Вильям Адольф Бугро — 390 произведений
Вилья́м Адольф Бугро́ (фр. William-Adolphe Bouguereau [buɡ(ə)ʁo]; 30 ноября 1825 года, Ла-Рошель — 19 августа 1905 года, там же) — французский живописец, видный представитель салонного академизма XIX века. Его творчество может характеризоваться как «квинтэссенция живописи своего поколения». В каталогах учтены 828 картин Бугро, преимущественно на мифологические, аллегорические и библейские сюжеты. Исследователи причисляют его творчество к так называемому «романтическому реализму», поскольку он, следуя приёмам романтизма, предпочитал писать с натуры и воспроизводил внешность своих моделей с фотографической точностью. Несмотря на верность академическим принципам, в частности, — примату рисунка над цветом, — в 1890-е годы испытывал влияние символизма, который истолковывал как метод раскрытия сущности изображаемого человека при помощи второстепенных деталей, несущих смысловую нагрузку.
С 1876 года — действительный член Академии изящных искусств, профессор Высшей школы изящных искусств (1888) и Академии Жюлиана (1875).
Вильям Адольф Бугро был вторым из восьми детей Теодора Бугро и его супруги Марии Маргариты Аделины Бонин. Глава семейства был мелким предпринимателем и управлял винным складом. Согласно традиции, Вильяма крестили в кальвинистской церкви, но пяти лет от роду был обращён в католическую веру по настоянию дяди-священника Эжена.
Когда Вильяму исполнилось 17 лет, его отец поправил благосостояние на торговле оливковым маслом и вызвал сына к себе в Бордо, чтобы он приучался вести дела. Однако сын хотел стать художником, и несмотря на враждебное отношение отца, его клиенты убедили отдать Вильяма в Школу изящных искусств Бордо[fr], при условии, что это не помешает ему учиться торговле. В результате Вильям Бугро ходил на занятия рано утром и по вечерам, а днём работал в лавке.
В 1844 году он получил первый приз за историческую картину; конкурентами были ученики Школы изящных искусств, которые посещали занятия по полной программе. Успех сильно ухудшил отношения отца и сына: Вильям мечтал переехать учиться в Париж, но не было денег. Дядя Эжен смог найти для Вильяма клиентов, которым он писал портреты за небольшую плату; за три месяца Бугро-младший создал 33 портрета и заработал 900 франков. По некоторым сведениям, Вильям Бугро разрабатывал для торговцев этикетки для банок варений и т. п.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
ещё …
Поль Эмиль Шабас — 17 произведений
Поль Эми́ль Шаба́с, иногда на русском Поль Шаба (фр. Paul Émile Chabas ; 7 марта 1869, Нант — 10 мая 1937, Париж) — французский художник, иллюстратор и член Академии изящных искусств Франции.
Родился в Нанте и обучался изобразительному искусству под руководством Адольфа-Вильяма Бугро и Тони Робер-Флёри.
Первая его выставка состоялась в Парижском салоне в 1890 году. Он был награждён золотой медалью на Всемирной выставке 1900 года и в 1912 году получил почётную медаль.
Марина Цветаева посвятила другой картине Поля — «В сумерках» (фр. Au Crépuscule) стих-экфрасис, который также называется «В сумерках»:
М. И. Цветаева. «В сумерках»:
Известен вариант этой картины, известный под названием Купальщица (фр.
La Baigneuse).
В 1890-х годах Поль Шабас занимался иллюстрацией книг таких авторов, как Поль Бурже и Альфред де Мюссе. Он становится членом Французской академии изящных искусств в 1921 году и получает Орден Почётного легиона в 1928 году. С 1925 по 1935 годы он был президентом Общества французских художников. Издал французский перевод Агни-Йога (фр. Éthique de Vie).
Умер в Париже 10 мая 1937 года.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
ещё …
Художники по направлению: Академизм — WikiArt.org
направление
Академи́зм (фр.
Академизм помогал компоновке объектов в художественном образовании, воплощал в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. «Салонные» художники, насаждали в искусстве пышность, эротику, эклетику, поверхностную развлекательность и внешнюю виртуозность.
Словом «академизм» часто определяют два различных художественных явления- академический классицизм конца XVIII — начала ХIХ века и академизм середины-второй половины ХIХ века.
К представителям академизма относят Жана Энгра, Александра Кабанеля, Уильяма Бугро, Шарля Барга во Франции, Луиджи Муссини в Италии, Фёдора Бруни, Александра Иванова, Карла Брюллова в России.
Для русского академизма первой половины XIX века характерны возвышенная тематика, высокий метафорический стиль, многоплановость, многофигурность и помпезность.
Были популярны библейские сюжеты, салонные пейзажи и парадные портреты. При сюжетной ограниченности тематики картин работы академистов отличались высоким техническим мастерством.
Карл Брюллов, соблюдая академические каноны в композиции и технике живописи, расширил сюжетные вариации своего творчества за пределы канонического академизма. В ходе своего развития во второй половине XIX века российская академическая живопись включила в себя элементы романтической и реалистической традиций. Академизм как метод присутствует в творчестве большинства членов товарищества «передвижников». В дальнейшем для российской академической живописи стали характерны историзм, традиционализм и элементы реализма.
Понятие академизма в настоящее время получило дополнительное значение и стало использоваться для описания работ художников, имеющих систематическое образование в области визуальных искусств и классические навыки создания произведений высокого технического уровня. Термин «академизм» сейчас часто относится к описанию построения композиции и техники исполнения, а не к сюжету художественного произведения.
В последние годы в западной Европе, США и России возрос интерес к академической живописи XIX века и к её развитию в XX веке. Современные интерпретации академизма присутствуют в творчестве таких российских художников, как Илья Глазунов, Александр Шилов, Николай Анохин, Сергей Смирнов, Илья Каверзнев и Николай Третьяков.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/АкадемизмХудожники по направлению: Неоклассицизм — WikiArt.org
направление
Неоклассици́зм — термин, применяемый в российском искусствоведении для обозначения художественных явлений последней трети XIX и XX века, которым присуще обращение к традициям искусства античности, искусства эпохи Возрождения или классицизма (в музыке — также и эпохи барокко).
Путаница возникла из-за того, что во Франции классицизмом называют стиль XVII века, стиль Людовика XIV (Louis XIV). Под неоклассицизмом же понимают стиль второй половины XVIII века, стиль Людовика XVI (Louis XVI) — то, что в России (как и в Германии) традиционно называют классицизмом (период 1762—1840). Неоклассицизмом же в России и Германии называют ретроспективный стиль начала XX века, «отличавшийся от „старого доброго“ русского классицизма и материалами (не белые оштукатуренные колонны, а естественный камень), и подчёркнуто выразительной прорисовкой классических форм и деталей, а иногда сокращением деталей и смешением классических и ренессансных мотивов».
Аналоги неоклассицизма в зарубежной практике — американский ренессанс и колониальное возрождение в США (1876—1914).
