего осмотра и размышления. Если мы просто вовлечены более или менее непосредственным образом в драматическая ситуация, мы можем оставаться слепыми его присутствия в рассказе в конечном итоге.
    • В то же время есть истории, которые более или менее исключительно нацелены на предоставление нам альтернативный опыт жизни через выход из конфликтной ситуации. Это может Тем не менее, для нас есть много интересного уведомление о предположениях, при которых история продолжается, даже если мы подозреваем, что автор не заинтересован или не знает эти.Но возможность остается, тоже получать удовольствие от такой истории в значительной степени строго на своих условиях. Этого не будет возможно, если мы потребуем, чтобы он поставил свои конфликты целям, в достижении которых он не заинтересован.

Такая гибкость предупреждения при использовании концепции важно, если мы хотим, чтобы мы читали тактично, а не неуклюжие - это концепция будет способствовать нашему взаимодействию в разнообразии переживаний, которые дает литература, а не преграждать и препятствовать этому.


Примеры и др. разъяснение

Игра Сьюзан Гласпелл ​​ Мелочи открывается, когда 5 человек входят на кухню фермерского дома в Айове на зимнее утро. Трое мужчин: округ прокурор, шериф графства и владелец соседнего ферма, которая накануне случайно зашла в дом и обнаружил своего соседа Джона Райта задушенным в постели и Жена Райта Минни в странном блуждающем состоянии, едва в состоянии ответить на его вопросы и без видимого представления о том, что произошло.Двое других - женщины: жена шериф и жена соседа. Они пришли к собрать одежду для Минни Райт, которая сейчас находится под стражей в окружная тюрьма по подозрению в убийстве. Два законника пришли, чтобы попытаться выяснить, что могло быть мотивом для миссис Райт убил ее мужа. Без убедительного мотив, прокурор не сможет доказать существенный предусмотренный законом элемент преступления в виде убийства (по первому или вторая степень). Эти факты - которые драматург выявляет, заставляя прокурора попросить соседа рассмотреть события вчерашнего дня - таким образом, основные элементы экспозиция в общем сюжете произведения: они составляют исходную ситуацию, из которой предстоит драма разворачивается.Таким образом, они устанавливают первоначальный драматический вопрос, который направляет внимание аудитории на события, которые Сразу следуйте: найдется ли такой мотив?

Однако они не составляют того, что обычно назвал драматической ситуацией пьесы. И это не драматический вопрос (только что упомянутый к) то же, что и драматическая ситуация в пьесе. Этот не становится для нас ясным в этом конкретном фрагменте, пока несколько позже. Фактически, одна из функций драматического вопрос - который должен быть положен на стол почти сразу - удерживать наше внимание до тех пор, пока мы не сможем сориентироваться более глубокие проблемы произведения, среди которых могут быть тематические вопросы, поставленные на карту в различных конфликтах, для которых произведение призвано вовлечь нас.(Подробнее о различиях между драматический вопрос и драматический вопрос смотрите здесь.) Некоторые истории погружают нас прямо в первоначальный драматический мир. сама ситуация. Но другие, как эта пьеса, познакомить нас с драматической ситуацией (или, если мы предпочитаем, с множество взаимосвязанных драматических ситуаций) только после некоторого дальнейшего события произошли.