В конце XIX века сформировался новый архитектурный стиль, в России называемый «модерн». Но он не смог утолить назревшую потребность в большом монументальном стиле. Неоклассицизм появился в начале века как антитеза декоративной избыточности модерна. Опора на классику, ордерную систему, соблюдение классических пропорций. Стремление к уюту, гармонии. Характерные украшения: листья, раковины, архитектурные фронтоны, античные фигуры. Мебель лёгкая, изящная, прямые линии.
Параллельно с новаторскими тенденциями в архитектуре начала ХХ в. набирали силу ретроспективные течения. Жажда новизны быстро сменилась грезами о прошлом. «Открытие» заново ценностей классицистического зодчества ускорило разочарование в архитектурных новациях и закат «мимолетного» стиля. Неоклассицизм и «неорусский стиль» сначала повлияли на лексикон модерна, а после 1910 г. оттеснили его на дальний план.
Еще в начале 1900-х гг. художник и критик Александр Бенуа одним из первых заговорил о неповторимой красоте старого Петербурга.
Его статьи словно открыли глаза современникам, сумевшим по достоинству оценить преданное было забвению классицистическое наследие. С этого момента и начал своё восхождение неоклассицизм.
Это движение охватывало обе российские столицы, а потом и провинцию. Естественно, неоклассицизм имел близкие параллели в европейской архитектуре того времени. И всё же это явление было специфически петербургским. Сторонники его исходили из собственных традиций, апеллируя к «золотому веку» зодчества невской столицы. В отличие от модерна и большинства неостилей XIX в., это было возвращение к своим корням. Поэтому неоклассицизм правомочно назвать петербургским возрождением, олицетворявшим историческую причастность города к общеевропейской классической культуре.
Ретроспективное направление опиралось прежде всего на русский классицизм и ампир, отчасти — барокко. Изначально оно ориентировалось на конкретный контекст классицистических ансамблей (постройки В. Ф. Свиньина и Е. С. Воротилова).
Юбилейные торжества к 200-летию Петербурга пробудили общий интерес к его ранней истории и содействовали появлению необарочного течения (А. И. Дмитриев, Л. А. Ильин, Н. Е. Лансере). Лидером неоклассицизма выдвинулся И. А. Фомин — страстный приверженец русского зодчества конца XVIII — начала XIX в. Затем сторонники традиционалистского пути стали всё чаще обращаться к первоисточникам русского классицизма — итальянскому ренессансу и в особенности — палладианству. Ведущими представителями неоренессансного направления выступали В. А. Щуко, А. Е. Белогруд, М. М. Перетяткович, М. С. Лялевич.
В идеале ретроспективисты стремились к полной реконструкции исторического стиля, даже к иллюзии старины. На практике мотивы ретростилей, как правило, наслаивались на современные функционально-планировочные структуры и приобретали явный оттенок модернизации. Одними из первых на путь модернизованной неоклассики вступили Ф. И. Лидваль и Р. Ф. Мельцер. Новаторским примером трансформации и упрощения классицистических форм предстало Германское посольство немецкого архитектора Петера Беренса.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/НеоклассицизмХудожники по направлению: Реализм — WikiArt.org
направление
Реали́зм — (от позднелат. reālis «действительный») — направление в искусстве, ставящее целью правдивое воспроизведение действительности в её типичных чертах.
Под реализмом в узком смысле понимают позитивизм как направление в изобразительном искусстве 2-й половины XIX века. Термин «реализм» впервые употребил французский литературный критик Ж. Шанфлёри в 50-х годах XIX века для обозначения искусства, противостоящего романтизму и академизму. Господство реализма следовало за эпохой Романтизма и предшествовало Символизму.
Появление реализма в живописи обычно связывают с творчеством французского художника Гюстава Курбе (1819—1877), открывшего в 1855 году в Париже свою персональную выставку «Павильон реализма», хотя ещё до него в реалистической манере работали художники барбизонской школы (Теодор Руссо, Жан-Франсуа Милле, Жюль Бретон). В 1870-е годы реализм разделился на два основных направления — натурализм и импрессионизм.
В любом литературном произведении различают два основных элемента: объективный — воспроизведение явлений, данных помимо художника, и субъективный — нечто, вложенное в произведение художником от себя.
Отсюда возникают два литературных направления. Это реализм, ставящий задачу максимально объективного воспроизведения действительности, и идеализм, видящий предназначение в дополнении действительности и создании новых форм. В российской публицистике и литературной критике указанный смысл термина «реализм» впервые определил Дмитрий Писарев. До этого момента термин «реализм» употреблялся Герценом лишь в философском значении, в качестве синонима понятия «материализм» (1846).
Реализм в театре, как реалистическая драма, представляет собой промежуточный жанр, граничащий и с трагедией и с комедией, в котором конфликт обычно не доводится до трагического конца. Его существенной чертой является острая актуальность, интерес к современности и злободневности. Стремление к точности изображения является настолько определяющим для реалистов, что даже при обращении к прошлому, они остаются столь же щепетильными к фактам, как при изображении типов и событий современной им жизни.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA.
Полный текст статьи здесь →
Вильям-Адольф Бугеро (William-Adolphe Bouguereau) 1825-1905.
Вильям-Адольф Бугеро (William-Adolphe Bouguereau), французский живописец, крупнейший представитель салонной академической живописи.
В наше время интерес к забытому художнику растёт. Главная ретроспективная выставка его работ открылась в Париже в 1984 году, затем была показана в Монреале, Хартфорде и Нью-Йорке.
William-Bouguereau
Этот французский живописец считается крупнейшим представителем салонного академизма. Тщательность экспозиций на библейские, аллегорические, мифологические и исторические сюжеты необыкновенно точна. Кропотливо выписаны мельчайшие детали и учтены все нюансы. За свою жизнь Уильям Бугро создал более 800 великих живописных картин и внёс богатейший вклад в создание и развитие такого жанра в искусстве, как академическая живопись.
Adolphe William Bouguereau: Автопортрет
Адольф-Уильям Бугро (Бугеро) увидел свет в ноябре 1825 года в обычной семье торговцев оливками и вином, во французском местечке Ла-Рошель. Казалось, что ему предначертано судьбой продолжать славные традиции семейного дела. Но благодаря родственнику – священнику дяде Эжену, у мальчика появилась возможность обучаться. В средней школе талант будущего гениального художника быстро заметили. Дальнейшее обучение Уильям продолжил в Бордо, в Королевской школе искусств. Чтобы оплачивать учёбу, он подрабатывал бухгалтером у местного винодела, рисовал ярлыки и этикетки для бакалейщика.
Adolphe William Bouguereau: Temptation (1880) Minneapolis Institute of Arts
Искушение
После окончания обучения Бугро некоторое время создавал портреты и расписывал фрески, стены в домах богатых буржуа. Накопив необходимый начальный капитал, Уильям смог полностью посвятить себя любимому делу – классической живописи. Карьера художника складывалась успешно и очень удачно.