  • Это означает, что мы хотим, чтобы в нашем сознании понятия драматической ситуации и экспозиции.В ситуация, представленная в экспозиции, может или не может соответствовало тому, что мы здесь называем драматическим ситуации - или даже особенно драматической ситуация, с которой мы впервые познакомились.
  • Причем экспозиция (так как термин используется при обсуждении литературных произведений) не синоним драматического вопроса. (Экспозиция призван поднять в аудитории драматический вопрос.Эти двое не более того, чем пусковая площадка или ракетное топливо - то же самое полезная нагрузка.) Экспозиция банка также познакомьте нас с драматической ситуацией. Как это случается, в данном конкретном случае это не так. играть.
  • Так что тоже не хотим путать концепция драматического вопроса с концепцией то, что нас волнует в данный момент, драматично ситуация. И драматический вопрос, и драматический ситуационная точка - объекты вовлечения аудитории в действии.Первое связано с любопытство по поводу результата. Второй должен сделать с привлечением наших чувств, через наши готовность творчески отождествлять себя с агентами и силы, действующие в рассказе, в ситуациях конфликт. Работа может заинтересовать нас оба измерения, или в одном (в основном или исключительно) или другой (то же самое). Конечно, это может быть в некоторых сюжетах, что наше беспокойство по поводу того, как все получится это неизвестность закончилась каким будет конкретный конфликт, который нам небезразличен решено.(В книге Амброуза Бирса «Происшествие в Мост Сов-Крик ", - отмечает читатель. интенсивно с отчаянной борьбой главного героя убежать от казни как шпиона, захваченного в плен у врага территории, а это надежда , что он сумеет победить, так же связан с беспокойство по поводу сможет ли он выжить, как одна сторона медали с другой.) Но это не означает, что в целом неизвестность всегда и только по поводу того, как конкретный конфликт будет оказывается, или что, если мы тесно отождествляем себя с главный герой, который вовлечен в конфликт, мы обязательно сомневаюсь в том, каким будет конфликт решено.Сахар и сливки обнаруживаются во многих чашках чая, но это не значит, что сахар - это сливки.
    • Мы можем сильно захотеть знаю, чем закончится эксперимент, но мы не обязательно беспокоиться о том, сторонник этого или гипотеза рискует в этом окажется правильным или разочарованным, или иметь некоторую другую заинтересованность в исходе (приведет ли это, например, к новому своевременное лечение рака, чтобы спасти кого-то мы заботимся).
    • Аудитория Эдипа King с самого начала знает не только что действие закончится катастрофой, но именно в чем будет состоять эта катастрофа дюйма (Тот факт, что эта знаменитая пьеса разительно без драматического вопроса имеет ли что-либо усиливало очарование аудитории на протяжении веков с затруднительное положение главного героя, и является важный ключ к разгадке того, что у Софокла в целом тематические проблемы могут быть.)
    • Тот факт, что драматический вопрос и драматическая ситуация логично отчетливость также является важным фактором в нашем возможность быть заинтересованным в повторном проживании творческий опыт, который мы уже прошли через - смотреть фильм снова, или перечитывать рассказ.
    • В редких случаях работа избавит от конфликтов и неизвестность и стремиться вовлечь аудиторию в какой-то другой интерес.(Хорошо, это редко в рассказах и пьесах, но что-то вроде основного продукта, возможно, с лирикой поэзия, как и с высоким дидактическим искусством, как Стих Александра Поупа Очерк о человеке или Проповедь Джонатана Уильяма «Грешники в Руки разгневанного бога »). чашки тройника содержат лимон вместо сахара или кремовый цвет.
    • Подробнее о различиях между драматической ситуацией и драматической вопрос, иди сюда.

Обратите внимание, что в рассматриваемой нами пьесе Glaspell's Trifles , есть несколько конфликтов воли - и / или воля и импульс, воля и учреждение - то есть важно в более широкой ситуации, которую игра приносит нам внимание.

  1. Мы приходим к общему конфликту между Минни и Джоном (его подавление потребность в общении через его собственное непередаваемость, его разочарование любым побуждением к ней часть, чтобы посетить соседей или даже поучаствовать в церковные дела, его отказ принести телефон в дом), кульминацией которого стал конфликт на решающий вечер: муж в ярости пение канарейки, которое всегда раздражало его, ломая шею перед женой, ее бороться (в конечном итоге безуспешно), чтобы получить контроль своих чувств (обращаясь к шитью), и, наконец, ее сомнамбулизм задушил спящего мужа в кровать.
  2. Конфликт, который развивается в ход самой пьесы (т.е. представленной перед нашим глаза, в настоящем) между двумя женами на одной рука и люди люди с другой. Мужчины неоднократно относиться к женщинам снисходительно образом, преуменьшая их озабоченность - и женщины работают в вообще - по мелочам (по сравнению с важные дела жизни, с которыми это дело мужчин, которых следует беспокоить).Женщины регистрируют это отношение с самого начала, и все чаще проявляют признаки их негодование по этому поводу. (Их негодование вызвано конечно, один из главных факторов мотивации их решение, в кульминации пьесы, сохранить то, что у них есть узнал от мужчин, не только чтобы защитить Минни от то, что они считают искаженной системой правосудия, но как месть против общего мужского обращения к женщинам что они сами, вместе с Минни, были подвергается).
  3. Конфликт возникает из время от времени между самими двумя женщинами, прежде чем они приходят к их молчаливому соглашению не знать что они нашли у мужчин.
  4. Конфликт внутри каждого из женщины, и особенно внутри миссис Питерс, которая "замужем за законом" (шериф графства), поскольку к тому, будет ли она сговориться с другим, чтобы "воспрепятствовать правосудию" (уголовное преступление само по себе) чтобы предотвратить серьезную несправедливость, поскольку она в частном порядке видит это.Мы можем думать о таком конфликте как о конфликт воли главного героя (ов): волю поступать правильно, как нас учили, и воля поступать правильно, как это было видно.


Не все конфликты, которые мы суммировали выше, составляют драматический ситуация, как этот термин используется в точном языке.

  • Термин драматическая ситуация обычно не используется для обозначения любой ситуации характеризуется конфликтом, который повествование или драматическое произведение стремится нас заинтересовать.это используется, скорее, чтобы указать на конфликт, что действие пьеса или история стремится вовлечь нас в презентацию из. Драматическая ситуация (в этом особом техническом смысл термина) будет частью действия, которое сюжет или спектакль как «настоящее». В Мелочи , конфликт между Минни и Джоном Райт закончил и покончил с этим еще до начала пьесы, и чья история раскрыта в ходе разворачивая действие, которое спектакль представляет для нашего немедленный осмотр.

Возникает вопрос: должна ли драматическая ситуация быть раскрытым в начале рассказа или играть? Драматическая ситуация (как на самом деле используется этот термин) конфликтная ситуация, с которой начинается рассказ или пьеса ?

  • Кто-то мог использовать этот термин именно так. Если мы должны были сделать это, однако фразы "начальные драматическая ситуация »и« открытие драматического ситуация "будет содержать избыточность, и говорить "драматической ситуации после такого-то поворота событий в рассказе "означало бы произнести противоречие.Но наложение этих ограничений на мы сами не служили бы никакой полезной цели. На напротив, мы хотели бы различать между конфликтными ситуациями ранее в некоторых непрерывных история (фактическая или вымышленная) и конфликтные ситуации в которую они позже эволюционируют. Если мы ограничимся от использования термина «драматическая ситуация» для их обозначения, мы должны были бы изобрести какой-нибудь другой термин для этого (а затем приходится мириться с тем, что само по себе фраза "драматическая ситуация" вводит в заблуждение, кажется, делает именно это!) Поскольку термин «драматическая ситуация» предлагает для этого вполне удобно, критерий раскрытия с самого начала не закончилось как внутреннее по отношению к понятию, которое оно стало обозначать.
  • Отметив все это, мы хотели бы подчеркнуть что опытный читатель будет бдительным с самого начала до любые подсказки, которые могут помочь прояснить, что считается ситуация, которую рассказ или пьеса представляет для наших участие в. Этому читателю также будет интересно в любых конфликтных ситуациях до первичный действие, на которое история обращает наше внимание в курс развития любых драматических ситуаций подарки.Дело в том, что у нас нет специального срока для упоминание о них не означает, что они не стоят активно учитываю!



Есть ли конфликт, который ставится перед нами в настоящем действии пьеса или история должны быть решены, чтобы считаться инстанцией или часть его драматической ситуации?

Нет смысла ограничивать концепция таким образом. Цель понятия в первую очередь заключается в том, чтобы сосредоточить наше внимание на определенном виде источника творческое участие публики в представленных действиях рассказы и драмы.В Мелочи , конфликт между женщинами и мужчинами не лишается права быть упоминается как одна из драматических ситуаций пьесы (или часть драматической ситуации пьесы) просто потому, что она не разрешена в конец спектакля. Действительно, спектакль построен так, как надеяться на то, что останется у публики в тот факт, что более крупный конфликт между женщинами и мужчинами остается открыть, когда занавес упадет. Различные связанные проблемы с этим конфликтом, во всяком случае, даже более важны для конечная тема работы в целом, чем те, которые публика осталось поразмышлять при оценке решения женщины воздержаться что они знают.


Обе группы проблем завещаны нашим далее, самостоятельное обсуждение. (Glaspell может договорились включить обсуждение вопроса о том, их решение оправдано - например, разработкой в иначе конфликт между двумя женщинами, или добавляя сцену, в которой они пересматривают то, что у них есть сделано. Но она решила не делать этого, и в результате us отвечает за принятие решений, и желательно в наши обсуждения друг с другом.Цель таким образом, кажется, что игра должна была стимулировать обсуждение важно, чтобы аудитория не понимала, как такая обсуждение должно закончиться. Несомненно, несколько причины для этого. Спектакль был бы значительно меньше удара, если бы он был расширен таким образом: результатом было бы разбавление, а не усиление или существенное уточнение. И, учитывая культурный ситуация аудитории, которой работа была первоначально направлен, переход к следующему шагу, возможно, был просто вне вопрос в любом случае: работы достаточно, чтобы получить люди могут подыгрывать достаточно далеко, чтобы открыть вопрос о том, является ли такое препятствие отправлению правосудия (или "справедливость") в таких обстоятельствах может быть справедливо считается справедливым, но для такой аудитории сидеть и быть проинструктировал, как и почему на вопрос нужно отвечать один способ, а не другой, может быть просто слишком ожидать.Наконец, выводы, которые, по нашему мнению, позволяют для нас самих - это идеи, к которым мы с гораздо большей вероятностью будем относиться совершены, возможно, даже до точки действия, чем те, которые мы пассивно согласились под проповедью, какой бы искусной она ни была.