Он пользовался снисходительностью критиков и уважением среди ценителей искусства. Ежегодные парижские салоны более пятидесяти лет выставляли его картины. Два раза (в 1885 и 1878 годах) художник был удостоен звания лучшего живописца года Франции.
Adolphe William Bouguereau: Адольф-Уильям Бугро — Книга сказок [The Story Book] 1877, LACMA, Лос-Анджелес
Adolphe William Bouguereau: The Penitent
Адольф Вильям Бугро: Кающаяся
Adolphe William Bouguereau: Портрет Мадам Орли-Рейдер [Portrait of Madame Olry-Roederer] 1900
Adolphe William Bouguereau: Адольф-Уильям Бугро — Портрет графини Камбасерес [Madame la Comtesse de Cambaceres] 1895. 121 х 90 см. Музей искусств, Сиэтл
Adolphe William Bouguereau: Адольф-Уильям Бугро — Фата [the Veil] 1898. 114 x 80 см. Частная коллекция
Adolphe William Bouguereau: Адольф Уильям Бугро — Трудный урок (1884) 98 х 66 см, частная коллекция
Adolphe William Bouguereau: Буря [Lorage] 1874, 91 х 50 см, Частная коллекция
Adolphe William Bouguereau: The Shepherdess 1873
Адольф Вильям Бугро: Пастушка 1873
Adolphe William Bouguereau: Unknown1
Adolphe William Bouguereau: Calinerie
Adolphe William Bouguereau: La Petite Ophelie
Adolphe William Bouguereau: Le repos
Adolphe William Bouguereau: The Nut Gatherers (1882)
Adolphe William Bouguereau: Gabrielle Cot 1890
Adolphe William Bouguereau: Маленькая ученица [Jeune Ecoliere] 1868
Перед началом работы над очередным шедевром, Бугро тщательно и полностью изучал историю предмета, делал многочисленные эскизы.
И только потом принимался за создание полотна. Его картины, особенно на мифологические сюжеты, пользовались большой популярностью во Франции XIX века. Величайший мастер живописи Уильям Бугро помимо таланта, обладал еще добротой и состраданием. Он охотно занимался благотворительностью, был спонсором для многих начинающих талантливых художников. Среди его воспитанников такие прославленные, известные мастера, как Гюстав Жаке, Анри Матисс, Поль Шабас, Отон Фриз, Пьер Кот и многие другие.
Adolphe William Bouguereau: WilliamBouguereau FemmeAuCoquillage 1885Large
Adolphe William Bouguereau: Evening Mood Вечернее настроение(1882) National Museum of Art, Havana, Cuba
Adolphe William Bouguereau: Адольф Уильям Бугро — Амур и Психея 1899
Adolphe William Bouguereau: Вильям Бугро — Ореады [Les Oreades] 1902
Adolphe William Bouguereau: Nymphs and Saytr нимфы и Сатир (1873) Sterling and Francine Clark Art Institute, Williamstown
Dante et Virgile au Enfers
Данте и Вергилий в аду 1850
Adolphe William Bouguereau: Apres le bain
Adolphe William Bouguereau: Адольф Уильям Бугро — Девушка и Купидон (1880) Музей искусств Роли, Северная Калифорния
Adolphe William Bouguereau: Адольф Уильям Бугро — Рождение Венеры (1879) 300 х 218 см, Музей д’Орсэ, Париж
Adolphe William Bouguereau: Le Baiser 1863
Адольф Вильям Бугро: Поцелуй 1863
Adolphe William Bouguereau: Первые разногласия (Каин и Авель) [La Première Discorde (Cain and Abel)] 1861
Adolphe William Bouguereau: Baigneuse 1870
Adolphe William Bouguereau: La vague
Adolphe William Bouguereau: Laurore
Adolphe William Bouguereau: Glaneuse 1894
Adolphe William Bouguereau: Адольф-Уильям Бугро — Купальщица.
1864. 166 х 103 см. Музей искусств, Гент
Adolphe William Bouguereau: bouguereau19
Adolphe William Bouguereau: Biblis-hi
Adolphe William Bouguereau: Bacchante 1862
Adolphe William Bouguereau: Адольф Уильям Бугро — Флора и Зефир (1875) Музей искусств Мюлуза, Франция
Adolphe William Bouguereau: Адольф Уильям Бугро — Сидящая купальщица (1884) 116 х 89 см, Музей искусств Кларк Вильямстаун, Массачуссетс
Adolphe William Bouguereau: La jeunesse de Bacchus right dt
Adolphe William Bouguereau: The Flagellation of Christ Бичевание Иисуса Хритста(1880) Cathedral of de La Rocheelle
Adolphe William Bouguereau: Regina Angelorum
Adolphe William Bouguereau: Vendangeuse
Adolphe William Bouguereau: CU204-PRising-Bouguereau
Adolphe William Bouguereau: Дева и ангелы, играющие музыку [The Virgin with Angels playing music] (1881, Museum at Forest Lawn Memorial-Park, Glendale)
Adolphe William Bouguereau: Бугеро Адольф Вильям.
The Nymphaeum (1878) The Haggin Museum, Stockton, California
Adolphe William Bouguereau: Эсмеральда [Little Esmeralda]
Adolphe William Bouguereau: La jeunesse de Bacchus
Adolphe William Bouguereau: Пьета [Pieta] 1876
Adolphe William Bouguereau: Адольф-Уильям Бугро — Гомер с проводником [Homere et son guide] 1874. 209 х 143 см. Музей искусств, Милуоки
Adolphe William Bouguereau: Ladmiration
Adolphe William Bouguereau: Compassion
Адольф Вильям Бугро: Сострадание
Adolphe William Bouguereau: The Pastoral Recreation 1868
Адольф Вильям Бугро: Пастырское Отдых 1868
Adolphe William Bouguereau: The Return from the Harvest
Adolphe William Bouguereau: Unknown
Adolphe William Bouguereau: Indigent Family
Adolphe William Bouguereau: Bouguereau Le retour du marche
Adolphe William Bouguereau: Jeune bergere 1868
Adolphe William Bouguereau: La soeur ainee
Adolphe William Bouguereau: Unknown2
Adolphe William Bouguereau: Bouguereau William Autoportrait presente a M.
Sage 1886
В конце XIX века интерес к его картинам заметно утих. Наступил период забвения, связанного с тем, что Бугро резко отрицал импрессионизм, считая такие произведения «незаконченными эскизами». Этот жанр как раз входил в моду в это время. Умер великий художник в 1905 году 19 августа в родном городке Ла Рошель и похоронен на известном французском кладбище Монпарнаc.
Bouguereau-in-his-studio
http://en.gallerix.ru/storeroom/73167723/
http://www.artfrance.ru/art/b/bygero/main.htm
Бугро, Адольф Уильям. Картины Бугро (Бугеро), полная коллекция в высоком качестве
Адольф-Уильям Бугро
Адольф-Уильям Бугро (Бугеро) увидел свет в ноябре 1825 года в обычной семье торговцев оливками и вином, во французском местечке Ла-Рошель. Казалось, что ему предначертано судьбой продолжать славные традиции семейного дела. Но благодаря родственнику – священнику дяде Эжену, у мальчика появилась возможность обучаться.
В средней школе талант будущего гениального художника быстро заметили.
Дальнейшее обучение Уильям продолжил в Бордо, в Королевской школе искусств. Чтобы оплачивать учёбу, он подрабатывал бухгалтером у местного винодела, рисовал ярлыки и этикетки для бакалейщика.
После окончания обучения Бугро некоторое время создавал портреты и расписывал фрески, стены в домах богатых буржуа. Накопив необходимый начальный капитал, Уильям смог полностью посвятить себя любимому делу – классической живописи. Карьера художника складывалась успешно и очень удачно. Он пользовался снисходительностью критиков и уважением среди ценителей искусства. Ежегодные парижские салоны более пятидесяти лет выставляли его картины. Два раза (в 1885 и 1878 годах) художник был удостоен звания лучшего живописца года Франции.
Перед началом работы над очередным шедевром, Бугро тщательно и полностью изучал историю предмета, делал многочисленные эскизы. И только потом принимался за создание полотна. Его картины, особенно на мифологические сюжеты, пользовались большой популярностью во Франции XIX века.
Величайший мастер живописи Уильям Бугро помимо таланта, обладал еще добротой и состраданием. Он охотно занимался благотворительностью, был спонсором для многих начинающих талантливых художников. Среди его воспитанников такие прославленные, известные мастера, как Гюстав Жаке, Анри Матисс, Поль Шабас, Отон Фриз, Пьер Кот и многие другие.
В конце XIX века интерес к его картинам заметно утих. Наступил период забвения, связанного с тем, что Бугро резко отрицал импрессионизм, считая такие произведения «незаконченными эскизами». Этот жанр как раз входил в моду в это время. Умер великий художник в 1905 году 19 августа в родном городке Ла Рошель и похоронен на известном французском кладбище Монпарнас.
В наше время интерес к забытому художнику растёт. Этот французский живописец считается крупнейшим представителем салонного академизма. Тщательность экспозиций на библейские, аллегорические, мифологические и исторические сюжеты необыкновенно точна. Кропотливо выписаны мельчайшие детали и учтены все нюансы.
За свою жизнь Уильям Бугро создал более 800 великих живописных картин и внёс богатейший вклад в создание и развитие такого жанра в искусстве, как академическая живопись.
Вильям-Адольф Бугро Биография | Жизнь, Живопись, Влияние на искусство
Жизнь и карьера
Вильям-Адольф Бугро родился в Ла-Рошели, Франция, 30 ноября 1825 года в семье торговцев вином и оливковым маслом. Казалось, ему суждено было присоединиться к семейному бизнесу, если бы не вмешательство его дяди Юджина, священника, который преподавал ему классические и библейские предметы и организовал для Бугро обучение в средней школе. Бугро рано проявил художественный талант, и его отец был убежден клиентом отправить его в Ecole des Beaux-Arts в Бордо, где он получил первый приз в фигурной живописи за изображение Сен-Роха.Чтобы подзаработать, он разработал этикетки для джемов и консервов.
Через своего дядю Бугро получил заказ нарисовать портреты прихожан, и когда его тетя набрала столько, сколько он заработал, Бугро уехал в Париж и стал студентом Ecole des Beaux-Arts.
Чтобы дополнить свое формальное обучение рисованию, он посещал анатомические вскрытия и изучал исторические костюмы и археологию. Его приняли в мастерскую Франсуа-Эдуара Пико, где он изучал живопись в академическом стиле.Академическая живопись придавала высший статус историческим и мифологическим сюжетам, и Бугро получил желанную Римскую премию в 1850 году за свою «Зенобию, найденную пастухами на берегу Аракса». Его наградой было пребывание на вилле Медичи в Риме, Италия, где, помимо формальных уроков, он смог лично изучить художников эпохи Возрождения и их шедевры.
Бугро, полностью соответствующий традиционному академическому стилю, выставлялся на ежегодных выставках Парижского салона на протяжении всей своей трудовой жизни.
Один из первых рецензентов заявил: «Г-н Бугро обладает природным чутьем и знанием контуров. Его занимает эвритмия человеческого тела, и, вспоминая те счастливые результаты, которые достигли в этом жанре древние и художники шестнадцатого века, Можно только поздравить М.
Бугро с попыткой пойти по их стопам. Рафаэль был вдохновлен древними, и никто не обвинял его в том, что он не оригинален ».
Рафаэль был фаворитом Бугро и воспринял этот отзыв как высокий комплимент.Он выполнил одно из требований Римской премии, выполнив копию старого мастера Рафаэля «Триумф Галатеи». Во многих своих работах он придерживался того же классического подхода к композиции, форме и предмету.
В 1856 году он женился на Мари-Нелли Моншаблон и впоследствии имел пятерых детей. К концу 1850-х годов он установил прочные связи с арт-дилерами, в частности с Полем Дюран-Рюэлем (впоследствии поборником импрессионистов), который помогал клиентам покупать картины художников, выставлявшихся в Салонах.Салоны ежегодно собирали более 300 000 человек, обеспечивая ценную экспозицию для выставляемых художников. Слава Бугро распространилась на Англию к 1860-м годам, а затем он купил большой дом и студию на Монпарнасе на свой растущий доход.
Бугро был стойким традиционалистом, чьи реалистические жанровые картины и мифологические сюжеты были современной интерпретацией классических сюжетов — как языческих, так и христианских — с упором на женское человеческое тело.
Хотя он создал идеализированный мир, его почти фотореалистичный стиль воплощал в жизнь его богинь, нимф, купальщиц, пастушек и мадонн, что было очень привлекательно для богатых меценатов его времени.Некоторые критики, однако, предпочли правдивость более правдоподобного изображения трудолюбивых фермеров и рабочих Жан-Франсуа Милле.
Бугро использовал традиционные методы обработки картины, включая подробные карандашные этюды и масляные наброски, и его тщательный метод привел к приятной и точной передаче человеческой формы. Особенно восхищались его изображения кожи, рук и ног. Он также использовал некоторые религиозные и эротические символы старых мастеров, такие как «разбитый кувшин», который означал потерянную невинность.
Одной из наград за соблюдение академического стиля и успехов в салонах было получение заказов на украшение частных домов, общественных зданий и церквей. Как было типично для этих заказов, иногда Бугро рисовал в своем собственном стиле, а иногда ему приходилось соответствовать существующему групповому стилю.
Вначале Бугро получил заказ на всех трех площадках, что значительно повысило его престиж и известность. Он также сократил свои публичные картины для продажи покровителям, примером которых является Благовещение (1888 г.).Он также был успешным художником-портретистом, хотя многие из его картин богатых покровителей до сих пор остаются в частных руках.
Бугро постоянно получал почести Академии, став пожизненным членом в 1876 году и командующим Почетным легионом и Большой медалью почета в 1885 году. В 1875 году он начал преподавать рисование в Академии Жюлиана, независимом художественном учреждении с совместным обучением. Ecole des Beaux-Arts, без вступительных экзаменов и за символическую плату.
В 1877 году умерли его жена и маленький сын.В довольно преклонном возрасте Бугро женился во второй раз в 1896 году на коллеге-художнице Элизабет Джейн Гарднер Бугро, одной из его учениц. Он также использовал свое влияние, чтобы впервые открыть для женщин многие французские художественные учреждения, в том числе Академию франсез.
Ближе к концу своей жизни он описал свою любовь к своему искусству: «Каждый день я хожу в свою мастерскую, полный радости; вечером, когда я вынужден остановиться из-за темноты, я с трудом могу дождаться следующего утра, если я не могу отдайся моей дорогой картине, я несчастен ».Он написал восемьсот двадцать шесть картин.
Бугро умер в Ла-Рошели в возрасте 80 лет от сердечного приступа.
Вильям-Адольф Бугро — 390 произведений
Вильям-Адольф Бугро (французское произношение: [wijam.adɔlf buɡ (ə) ʁo]; 30 ноября 1825 — 19 августа 1905) был французским академическим художником. В своих реалистических жанровых картинах он использовал мифологические темы, создавая современные интерпретации классических сюжетов, с акцентом на женское человеческое тело.В течение своей жизни он пользовался значительной популярностью во Франции и Соединенных Штатах, был удостоен множества официальных наград и получил высокие цены за свои работы..jpg)
Как типичный салонный художник своего поколения, он подвергся критике со стороны импрессионистов-авангардистов. К началу двадцатого века Бугро и его искусство потеряли популярность у публики, отчасти из-за изменения вкусов. В 1980-х годах возрождение интереса к фигурной живописи привело к повторному открытию Бугро и его работ. На протяжении своей жизни Бугро выполнил 822 известных законченных картины, хотя местонахождение многих до сих пор неизвестно.
Вильям-Адольф Бугро родился в Ла-Рошели, Франция, 30 ноября 1825 года в семье торговцев вином и оливковым маслом. Сын Теодора Бугро (род. 1800) и Мари Боннин (1804), известный как Аделина, Уильям воспитывался в католической семье. У него был старший брат Альфред и младшая сестра Мари (известная как Ханна), которые умерли, когда ей было семь лет. Семья переехала в Сен-Мартен-де-Ре в 1832 году. Другой брат родился в 1834 году, Китти. В 12 лет мальчик уехал в Мортань к своему дяде Эжену, священнику, и полюбил природу, религию и литературу.
В 1839 году его отправили изучать духовенство в католический колледж в Понсе. Здесь его научил рисовать Луи Сейдж, который учился у Энгра. Уильям неохотно бросил учебу и вернулся к своей семье, которая сейчас проживает в Бордо. Здесь мальчик познакомился с местным художником Шарлем Марионно и поступил в Муниципальную школу рисования и живописи в ноябре 1841 года. Уильям также работал продавцом, раскрашивая литографии вручную и создавая небольшие картины, которые воспроизводились с помощью хромолитографии.Вскоре он стал лучшим учеником в своем классе и решил стать художником в Париже. Чтобы профинансировать переезд, он продал портреты — 33 маслом за три месяца. Все были без подписи, и только один был отслежен. В марте 1846 года он прибыл в Париж в возрасте 20 лет.
Бугро стал студентом Школы изящных искусств. Чтобы дополнить свое формальное обучение рисованию, он посещал анатомические вскрытия и изучал исторические костюмы и археологию. Его приняли в мастерскую Франсуа-Эдуара Пико, где он изучал живопись в академическом стиле.
Данте и Вергилий в аду (1850 г.) был одним из первых его великих произведений в неоклассическом стиле. Академическая живопись придавала высший статус историческим и мифологическим сюжетам, и Бугро получил желанную Римскую премию в возрасте 26 лет в 1850 году за свою «Зенобию, найденную пастухами на берегах Аракса». Его наградой было трехлетнее проживание на вилле Медичи в Риме, Италия, где, помимо формальных уроков, он смог лично изучить художников эпохи Возрождения и их шедевры, а также греческие, этрусские и римские древности.Он также изучал классическую литературу, что повлияло на его выбор предмета на всю оставшуюся карьеру.
Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →
Подробнее …
Художников по направлению: Academic Art
Художественное движение
Академическое искусство или академизм — это стиль живописи и скульптуры, созданный под влиянием европейских академий искусств.
В частности, академическое искусство — это искусство и художники, находящиеся под влиянием стандартов Французской Академии изящных искусств, которые практиковались в рамках движений неоклассицизма и романтизма, и искусства, которое следовало за этими двумя движениями в попытке синтезировать оба их стиля. и что лучше всего отражено в картинах Вильгельма-Адольфа Бугро, Томаса Кутюра и Ганса Макарта. В этом контексте его часто называют «академизмом», «академизмом», «помпезным искусством» и «эклектизмом», а иногда связывают с «историзмом» и «синкретизмом».
Первая академия искусств была основана во Флоренции в Италии Козимо I Медичи 13 января 1563 года под влиянием архитектора Джорджо Вазари, который назвал ее Accademia e Compagnia delle Arti del Disegno (Академия и компания для Искусство рисования), поскольку он был разделен на два различных оперативных подразделения. В то время как Компания была своего рода корпорацией, к которой мог присоединиться каждый работающий художник в Тоскане, Академия включала в себя только самых выдающихся творческих личностей двора Козимо, и ее задача заключалась в надзоре за всей художественной продукцией государства Медичи.
В этом медицинском учреждении студенты изучали «arti del disgno» (термин, придуманный Вазари) и слушали лекции по анатомии и геометрии. Другая академия, Accademia di San Luca (названная в честь покровителя художников, Святого Луки), была основана примерно десятью годами позже в Риме. Accademia di San Luca выполняла образовательную функцию и больше занималась теорией искусства, чем флорентийской. В 1582 году Аннибале Карраччи без официальной поддержки открыл свою очень влиятельную Академию Дезидерози в Болонье; В некотором смысле это было больше похоже на традиционную мастерскую художника, но то, что он чувствовал необходимость обозначить ее как «академию», демонстрирует привлекательность идеи в то время.
Академия Сан-Лука позже послужила образцом для Королевской академии искусства и скульптуры, основанной во Франции в 1648 году и впоследствии ставшей Академией изящных искусств. Королевская академия искусства и скульптуры была основана с целью отличить художников, «джентльменов, практикующих свободное искусство», от мастеров, которые занимались ручным трудом.
Этот упор на интеллектуальную составляющую художественного творчества оказал значительное влияние на предметы и стили академического искусства.
После того, как в 1661 году Людовиком XIV была реорганизована Королевская академия искусства и скульптуры, целью которой было контролировать всю художественную деятельность во Франции, среди ее членов возникли разногласия, которые доминировали в художественных взглядах на оставшуюся часть века. Эта «битва стилей» была спором о том, подходящей ли моделью для подражания является Питер Пауль Рубенс или Николя Пуссен. Последователи Пуссена, которых называли «poussinistes», утверждали, что линия (конструкция) должна доминировать в искусстве из-за ее обращения к интеллекту, в то время как последователи Рубенса, называемые «рубенистами», утверждали, что цвет (цвет) должен доминировать в искусстве из-за его обращение к эмоциям.
Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.
0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →
Художников по направлению: неоклассицизм
Художественное движение
Европейцы эпохи Просвещения 18-го века хотели, чтобы их произведения искусства и архитектуры отражали и несли тот же набор стандартов, что и идеализированные произведения греков и римлян.В сочетании с захватывающими археологическими открытиями Помпеи и Геркуланума в Риме возник неоклассицизм, поскольку художники и архитекторы наполнили свои работы прошлыми греко-римскими идеалами.
Возврат к изучению естествознания, истории, математики и анатомической правильности произошел в большом количестве, заменив предшествовавшую культуру тщеславия рококо и атмосферу придворной живописи.
Неоклассицизм принял иерархию живописи, установленную Французской Королевской академией художеств в 1669 году. Историческая живопись, включающая предметы из Библии, классической мифологии и истории, была признана высшей категорией, за ней следовали портреты, жанры. живопись, пейзажи, натюрморты.Эта иерархия использовалась для оценки работ, представленных для Салона или на получение призов, таких как знаменитая Prix de Rome, и повлияла на финансовую ценность работ для меценатов и коллекционеров. Работы Николя Пуссена и Клода Лоррена почитались как идеальные образцы исторической живописи, и оба художника оказали основное влияние на неоклассицизм. Пейзажи Лоррена сочетают в себе натуралистические детали и наблюдение за светом и его эффектами с фигурами из мифологических или библейских сцен, как видно из его пейзажа «Пейзаж с Аполлоном, охраняющим стада Адмета » (1645 г.).Эффект упорядоченной гармонии был передан во многих его работах, которые апеллировали к вере неоклассицизма в то, что искусство должно выражать идеальные добродетели. Композиции Пуссена подчеркивали ясность и логику, а его образные трактовки отдавали предпочтение четким линиям. Его работа «Смерть Германика » (1627) сделала его известным в свое время и повлияла на Жака-Луи Давида, а также на Бенджамина Уэста, чья работа «Смерть генерала Вульфа » (1770) основана на работе.
Неоклассицизм был вдохновлен открытием древнегреческих и римских археологических памятников и артефактов, которые стали известны по всей Европе в популярных иллюстрированных отчетах различных туристических экспедиций.Такие ученые, как Джеймс Стюарт и Николас Реветт, прилагали систематические усилия для каталогизации и записи прошлого в таких работах, как их Древности Афин (1762). Желая увидеть эти работы воочию, молодые европейские аристократы во время Гранд-тура, традиционного образовательного обряда посвящения, отправились в Италию «в поисках искусства, культуры и истоков западной цивилизации», как писал культурный критик Мэтт Гросс. Рим с его римскими руинами, работами эпохи Возрождения и недавно обнаруженными древностями стал главной остановкой.Известные художники, такие как Помпео Батони и Антонио Канова, держали открытые студии, поскольку многие из этих аристократических туристов были одновременно заядлыми коллекционерами и заказывали различные работы.
Неоклассицизм зародился в году, Италия, , в Риме, когда историк искусства Иоганн Иоахим Винкельманн « Мысли об имитации греческих работ в живописи и скульптуре » (1750) сыграл ведущую роль в установлении эстетики и теории неоклассицизма. Хотя он и немец, он прожил большую часть своей жизни в Риме, где его покровителями стали несколько известных католических чиновников.Он утверждал, что искусство должно стремиться к «благородной простоте и спокойному величию», — утверждал он, — «единственный способ стать великими, возможно, неподражаемыми — это подражать древним». Работа, сделавшая его знаменитым, была широко переведена сначала на французский, а затем на английский художник Генри Фузели в 1765 году. Винкельманн был первым, кто создал упорядоченное видение искусства, от начала до зрелости и заканчивая упадком, глядя на цивилизацию. искусство как неразрывно связанное с самой культурой. Книга оказала влияние на известных интеллектуалов своего времени и последующих веков, включая Лессинга, Гердера, Гете, Ницше и Шпенглера.
Антон Рафаэль Менгс, близкий друг Винкельмана, был пионером неоклассической живописи. Круг художников, собравшихся вокруг Менгса и Винкельмана, позиционировал Рим как центр нового движения. Менгс отмечал фрески, изображающие мифологические сюжеты, за что его окрестили «величайшим художником дня». Он оказал влияние на ряд известных художников, которые должны были возглавить последующее развитие неоклассицизма в Великобритании, включая Бенджамина Уэста, Анжелику Кауфман, Джона Флаксмана и Гэвина Гамильтона.Он также оказал влияние на Жака-Луи Давида, который руководил более поздним периодом неоклассицизма, сосредоточенным во Франции, поскольку два художника встретились во время пребывания Давида в Римской премии с 1775 по 1780 год.
Неоклассицизм развивался вместе с Просвещением, также называемым «Эпохой разума» — политическим и философским движением, которое в первую очередь ценило науку, разум и исследования. В соответствии с его духом художники-неоклассики чувствовали, что искусство может цивилизовать, реформировать и трансформировать общество, поскольку само общество трансформировалось под воздействием растущих сил промышленной революции, движимой научными открытиями и изобретениями.В , Британия, , неоклассицизм Бенджамина Уэста, среди других художников, принял послание, подчеркнув моральную добродетель и рациональность Просвещения. Другие художники, такие как Джозеф Райт из Дерби, создали работы, основанные на научном изобретении, как видно в его Эксперимент над птицей в воздушном насосе (1768) или Философские лекции на Оррери (1766). Британские художники обратились не к мифологическим сюжетам, а к классическим историческим отчетам или современной истории, таким как Уэст Смерть генерала Вульфа (1770), в котором он бросил вызов академическим стандартам, отказавшись от совета изображать солдат в римских тогах как не основанный причина или наблюдение.
Более поздний период неоклассицизма, сосредоточенный в Франция , подчеркивал строгую линию, строгую классическую обстановку, освещенную искусственным светом, и упрощенные элементы, чтобы передать моральную энергию. Клятва Горациев (1784) Жака-Луи Давида, представленная на Парижском салоне 1785 года, стала примером нового направления в неоклассической живописи и сделала его лидером этого движения. Художник завершил работу над картиной, когда был в Риме, где он общался с Менгсом, а затем посетил руины Геркуланума — опыт, который он сравнил с удалением катаракты хирургическим путем.Хотя Клятва Горациев обратилась к королю Людовику XVI, чье правительство заказало его, с акцентом на лояльность, картина впоследствии стала идентифицироваться с революционным движением во Франции. Французская революция была периодом далеко идущих политических и социальных потрясений, которые свергнули монархию, установили республику и завершились диктатурой при Наполеоне, вдохновленной радикальными новыми либеральными идеями. Якобинцы, очень влиятельный политический клуб того времени, приняли приветствие братьев Горациев, как показано в книге Давида «Клятва теннисного суда » (1791).Влияние Давида было настолько велико, что более поздний период неоклассицизма был назван «Эпохой Давида», так как он лично обучал художников, включая Анну Луи Жироде-Триозон, Франсуа Жерара, Антуана Жана Гро и Жана Огюста Доминика Энгра.
Француз Жан-Батист Пигаль был одним из первых лидеров неоклассической скульптуры. Его Меркурий (1744) был провозглашен Вольтером как сопоставимый с лучшей греческой скульптурой и широко воспроизведен. Пигаль был также известным учителем, так как его ученик Жан-Антуан Удон, известный своими портретными бюстами, впоследствии возглавил движение во Франции.Поскольку движение было поистине интернациональным, итальянский скульптор Антонио Канова считался ведущим представителем неоклассицизма, поскольку его работы сравнивали по красоте и изяществу с произведениями древнегреческого скульптора Праксителя. В Англии Джон Флаксман был самым влиятельным скульптором, известным не только своими фигурами, такими как Pastoral Apollo (1824), но и своими рельефами и неоклассическим дизайном для керамической посуды Jasperware Джозии Веджвуда, всемирно популярной.
Неоклассицизм в живописи и скульптуре начал приходить в упадок с ростом романтизма, хотя в начале 1800-х годов эти два стиля существовали в конкуренции, поскольку Энгр придерживался неоклассицизма, который к тому времени считался «традиционным», а Делакруа подчеркивал индивидуальную чувствительность и чувства. К 1850-м годам неоклассицизм как движение подошел к концу, хотя академические художники продолжали использовать классические стили и предметы на протяжении большей части 19-го века, хотя им противостояли и бросали вызов движениям современного искусства, таким как реализм, натурализм и импрессионизм.
Тем не менее, работы Энгра продолжали оказывать влияние на более поздних художников. Он повлиял на Эдгара Дега, Огюста Ренуара, Анри Матисса и Пабло Пикассо, которым его образные трактовки внушали стилистические искажения. Работы Давида, особенно его Смерть Марата (1793), были заново открыты в середине 19 века и впоследствии оказали влияние на Пикассо и Эдварда Мунка, а также на современных художников, таких как Вик Мунис. Современная художница Синди Шерман « History Portraits » (1988–1990) перепрофилирует ряд знаменитых неоклассических работ в кадрах автопортрета из фильмов.
См. Также Неоклассицизм (стиль)
Источники: www.theartstory.org
Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Neoclassicism
Художников по направлению: Реализм
Художественное движение
Реализм в искусстве — это попытка представить предмет правдиво, без искусственности и избегая художественных условностей, неправдоподобных, экзотических и сверхъестественных элементов.
Реализм преобладал в искусстве во многие периоды и в значительной степени зависит от техники и обучения, а также от избегания стилизации. В изобразительном искусстве иллюзионистический реализм — это точное изображение форм жизни, перспективы и деталей света и цвета. Реалистичные произведения искусства могут подчеркивать приземленное, уродливое или грязное, например произведения соцреализма, регионализма или реализма кухонной раковины.
В искусстве существовали различные направления реализма, такие как оперный стиль веризм, литературный реализм, театральный реализм и итальянское неореалистическое кино.Движение реализма в живописи началось во Франции в 1850-х годах, после революции 1848 года. Художники-реалисты отвергли романтизм, который доминировал во французской литературе и искусстве, уходящий корнями в конец 18 века.
Реализм — это точное, подробное и точное представление в искусстве визуального образа сцен и объектов, то есть нарисованное с фотографической точностью. Реализм в этом смысле еще называют натурализмом, мимесисом или иллюзионизмом. Реалистическое искусство создавалось во многие периоды, и это в значительной степени вопрос техники и обучения, а также избегания стилизации.Это становится особенно заметным в европейской живописи в ранней нидерландской живописи Яна ван Эйка и других художников 15 века. Однако такой «реализм» часто используется для изображения, например, ангелов с крыльями, чего художники никогда не видели в реальной жизни. Точно так же художники, работающие в стиле реализма 19 века, такие как Гюстав Курбе, отнюдь не особенно известны своим точным и тщательным изображением визуальных проявлений; во времена Курбе это чаще было характерно для академической живописи, которая очень часто с большим мастерством и осторожностью изображала придуманные и искусственные сцены или воображаемые исторические сцены.Реализм как движение в живописи определяется выбором и обработкой сюжета, а не внимательным отношением к внешнему виду. Другие термины, такие как натурализм, натуралистический и «правоверный», не избегают такой же двусмысленности, хотя различие между «реалистичным» (обычно связанным с визуальным внешним видом) и «реалистическим» часто бывает полезным, как и термин «иллюзионистский» для точного визуализация визуальных образов.
Развитие более точного представления визуальных образов вещей имеет долгую историю в искусстве.Он включает в себя такие элементы, как точное изображение анатомии людей и животных, перспективы и эффекты расстояния, а также подробные эффекты света и цвета. Искусство верхнего палеолита в Европе достигло удивительно реалистичных изображений животных, а древнеегипетское искусство разработало условности, включающие как стилизацию, так и идеализацию, которые, тем не менее, позволяли создавать очень эффективные изображения очень широко и последовательно. Общепризнано, что древнегреческое искусство добилось большого прогресса в представлении анатомии и с тех пор остается влиятельной моделью.Никаких оригинальных работ великих греческих художников на панелях или стенах не сохранилось, но из литературных источников и сохранившегося корпуса производных работ (в основном греко-римских мозаичных работ) ясно, что иллюзионизм высоко ценился в живописи. Известная история Плиния Старшего о птицах, клюющих виноград, написанная Зевксисом в V веке до нашей эры, вполне может быть легендой, но указывает на стремление греческой живописи. Наряду с точностью формы, света и цвета, римские картины демонстрируют ненаучные, но эффективные знания о представлении далеких объектов меньшего размера, чем более близкие, и представления правильных геометрических форм, таких как крыша и стены комнаты с перспективой.Этот прогресс в иллюзионистских эффектах никоим образом не означал отказа от идеализма; статуи греческих богов и героев пытаются изобразить с точностью идеализированные и красивые формы, хотя другим работам, таким как головы известного уродливого Сократа, было позволено не соответствовать этим идеальным стандартам красоты. Римская портретная живопись, не находящаяся под слишком сильным греческим влиянием, демонстрирует большую приверженность правдивому изображению своих предметов.
Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 Непортированная лицензия (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →
Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Realism_(arts)Вильям Адольф Бугро — 434 произведения
Отрывок из биографии Уильяма Бугро, написанной Дэмиеном Бартоли и Фредериком Россом:
«Вильям Бугро, несомненно, является одним из величайших гениев искусства в истории.Однако в прошлом веке его репутация и беспрецедентные достижения подверглись клеветническим, нечестным, безжалостным и систематическим нападкам огромных масштабов. Его имя было вычеркнуто из большинства исторических текстов, а когда оно было включено, то лишь для того, чтобы слепо унизить и унизить его и его работу. Тем не менее, как мы увидим, именно он в одиночку открыл французские академии для женщин, и именно он, возможно, был величайшим художником человеческой фигуры во всей истории искусства. Его фигуры оживают так, как ни один из предыдущих художников никогда не достигал ни до, ни с тех пор.Он был не просто лучшим мастером рисования анатомии человека, но, что более важно, он уловил нежные и тонкие нюансы личности и настроения. Бугро, как Рембрандт, улавливал души и духи своих подданных. Говорят, что Рембрандт захватил душу возраста. Бугро захватил душу юности.
Учитывая его непревзойденный уровень мастерства и мастерства, а также тот факт, что подавляющее большинство его работ — в натуральную величину, это одна из крупнейших работ, когда-либо созданных любым художником.Добавьте к этому тот факт, что половина этих картин — великие шедевры, и у нас есть картина художника, который, как Микеланджело, Рембрандт и Карраваджо, принадлежит к высшим разрядам лишь горстки мастеров за всю историю западного искусства.
После смерти в 1905 году мы можем предположить, что лучше всего его не было здесь для того, чтобы увидеть успешное наступление на традиционное искусство, которое перевернуло мир искусства наизнанку и с ног на голову за десятилетия, последовавшие за его смертью. Его судьба была во многом похожа на судьбу Рембрандта, чьи работы также высмеивались и изгонялись из музеев и официальных художественных кругов на сто лет после его смерти.Репутация Рембрандта не была возрождена до 1790-х годов (он умер в 1669 году) из-за влияния основателя Королевской академии в Лондоне сэра Джошуа Рейнольдса. Еще в 1910 году картины Рейнольдса продавались на аукционах дороже, чем картины Рембрандта. Переоценка Бугро может быть довольно точно прослежена примерно с 1979 года, когда его цены на аукционе только в этом году выросли в четыре раза, а затем катапультировались ретроспективой 1984 года, которая прошла из Маленького дворца в Париже в Монреальский музей изящных искусств в Канаде и наконец, в Атенеум Уодсворта в Хартфорде.В 1980 году в Метрополитен-музее в Нью-Йорке на постоянной основе были вывешены две его работы, оставленные на хранении с начала века.
С 1960 года его рыночная стоимость буквально взорвалась, удваиваясь в среднем каждые 3,5 года. От работ, продававшихся в среднем за 500–1500 долларов в 1960 году, они ускорились до того места, где только за последние три года его аукционные рекорды были побиты еще 4 раза. В 1998 году «Пробуждение сердца» было продано на Christie’s в Нью-Йорке за 1 410 000 долларов.В 1999 году «Купидон и психика» Enfants были проданы за 1 760 000 долларов также на Christie’s, и на следующий день их превзошли на аукционе Sotheby’s, когда Альма Перенс, принадлежащая Сильвестру Сталоне, была продана за 2 650 000 долларов. Этот рекорд продержался всего один год до мая 2000 года, когда Шарите продал на Christie’s 3 520 000 долларов. За последние 20 лет его картины по всему миру были вывезены из ящиков, подвалов, складских помещений и чердаков, очищены от пыли, многие вычищены и искусно отреставрированы, и сегодня более сотни музеев и учреждений с гордостью выставляют его работы на постоянной экспозиции. .Репродукции его картин продаются миллионами в магазинах плакатов и сувенирных магазинах по всему миру, и есть много свидетельств того, что они даже превосходят репродукции картин любого из самых известных модернистов. Полный каталог Раиссоне о его жизни и творчестве Дамиена Бартоли и Комитета Бугро был опубликован после 25 лет работы и был опубликован в конце 2010 года. Поскольку Бугро является одним из самых важных художников в истории, мы будем регулярно добавлять его дополнительные изображения. на этот сайт.Помимо превосходной биографии г-на Бартоли, приведенной ниже, вы можете больше узнать о нем в ARC Philosophy. »
Мы хотим выразить нашу благодарность Дэмиену Бартоли за его помощь в каталогизации картин в этой галерее.
Ла-Рошель | История, география и достопримечательности
Ла-Рошель , город, морской порт на Атлантическом побережье и столица Приморской Шаранты, департамент, Новая Аквитания, регион, западная Франция, расположенный на заливе напротив острова Ре.Город с прямыми регулярными улицами, большим парком и тенистыми прогулочными площадками на месте старых укреплений после 1946 года значительно вырос, особенно на западе. Старая торговая гавань, слишком мелкая для больших судов, теперь является центром одной из крупнейших яхтенных гаваней на французском атлантическом побережье, способствуя важной связанной с этим экономической деятельности (проектирование, строительство и поставка лодок). В 1890 году на улице Ла Паллис, 3 был открыт торговый порт, доступный для более крупных судов.5 миль (5,5 км) к западу от города; с тех пор он был увеличен в несколько раз. Импорт включает мазут, изделия из древесины, нитраты и фосфаты, а экспорт (менее важный) — в основном зерновые и другие продукты питания. Ла-Паллис является портом захода круизных судов и местом расположения специализированного рыболовного порта и связанных с ним перерабатывающих предприятий. Современные отрасли промышленности Ла-Рошели включают производство композитных материалов, химикатов, медицинских изделий и железнодорожного подвижного состава. Город также является административным, торговым и туристическим центром.
Гавань с башнями Сен-Николас (слева) и Ла Шен (справа), Ла-Рошель, Франция.
Art Resource, Нью-ЙоркВход в старый порт защищают две массивные башни 14 века. Пятиугольная башня Святого Николая, самая большая из двух, представляет собой внушительную крепость с зубчатыми стенами и цитаделью. Напротив него возвышается Башня де ла Шейн, названная так потому, что ночью между ней и башней Святого Николая была натянута большая цепь, закрывающая порт. В 15 веке третья башня, Башня де ла Лантерн, круглое основание, увенчанное восьмиугольным шпилем, была построена как маяк.Другие интересные здания — это готический Порт-де-ла-Гросс-Орлог, отель в стиле ренессанс-де-Виль и отель-де-ла-Биржа 18 века. Рю де Мерсье типична для старых улиц. Многие дома 16-17 веков, построенные над аркадами, украшены горгульями и странными аллегорическими фигурами.
Ла-Рошель возникла в 12 веке после того, как соседний город Шателайон был разрушен герцогами Аквитании. Во время Столетней войны (1337–1453) он несколько раз переходил из рук в руки, но, наконец, был захвачен французами в 1372 году.Он стал в основном протестантским во время Реформации и после резни в день Святого Варфоломея (1572 г.), в результате которой было убито много французских протестантов (гугенотов); многие из выживших укрылись там.