Но более общий вопрос о том, что могут быть условия, при которых действительно справедливое перемирие может между мужчинами и женщинами могло быть устроено еще больше важно для сердца Гласпелл. А это не то, что можно решить в одной авторской пьесе.Любой решение, привязанное к ситуации в игре, обязательно поразить аудиторию как "фальшивую", потому что это кажутся надуманными. каким бы звуковым оно ни было на самом деле. (Даже если бы он был поднят на сцене лишь гипотетически, он может показаться "нереальным под обстоятельства "и, следовательно, как" холостые спекуляции. "Как сами обстоятельства пришлось бы поменять - что бы все это бы влекут за собой! - должны быть переданы по наследству обществу в целом, или первоначально различными подгруппами внутри него, желающими экспериментировать с конкретными альтернативами для организации властные отношения между людьми.Разрешение это конфликт - самый глубокий из тех, которые пьеса хочет вызвать у публики рефлексивно и эмоционально заниматься - должен быть оставленным публике.

Вот почему у нас разные цели. с нашими собственными мотивами при формулировании концепции драматического ситуация в первую очередь, если бы мы решили настоять по определению, исключающему конфликтные ситуации, рассказ или разыгрывайте рейзы, которые не решаются в ходе действие.

Вопросы, которые нужно задать, когда мы настраиваемся на драматическая ситуация скорее:

(1)

это решено?

(2) Как именно так и возникло, и развиваться (или не развиваться) как это было? Какие решающие причинные факторы и условия, влияющие на его работу вне, и в достижении этого конкретного разрешения, или этого тупик?

(3) Какие возможные тематические цели могут обслуживать представляя нашему вниманию драматическую ситуацию, которая меняется или не меняется именно так?



Последний вопрос может быть задан перед тем, как мы оставим это тема.Стоит ли говорить о мелочах , что он нам преподносит с три различных драматических ситуации ? Или должен мы говорим, что все это вместе составляет драматический ситуации, но эта драматическая ситуация сложна ("имеет несколько различных аспектов »)?

Отражение покажет, что не имеет большого значения, какой из эти два обычаев мы принимаем. Но есть некоторые важные предостережения. чтобы. Мы хотим избежать путаницы. И когда мы вызываем концепцию, мы хотим помнить о том, что делаем. не делайте это только для того, чтобы что-то этим сказать, а чтобы дальше конец.Мы хотим использовать эту концепцию, чтобы помочь нам заметить на что нужно обратить внимание, а не на то, чтобы обращать наше внимание на тупик.

  • Какую из этих двух альтернативных концепций мы решаем использования, мы должны придерживаться его на протяжении всей конкретной анализ, в котором мы вызываем его, а не переключаем непреднамеренно другому в ходе нашего обсуждение. (Мы можем принять другого в некоторых отдельное обсуждение - отдельное эссе, для пример.Но в рамках данного обсуждения мы должны идти в ту или иную сторону.)
  • Если мы решим сказать о Мелочах , что он нам преподносит с тремя отчетливыми драматическими ситуациями, то мы не хочу просто оставить все как есть. Нам нужно спросить, что между ними могут быть существенные связи, в сроки сюжета (условие и причинно-следственная связь в рамках действия) а тема?
  • Если мы решим описать спектакль как сингл, сложная драматическая ситуация, мы не должны забывать исследовать это сложность.Какие связи между различные аспекты этой общей ситуации ( различимые составные конфликты внутри него)? (И мы должны быть внимательны к связям на уровне и сюжет, и тема.)

Вернуться к списку ключевых критических Концепции.

Вернуться на домашнюю страницу для: English 251 / Английский 233 / Английский 320.


Предложения, комментарии и вопросы приветствуются. Пожалуйста отправьте их на номер lyman @ ksu.edu .

Авторские права на содержание 2000 г. Автор: Лайман А. Бейкер.

Разрешено некоммерческое образовательное использовать; все остальные права защищены.

Эта страница последний раз обновлялась (Январь /), (.

.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *