Композиторы неизвестные: 7 выдающихся женщин-композиторов — Wonderzine

1. Выберите билеты

Доставка билетов осуществляется в пределах МКАД с 10:00 до 18:00 в течение трех рабочих дней, включая день оформления заказа. Оставляйте дополнительные контактные телефоны: курьер звонит перед выездом.

Если вы не можете принять заказ сами, вы в праве оставить деньги и контактный телефон доверенного лица при оплате наличными. При повторной поездке взимается двойная сумма доставки.

Вы имеете право отказаться от заказа. Заблаговременно сообщите об отказе, позвонив в кассу клуба по телефону +7(499) 253-15-50.

2. Добавьте контактные данные и адрес

Давид Тухманов. К 80-летию со дня рождения композитора

Введение

Творчество композитора Давида Федоровича Тухманова любимо многими поколениями нашей страны. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1983), народный артист Российской Федерации (2000), лауреат Государственной премий Российской Федерации (2003), обладатель ордена «За заслуги перед Отечеством» IV степени, он внес большой вклад в развитие отечественного музыкального искусства.
Прежде всего, Давид Тухманов известен как автор песен, среди которых большое количество шлягеров и хитов, не теряющих своей популярности до сих пор. В 60-е – 80-е годы его песни звучали по радио, их включали в торжественные концертные программы, а пластинки расходились миллионными тиражами. Вокальные композиции исполняли как именитые певцы, так и только начинающие свою карьеру молодые музыканты, а слушатели разных возрастов напевали полюбившиеся мелодии.

Биография

20 июля нынешнего, 2020 года, композитор отметит свое 80-летие. Он родился в 1940 году в Москве в русско-армянской семье и был назван в честь деда, с которым является полным тезкой – Давид Федорович Тухманов. Отец композитора – Федор Тухманов был инженером по специальности, а мама – Вера Карасева, музыкант, композитор. Именно под влиянием матери с ранних лет Давид Тухманов начал заниматься музыкой, и в 4 года написал свое первое музыкальное произведение.
Сначала Давид Тухманов окончил Музыкальную школу при Институте имени Гнесиных по классу фортепиано, его педагогом была Елена Самойловна Эфрусси. Юный музыкант увлекался не только игрой на рояле, но и сочинением музыки. Этот опыт всячески поощряла Елена Фабиановна Гнесина – замечательная пианистка, маститый педагог, одна из основательниц музыкального училища, которое позже переросло в Институт. Тухманов писал пьесы для фортепиано и вокальные произведения – романсы и баллады. Начиная с 7 класса школы его занятия по композиции и теории музыки стали регулярными под руководством Льва Николаевича Наумова.
В 1958 году Давид Тухманов поступил на композиторское отделение Музыкально-педагогического государственного института имени Гнесиных. В институте он учился в классе Фавия Евгеньевича Витачека (любопытно отметить, что сам Витачек занимался в свое время у выдающегося композитора-симфониста Николая Яковлевича Мясковского – выпускника Санкт-Петербургской консерватории).
По окончании института в 1963 году (после выпуска Тухманов был призван в армию, служил в Ансамбле песни и пляски МВО, где руководил оркестром) дипломной работой Давида Тухманова была оратория для хора, оркестра и солистов «За далью даль», поэтическим первоисточником которой послужили фрагменты из поэмы Александра Твардовского. Также молодым автором был создан цикл баллад и романсов на стихи Генриха Гейне в переводе русских поэтов (первым исполнителем этих романсов был Александр Градский).

Композитор Тухманов

Творческий багаж Давида Тухманова выходит далеко за рамки одного жанра – эстрадной песни, ведь он – автор фортепианных пьес, сочинений для инструментальных ансамблей, камерно-вокальных опусов, мюзиклов, музыки к спектаклям, хоров для детей. Однако, именно песня стала своего рода красной нитью, проходящей через все творческие этапы композитора, и запечатлела не только внутренний мир и профессиональные интересы автора, но и атмосферу времени.
Мы вспомним некоторые песни Давида Тухманова, которые продолжают звучать и обретают новых поклонников таланта композитора.
Давид Тухманов начал работать в жанре песни в 60-е годы и поначалу был известен как аранжировщик песен Булата Окуджавы и Юрия Визбора, но в 1964 году о нем заговорили и как о композиторе. Свой первый хит – «Последняя электричка» молодой автор написал на стихи Михаила Ножкина. В 1966 году в радиопередаче «С добрым утром!» эта песня прозвучала в исполнении Владимира Макарова, открыв дорогу и другим песням Тухманова на телевидение.
«Последняя электричка» органично вписалась в советскую эстраду тех лет, впитав дух свободы, молодости, влюбленности и открытости, характерный для периода «оттепели».

• Песня «Последняя электричка».

Стихи – Михаил Ножкин.
Исполнитель – Валерий Ободзинский (первый исполнитель В.Макаров).

Скачайте файл.

Последующие вокальные композиции Давида Тухманова не ограничились песенными стандартами 60-х годов и стилистически были разнообразны. Музыкальный кругозор, стремление к неизведанному позволили композитору избежать штампов и «окаменелости». Напротив, стиль Тухманова постоянно менялся и преобразовывался, автор искал и обретал новые манеры письма. Думается, что в этом находит проявление не только личная позиция Давида Тухманова, но и сказывается та профессиональная основа, которую композитор получил, обучаясь в Музыкально-педагогическом государственном институте имени Гнесиных в Москве (ныне – Российская академия музыки имени Гнесиных).
Музыкальное образование Давида Тухманова было фундаментальным и основательным, с влиянием академических традиций – с одной стороны, а с другой – все это соединялось с модными в то время увлечениями западной современной музыкой и смелыми экспериментами. Именно этот органичный микст, помимо таланта, и позволил Тухманову стать мастером в своем деле и идти разными стилистическими путями в творчестве.
Так, к созданию романсов – жанру чрезвычайно распространенному в XIX веке, Давид Тухманов обратится не только в годы учебы, но и в последующие периоды. Одним из лучших образцов в этом жанре можно считать романс «Напрасные слова», созданный композитором в 1987 году, а эталонным исполнением стала интерпретация Александра Малинина, записанная в следующем, 1988 году.
«Напрасные слова» – это некий образ романса, высокохудожественная стилизация, соединяющая изысканный текст, задушевную манеру исполнения, тихий гитарный аккомпанемент, как будто сочиненный здесь и сейчас. Все это настраивает на определенное эмоциональное состояние и стирает границы времени – нет ощущения, что романс написан в бурном XX столетии.

• Романс «Напрасные слова».

Стихи – Лариса Рубальская.
Исполнитель – Александр Малинин.

Скачайте файл.

Для композитора-песенника очень важно найти своего исполнителя. Ведь именно певец является проводником песни в мир и от него во многом зависит судьба вокального сочинения. Давид Тухманов сотрудничал с лучшими исполнителями советской и российской эстрады, среди которых были Иосиф Кобзон, Лев Лещенко, Эдита Пьеха, София Ротару, Ирина Аллегрова, Людмила Сенчина, Сергей Захаров, также популярные ансамбли «Веселые ребята, «Самоцветы», «Песняры», «Лейся, песня». Композитор открыл дорогу на большую сцену таким исполнителям, как Валерий Леонтьев, Александр Барыкин, Николай Носков, Яак Йоала.
В конце 60-х – начале 70-х годов благодаря яркому и плодотворному сотрудничеству Давида Тухманова и Валерия Ободзинского прозвучали два шлягера.
В 1968 году была написана «Восточная песня». После ее появления на Всесоюзном радио в передаче «С добрым утром!» певец Валерий Ободзинский проснулся знаменитым. Песня, созданная более полувека назад, звучит и сейчас в самых разных кавер версиях.

• «Восточная песня».

Стихи – Онегин Гаджикасимов
Исполнитель – Валерий Ободзинский.

Скачайте файл.

Два года спустя, в 1970 году появилась песня «Эти глаза напротив». Автором текста стала первая жена композитора Татьяна Сашко – фактически продюсер Тухманова, певица, композитор и поэт различных песен. Успех песни был ошеломителен!, хотя нашлись и те, кто критиковал вокальную композицию и считал, что довольно скоро она канет в Лету. Однако, и эта песня продолжает свою жизнь.

• Песня «Эти глаза напротив».

Стихи – Татьяна Сашко.
Исполнитель – Валерий Ободзинский.

Скачайте файл.

В 1972 году был выпущен первый авторский диск «Как прекрасен мир», в котором Давид Тухманов впервые объединил песни в один альбом. Получилась пластинка, построенная по принципу сюиты: каждая из песен абсолютно самодостаточна и может быть исполнена отдельно от других, но вместе они образуют вокальный цикл, выражающий определенную идею. Сам Тухманов позже заявлял, что все его пластинки – это эксперименты в области музыки в стремлении создать что-то новое, необычное, а принцип сюитности был заимствован им у группы The Beatles – родоначальников концептуального альбома.
Для записи пластинки Тухманов пригласил молодых исполнителей – Александра Градского, Нину Бродскую, Галину Ненашеву, Юрия Антонова. Также в записи принимали участие: ансамбль «Веселые ребята», вокальный квартет «Улыбка», ансамбль «Звучат струны», Концертный эстрадный ансамбль Всесоюзного радио (дирижер – Вадим Людвиковский), Эстрадно-симфонический оркестр (дирижер – Константин Кримец), струнный ансамбль Большого симфонического оркестра, группа Большого хора Всесоюзного радио. Композитор очень тщательно работал над аранжировками песен, включенных в альбом, делая их близкими к арт-року, направлению для которого характерно соединение традиций академической музыки, выразительной мелодии, художественного текста и новаторского музыкального языка.

Список композиций дебютного диска «Как прекрасен мир» выглядит так:

• 1. «Любовь – дитя планеты», стихи Евгения Евтушенко;
• 2. «Только ты молчи», стихи Михаила Ножкина;
• 3. «Любимая, спи», стихи Евгения Евтушенко;
• 4. «Капитан», стихи Игоря Кобзева;
• 5. «Джоконда», стихи Татьяны Сашко;
• 6. «День без выстрела», стихи Михаила Дудина;
• 7. «Как прекрасен этот мир», стихи Владимира Харитонова;
• 8. «Танцевальный час на солнце», стихи Семена Кирсанова;
• 9. «Сан Саныч», стихи Эдуарда Вериго;
• 10. «Жил-был я», стихи Семена Кирсанова;
• 11. «Эпилог».

Автором рецензии, запечатленной на конверте пластинки, выступил выдающийся отечественный композитор-песенник Ян Френкель. Он написал следующее: «Имя Давида Тухманова хорошо известно любителям эстрадной музыки. Уже первые песни, прозвучавшие в эфире всего несколько лет назад, обратили на себя внимание и очень скоро приобрели завидную популярность. Тухманов обращается к чрезвычайно широкому кругу слушателей, но прежде всего к молодежи, эмоциональный мир которой ему удается передать с неподдельной искренностью, правдиво и ярко. Начав с песен преимущественно лирического характера, композитор последовательно работает над расширением круга образов, создавая песни, где гражданское чувство перекликается с личным, юмор с лирикой, бытовое с фантастическим. «Как прекрасен мир» представляет собой своего рода музыкальную композицию, в которой автор расположил отобранные им песни в последовательности, строго отвечающей его драматургическому замыслу. Осуществляя свой замысел, композитор отходит от привычных форм эстрадной песни. Он смело вводит в композицию элементы симфонической и камерной музыки, доверяя музыкальной чуткости своего слушателя. Весьма сложный жанровый, интонационный и гармонический сплав отличается стилистическим единством и индивидуальным своеобразием. Особое внимание, как всегда, композитор уделяет мелодии, создает запоминающийся образ. Важным элементом композиции является изобретательная, строго продуманная аранжировка. Композиция «Как прекрасен мир» — результат вдумчивой, серьезной работы молодого композитора, лауреата Московского комсомола. Можно надеяться, она вызовет интерес среди любителей песни».

Некоторые песни данного цикла особенно популярны. К таковым можно отнести композицию «Как прекрасен этот мир», которая является лирическим центром всей сюиты. Светлая, одухотворенная, возвышенная музыка как будто бы приподнимает над действительностью и побуждает соприкоснуться с истинно прекрасным.

• Песня «Как прекрасен этот мир».

Стихи – Владимир Харитонов.
Исполнитель –ВИА «Самоцветы» (первый исполнитель– Юрий Антонов).

Скачайте файл.

В 1976 году вышел концептуальный диск Давида Тухманова «По волне моей памяти», написанный на стихи классических поэтов. Альбом назван по одной из вошедших в него песен на стихи кубинского поэта XX века Николаса Гильена. В качестве солистов в записи приняли участие молодые, неизвестные в то время певцы – Александр Барыкин, Людмила Барыкина, Александр Лерман, Наталия Капустина, Сергей Беликов, Мехрдад Бади, Владислав Андрианов. Игорь Иванов.
Пожалуй, главной задачей для композитора стало соединение законов классической музыки с электронным звучанием. Очень много времени ушло на поиск текстов и их драматургическую компоновку в сюитном музыкальном цикле. Активное участие в этом принимала Татьяна Сашко, которая считала, что в этом альбоме важно «подать классическую поэзию в современной музыкальной обработке». У Давида Тухманова было такое мнение об этом альбоме: «Я считал, что работа сложная, эстетически слишком изысканная и вряд ли будет популярна». Однако пластинка была распродана тиражом в 2,5 миллиона экземпляров.

Список композиций диска «По волне моей памяти» выглядит так:

• 1. «Я мысленно вхожу в Ваш кабинет», стихи Максимилиана Волошина;
• 2. «Из Сафо», перевод Викентия Вересаева;
• 3. «Из вагантов», перевод Льва Гинзбурга;
• 4. «Приглашение к путешествию», стихи Шарля Бодлера, перевод Ирины Озеровой;
• 5. «Доброй ночи», стихи Перси Биши Шелли;
• 6. «По волне моей памяти», стихи Николаса Гильена, перевод Инны Тыняновой;
• 7. «Сентиментальная прогулка», стихи Поля Верлена, перевод Ариадны Эфрон;
• 8. «Сердце мое, сердце», стихи Иоганна Вольфганга Гете, перевод Вильгельма Левика;
• 9. «Смятение», стихи Анны Ахматовой;
• 10. «Посвящение в альбом», стихи Адама Мицкевича, перевод Семена Кирсанова)

Романс «Я мысленно вхожу в Ваш кабинет».
Стихи – Максимилиан Волошин.
Исполнитель – Мехрдад Бади.

Скачайте файл.

Самой популярной песней цикла стала «Из вагантов», которую также называют «Песенкой студента» или просто «Студент». В ее основе вольный перевод латинского текста песни вагантов (странствующих студентов, бродячих поэтов) XIII века.

• Песня «Из вагантов».

Перевод – Лев Гинзбург.
Исполнитель – Игорь Иванов.

Скачайте файл.

В конце 80-х годов в творчестве Давида Тухманова появилась новая грань: он обращается к детской тематике. В 1989 году в содружестве с известным поэтом Юрием Энтиным был написан мюзикл «Багдадский вор», премьера которого состоялась в 1990 году в московском театре «Сатирикон» и одновременно в Свердловском (Екатеринбургском) театре музыкальной комедии. Позже композитор работал и над другими детскими музыкальными проектами, создавая репертуар для детских ансамблей, хоров и театральных шоу. Вместе с Юрием Энтиным написаны песенные циклы: «Золотая горка», «О многих шестиногих», «Бяки-Буки», «Ужастик-парк», «Гоголь-Моголь-Дискотека», «Игра в классики», изданные в нотных сборниках, на компакт-дисках и аудиокассетах. Также Давид Тухманов является автором гимна Международного фестиваля детского анимационного кино « Золотая рыбка».
В области эстрады в 80-е годы рождаются новые хиты композитора. В 1986 году Давид Тухманов стал художественным руководителем группы «Электроклуб», куда входили солисты Ирина Аллегрова и Игорь Тальков. Игорь Тальков пробыл в составе группе только год, но в течение этого времени он был своего рода идеологом коллектива. Особую популярность принесла лирическая песня «Чистые пруды», прозвучавшая на фестивале «Песня года -87».

• Песня «Чистые пруды».

Стихи – Леонид Фадеев.
Исполнитель – Игорь Тальков.

Скачайте файл.

К песням лирической направленности Давид Тухманов обращался неоднократно. Так, в 1973 году для фильма «Эта веселая планета» им был написан саундтрек – песня «Наши любимые». В первоначальной версии ее исполнял ВИА «Песняры» с сольным вокалом руководителя коллектива Владимира Мулявина. Инсценированное выступление ансамбля вошло в ткань фильма. Эта песня очень полюбилась не только слушателям, но и исполнителям. Ее пела Мария Пахоменко, вокальный квартет «Аккорд» и многие другие. В 70-е годы песня «Наши любимые» была одной из самых популярных в СССР.

• Песня «Наши любимые».

Стихи – Игорь Шаферан.
Исполнитель – ВИА «Песняры».

Скачайте файл.

К числу наиболее известных песен Давида Тухманова относится песня «Семейный альбом», которая стала визитной карточкой Эдиты Пьехи и прочно вошла в репертуар певицы.

• Песня «Семейный альбом».

Стихи – Михаил Танич.
Исполнитель – ВИА «Веселые ребята».

Скачайте файл.

Особое внимание композитор уделял созданию песен патриотической направленности. В 1972 году Давид Тухманов был удостоен Премии Московского комсомола за песни «День без выстрела», «Мы большая семья», «Земля черна» и другие. Чрезвычайно популярными стали песни «Я люблю тебя, Россия» и «Мой адрес – Советский Союз».

• Песня «Мой адрес – Советский Союз».

Стихи – Владимир Харитонов.
Исполнитель – ВИА «Самоцветы».

Скачайте файл.

В 1975 году, к 30-летию Победы над фашисткой Германией в Союзе композиторов был объявлен конкурс на создание лучшей песни о Великой Отечественной войне, и поэт Владимир Харитонов предложил Давиду Тухманову, с которым он неоднократно сотрудничал, написать такую песню. Так появилась песня «День Победы», которая никакого места не заняла, более того в адрес ее создателей прозвучали резкие критические высказывания. Музыку Тухманова сочли фокстротом, а стихи Харитонова – легкомысленными. В результате песня была запрещена, ее не пропускали в эфир – ни на радио, ни на телевидении. Тем не менее, Лев Лещенко без официального разрешения, рискнув карьерой, исполнил «День Победы» на концерте ко Дню милиции, чем обеспечил ей народное признание. Также песня два раза прозвучала на фестивале «Песня года» в 1975 и 1976 годах.
Сейчас трудно представить какой-либо концерт, посвященный Великой Победе, без этой песни. Звучала эта музыка (инструментальная версия) и 24 июня на параде, приуроченном к 75-летию Победы в Великой Отечественной войне. Сам композитор о своей песни отзывался так: «Конечно, я счастлив, что написал «День Победы». Дал Бог!».

• Песня «День Победы».

Стихи — Владимира Харитонова.
Исполнитель – Лев Лещенко.

Скачайте файл.

В 2000 году по случаю 60-летия Давида Тухманова проходили большие авторские концерты в ГЦКЗ «Россия». Начало XXI века отмечено в его творчестве новыми сочинениями. Так, осенью 2001 года состоялась премьера спектакля «Мадлен, спокойно!», музыку к которому Тухманов написал специально для Людмилы Гурченко. В 2002 году для празднования Дня славянской письменности и культуры в Новосибирске композитор создал ораторию «Легенда о Ермаке» для большого хора, солистов и оркестра. В июне 2003 года в московском театре сатиры состоялась премьера комедии «Слишком женатый таксист», музыкальное сопровождение к которому написано Тумановым. Также он является автором музыкального оформления для празднования Дня независимости России на Красной площади в Москве в 2003 и 2004 годах.

Обращался композитор и к камерной музыке: им созданы циклы баллад и романсов: «Квадратные окошки» на стихи Иннокентия Анненского, «Сон Себастьяна» на стихи австрийского поэта Георга Тракля, поэма для скрипки и оркестра «Святая ночь».
В 2008 году Давид Тухманов представил оперу «Царица» (авторское название «Екатерина Великая»; либретто Юрия Ряшенцева и Галины Полиди). «Царица» – это первое обращение композитора к оперному спектаклю, до этого он опер не писал. Премьера «Царицы» состоялась 22 июля 2009 года на сцене Александринского театра в Санкт-Петербурге, а 25 ноября того же года с оперой могла познакомиться и московская публика на сцене Государственного Кремлевского дворца.
С 2010 года Давид Тухманов является членом Патриаршего совета по культуре (Русская православная церковь).
В последние годы автор уделяет большее внимание академической музыке, нежели эстрадной, однако, его песни продолжают звучать и не теряют актуальности.

Дискография Давида Тухманова насчитывает сотни песен на разные темы. Известные мелодии создавались благодаря кропотливому труду и профессионализму композитора, хотя звучали так, как будто бы возникали легко и непринужденно. Мало кому удалось сочинить столько выдержавших испытание временем хитов. Тухманова без преувеличения можно назвать классиком эстрадной песни. В своем творчестве он сумел органично соединить классическую музыкальную основу, лучшие традиции советской песни и самые свежие достижения в области аранжировки и звукорежиссуры. Песни Давида Тухманова продолжают жить и радовать всех нас. С днем рождения, Маэстро!

Анастасия Александрова, музыковед,
ведущий специалист концертного отдела Санкт-Петербургской государственной консерватории имени Н. А. Римского-Корсакова

11 самых недооцененных композиторов классической музыки

17 июля 2014, 16:49 | Обновлено: 6 января 2017, 14:45

Великие композиторы получают всю славу. Но как насчет композиторов, которые жили в тени и сегодня в значительной степени забыты? Пришло время переоценить: вот 11 самых недооцененных композиторов.

Мориц Мошковски

Этот список начал свое существование как «10 самых недооцененных композиторов классической музыки», но затем Джон Суше сыграл немного Морица Мошковски в своем утреннем шоу по будням и сказал, что не слышал об этом композиторе. Слушатели Shocked Classic FM связались с Джоном и сказали, что не могут поверить, что он не знаком с творчеством Мошковского, и поэтому мы добавили его в этот список. Великий польский пианист Падеревский однажды сказал: «После Шопена Мошковский лучше всех понимает, как писать для фортепиано, и его сочинение охватывает всю гамму фортепианной техники.»Блестящий молодой немецкий пианист Йозеф Муг недавно записал свой фортепианный концерт.

Джеральд Финци

Джеральд Финци был гораздо большим, чем просто композитором вечных экзаменов по кларнету, стойким приверженцем «Пяти Багателей». Он был великолепным вокалистом. Его эпопея Dies Natalis для сопрано или тенора со струнным оркестром — великолепный пример того, на что он действительно был способен. Как ни странно, он также был ответственен за спасение нескольких британских сортов яблок от исчезновения.

Малкольм Арнольд

В регулярном репертуаре спектаклей осталась лишь горстка работ Малкольма Арнольда, несмотря на то, что этот сварливый гений написал буквально сотни произведений в разных жанрах (в том числе более 100 саундтреков к фильмам). Его работы определенно эксцентричны и своеобразны, но он был таким же — попытки самоубийства, алкоголизм и неудачные браки — все это, к лучшему или худшему, сформировало его глубоко эклектичный стиль.

Эрих Корнгольд

Почему забыта музыка Эриха Корнгольда? Что ж, ситуация улучшается, но для многих пионеров киномузыки это будет просто сноска с забавным названием (имя, которое вдохновило одного критика на то, чтобы назвать его скрипичный концерт «больше кукурузы, чем золота»). К счастью, такие, как Никола Бенедетти и Андре Превен, были защитниками этого забытого первопроходца.

Фанни Мендельсон

Проблема со знаменитым братом в том, что твои собственные достижения, какими бы достойными они ни были, обычно игнорируются.Это определенно верно в отношении Фанни Мендельсон. Фанни за свою жизнь сочинила сотни произведений, не получивших большого признания, и, возможно, высшее унижение, некоторые из них даже выдавались за сочинение Феликса. Щека.

Александр Скрябин

Сильно томясь в тени более популярных русских, таких как Рахманинов и Шостакович, можно утверждать, что Скрябин на самом деле был гораздо более экспериментальным и авантюрным со своими композициями.Среди его наиболее революционных идей был «Мистериум», хоровой и оркестровый эпос с ладаном, процессиями и без зрителей, который должен был быть исполнен в течение недели в предгорьях Гималаев (хотя, к сожалению, он так и не был исполнен). Как это могло не быть хитом ?!

Ян Дисмас Зеленка

Эта недооцененная жемчужина чеха в стиле барокко была почти потеряна для современной публики после того, как целая стопка его работ была потеряна во время бомбардировки Дрездена во время Второй мировой войны.К счастью, оставалось еще много произведений, которые нужно было раскопать, и когда они были, стало ясно, что Зеленка был удивительно авантюрным композитором для своего времени, экспериментирующим с прогрессивными гармониями и заслужившим аплодисменты таких авторов, как J.S. Бах. Его никогда не изображали, он никогда не был женат и не имел детей — так что, наверное, неудивительно, что его несправедливо забыли.

Отторино Респиги

Многие отвергли Респиги как «композитора, который вложил в свои произведения звуки птиц», благодаря его изобретательному использованию тогда еще новой граммофонной технологии в его оркестровой пьесе «Сосны Рима».Но если взглянуть за пределы этого «хита», можно увидеть композитора, который был авантюристом в своих многочисленных произведениях: путешествия по Бразилии и страсть к ранней итальянской музыке придали ему совершенно индивидуальное звучание.

Джакомо Мейербер

Подумайте об опере XIX века и подумайте о гигантах: Пуччини, Верди и Вагнере. Любопытно, что именно из-за Вагнера итальянский композитор Мейербер до недавнего времени оставался в безвестности. В свое время Мейербер был одним из самых популярных оперных композиторов в мире.Вагнер, стремясь закрепить свои убеждения в популярной культуре, написал язвительные отчеты о работе Мейербера в своем антисемитском эссе «Еврейство в опере». До этого Мейербер был большим сторонником Вагнера, даже ссужая ему деньги, когда он был на самом низком уровне.

Антонио Сальери

Ох уж этот парень, тот, кто убил Моцарта. Или это то, как большинство людей думает об итальянском мастере, благодаря тому, как он был изображен в произведении Милоша Формана Amadeus : ревнивым и коварным человеком, который, возможно, не был ответственным за окончательное падение Моцарта.Хотя их соперничество общеизвестно, очень легко забыть, что Сальери был абсолютным гигантом оперы, сочинив некоторые из самых популярных произведений того времени, большинство из которых вышли из обращения.

Артур Салливан

Гилберт и Салливан были вместе, чрезвычайно успешными и восхищенными публикой, но Артур Салливан в одиночку едва ли смог повлиять на музыкальную жизнь сегодня, за исключением своих гимнов.После строгого обучения в 19 веке у Джона Госса (которого сам учил Томас Аттвуд, ученик Моцарта), Салливан получил стремительный взлет к славе как самостоятельный композитор. Затем, после сотрудничества с W.S. Гилберта, он стал известен чем-то гораздо более легким, чем ему хотелось бы, а это означает, что его более серьезная музыка была в значительной степени забыта.

Страница неизвестных композиторов

Стив Список недооцененных Шварцем шедевров известных композиторов неясное — написано в 1992 году.Стив был моим вдохновителем для этого. Спасибо большое за идею!
Поскольку это такой большой документ, я разбил его примерно на 10k разделы. Вы можете сразу перейти к любому разделу или пролистать документы. последовательно.

нестандартный фортепианные шедевры, написанные участниками списка рассылки PIANO-L

Эрик Очерк Шисселя о Николае Мясковском, подробная работа находится в стадии разработки.
Эрик также написал эту статью о Роберте Fuchs.

Список малоизвестных Онно ван Райена Советские композиторы и сочинения (уже не действующие, но этот архив существует до сих пор).

Описание неизвестных немецких композиторов-романтиков Петером Штоллем

Проект «Арсонг» — это исследование земли многими неизвестными.

Вонючий сыр — композиторы, сочтенные Рэндольфом Питтсом приобретенными вкусами

Некоторые британские симфонии 20-го века — гид Ричарда Пенникуика

Бамбуковый занавес — Композиторы из Китайской Народной Республики, написанные пользователя Роберт Клементс.

Роб Барнетт публикует серию профилей британских композиторов ХХ века. В настоящее время доступны Gaze Cooper и Stanley. Уилсон

Израильский Композиторы Эдварда Эйзена

Меньший Известные произведения Прокофьева, очерк Брюса Турлиша

португальский Композиторы, представленные Луисом Афонсу

Композиторы для органа Дэвида Шнуте

Джордж Онслоу: «Французский Бетховен» Бодиме Джама

Уоррен Коэн пишет серию эссе; первый здесь, на Ричарде Арнелле

Эта прекрасная страница на британском и Irish Composers включает в себя десятки незнакомых имён

Разное короткие рекомендации от нескольких человек

Заявление об ограничении ответственности

Заявление об ограничении ответственности № 2

Особый музыкальный таинственный момент — угадай композитор!

Комментарии? Предложения? Напишите мне по адресу: jim {at} jimmosk {dot} com

Неизвестные и забытые композиторы

Мексика — страна с богатой историей классической музыки, в которой работали композиторы от Карлоса Чавеса и Сильвестра Ревуэльтаса в начале 20 века до Артуро Маркеса и Хавьера Альвареса сегодня.Однако ряд классических композиторов, внесших важный вклад в историю мексиканской музыки в это время, были забыты или упущены из виду. Сегодня я сосредоточусь на четырех мексиканских композиторах середины 1900-х, о которых часто забывают, которые не только создали великие произведения, вдохновленные традиционной мексиканской музыкой, но и сыграли важную роль в представлении композиционных новшеств 20-го века в своей стране.

В 1928 году Чавес, один из самых выдающихся композиторов Мексики того времени, возглавил Национальную консерваторию музыки, главное учреждение западного музыкального искусства в стране.Три года спустя, в рамках своих усилий по реформированию учебной программы консерватории, Чавес представил открытый курс под названием «Мастерская композиции», чтобы побудить композиторов писать в большем разнообразии стилей. Когда в 1934 году курс был закрыт после ухода Чавеса, в основном из-за политических обстоятельств, четыре молодых студента, принявшие курс — Даниэль Айяла, Сальвадор Контрерас, Хосе Пабло Монкайо и Блас Галиндо — стремились продемонстрировать его ценность, организовав концерт своих собственные композиции.

После успеха их первого концерта в ноябре 1935 года в статье в газете El Universal (со ссылкой на русскую «Пятерку» и французскую «Les Six») композиторы назывались «Grupo de los cuatro»; название прижилось, и участники группы станут светилами нового поколения мексиканских композиторов.

Хосе Пабло Монкайо (Википедия)

Возможно, самым известным представителем этой группы был Хосе Пабло Монкайо , который, по словам дирижера и музыковеда Армандо Торреса Чибраса, «представляет одно из самых важных наследий мексиканского национализма в музыкальном искусстве после Сильвестра Ревуэльтаса и Карлоса Чавеса. .«Монкайо родился в Гвадалахаре в 1912 году. Его впервые познакомил с музыкой его брат Франсиско. В 1926 году в возрасте четырнадцати лет он стал учеником известного композитора и пианиста Эдуардо Эрнандеса Монкада; три года спустя его приняли в Национальную консерваторию, где он изучал композицию у Канделарио Уизара. В 1932 году, примерно в то же время, когда он поступил на курс композиции Чавеса, он был принят в секцию ударных Симфонического оркестра Мексики (OSM).

Во время учебы в консерватории (большая часть которой описана выше) Монкайо написал ряд сольных и камерных произведений, которые исполнялись либо на частных концертах, либо на концертах, организованных Grupo de los cuatro.Примером его раннего стиля является «Amatzinac», написанный для необычных инструментов флейты и струнного квартета; эта работа сочетает в себе импрессионистские части с более диссонирующими идеями и, как и другие ранние камерные произведения Монкайо и его современников, помогла установить модернистскую музыку в Мексике.

В течение следующих нескольких лет, помимо деятельности Grupo de los cuatro, Монкайо работал над аранжировками традиционных мелодий для оркестровых концертов недавно сформированного Национального симфонического оркестра (созданного новым директором Национальной консерватории Эстанислао Мехиа), а дирижировал OSM. Чавес; он также дебютировал как дирижер в возрасте 24 лет в сентябре 1936 года.

В 1941 году Чавес попросил Монкайо написать пьесу на основе популярной музыки юго-восточного побережья Мексики для концерта OSM; Результатом стало то, что сейчас является самым известным оркестровым произведением Монкайо, Huapango . Основанный на популярной музыке Веракруса, которую он и его друг Блас Галиндо проводили подробные полевые исследования, Huapango представляет собой красочное, живое и вызывающее воспоминания произведение, которое до сих пор пользуется большим уважением в репертуаре мексиканских оркестров — влиятельных мексиканских музыкантов. Американский дирижер Алондра де ла Парра, безусловно, воздает ему должное!

Хотя дирижерские обязанности Монкайо в последующее десятилетие увеличатся — он был назначен дирижером Национального симфонического оркестра в 1949 году — он продолжал сочинять как камерные, так и оркестровые произведения.Написанная в том же году, что и его дирижерское назначение, оркестровая пьеса Монкайо Tierra de temporal является ярким примером его националистического, но в то же время зрелого лирического стиля; От вступительной мелодии, которую исполняют английский валторна и струнные, до громких, мощных звуков духовой части, пьеса привлекает внимание от начала до конца и передает чувство страсти и грандиозности во всем.

Увы, дирижерская и композиторская карьера Монкайо в конечном итоге оборвалась.В феврале 1954 года он дирижировал своим заключительным концертом с Национальным симфоническим оркестром; четыре года спустя, 16 июня 1958 года, он скончался в своем доме в Мехико в возрасте 46 лет.

Хотя его произведения хорошо помнят и часто играют на его родине, сочинения Монкайо редко исполняются в других странах, за исключением редких выступлений Huapango в Соединенных Штатах и ​​Европе. Смелость, лиризм и националистический дух его музыки — и, в частности, его оркестровых произведений — заслуживают большего места в репертуаре.

Намного менее известные, чем Монкайо, работы Даниэля Айяла также составляют важную часть мексиканской националистической традиции. Аяла родился в Абале, расположенном в штате Юкатан, 21 июля 1906 года. В возрасте десяти лет, вопреки воле отца, он начал свое музыкальное образование у Альфонсо Агилара Рейеса. Подростком он посещал музыкальную школу в Мериде, столице Юкатана, работая уличным торговцем и чистильщиком обуви, чтобы поддержать свое образование.

В 1927 году Айяла поступил в Национальную консерваторию, изучая скрипку у Ревуэльтаса и композицию у Чавеса, Мануэля Понсе, Уизара и Хулиана Каррильо, среди прочих.Четыре года спустя он занял позицию второго скрипача в OSM, прежде чем покинуть Мехико в 1940 году, чтобы дирижировать полицейским оркестром в Мериде. В этот период Айяла был наиболее плодовитым композитором, хотя за свою карьеру он написал относительно мало произведений. Возможно, самое известное из сочинений Айалы — симфоническая поэма «Трибу» 1934 года, премьера которой состоялась Чавесом с OSM в следующем году, она была вдохновлена ​​образами Чичен-Ицы и его собственными корнями майя.

После своего возвращения на Юкатан Айяла много сделал для развития музыки в своем родном штате во второй половине 20-го века.В 1942 году он основал оркестр Orquesta Típica Yukalpetén, который исполняет произведения юкатекских композиторов; в 1944 году он был назначен дирижером Симфонического оркестра Мериды и директором Консерватории Юкатана, что привело к значительному снижению его композиционных достижений. В 1955 году он стал директором музыкальной школы в Веракрусе, где провел последние двадцать лет своей жизни; он скончался в Халапе, Веракрус, 20 июня 1975 года.

Несмотря на то, что после отъезда из Мехико Айала написал относительно небольшое количество композиций, за годы до своей смерти Аяла сделал одну заметную работу — концертино 1974 года для фортепиано с оркестром, в котором гораздо больше «традиционного» неоклассического стиля, чем его более ранние композиционные произведения.

Сальвадор Контрерас

Как и у Айалы, музыка Сальвадора Контрераса значительно изменилась в течение его карьеры, длившейся несколько десятилетий. Он родился в городе Куэрамаро 10 ноября 1910 года, он, как и Айала, изучал скрипку у Ревуэльтаса и композицию у Чавеса, присоединившись к OSM в 1932 году. В 1947 году он добился своего первого заметного успеха в качестве композитора, получив премию OSM за композицию. для своего Сюита для оркестра.В течение следующих нескольких десятилетий Контрерас занимал несколько административных должностей и профессоров в Национальном институте изящных искусств в Мехико. Он также продолжал сочинять большую часть своей карьеры — его последняя работа, Simbolos , была завершена в 1979 году.

Хотя его стиль, как и стиль всех четырех композиторов «Grupo de los cuatro», изначально был импрессионистическим и националистическим по своей природе — часто включающий народные мелодии и синкопированные ритмы, — Контрерас в конце концов обратился к сериализму в 1960-х и 1970-х годах.Хотя я не могу найти информацию о более поздних этапах карьеры Контрераса, этот прогресс можно широко увидеть в таких произведениях, как его второй струнный квартет 1936 года, его 1940 Música para orquesta sinfónica и его сборник 1971 года Siete Preludios para Piano . (Если вам понравились записи и вы хотите услышать больше о Контрерасе, посмотрите канал, который их загрузил, просто названный «Сальвадор Контрерас».)

Блас Галиндо (Мюзикл)

Блас Галиндо , последний член Grupo de los cuatro, был еще одним важным участником мексиканского националистического композиционного движения.Галиндо, родившийся в Сан-Габриэле в Халиско 3 февраля 1910 года, поступил в школу в возрасте девяти лет; его семья бежала из города на несколько лет после свержения Порфирио Диаса, но он вернулся в 1928 году, завершив учебу и организовав муниципальный оркестр. В возрасте 21 года он переехал в Мехико, чтобы поступить в Национальную консерваторию, где учился у Карлоса Чавеса по композиции и Мануэля Родригеса Вискарры по классу фортепиано; Периодически посещая консерваторию, он формально не окончил ее более десяти лет.В 1941 и 1942 годах он учился у Аарона Копленда в музыкальном центре Беркшира (ныне Тэнглвуд), где исполнялась его оркестровая сюита Arroyos . В это время Галиндо написал, пожалуй, свое самое известное произведение — красочную оркестровую сюиту Sones de Mariachi , в которой звучат мелодии в исполнении знаменитых мексиканских ансамблей мариачи.

Галиндо вернулся в Мексику в качестве профессора композиции в национальной консерватории в конце 1942 года, а пять лет спустя был назначен директором консерватории.К концу 1940-х его сочинения и выступления в качестве пианиста достигли всемирного уровня, и в 1949 году его пригласили судить четвертый конкурс пианистов имени Шопена в Варшаве.

В 1960 году Галиндо наконец-то получил возможность сосредоточиться на композиции благодаря стипендии министра народного образования Мексики, и пять лет спустя он ушел на пенсию, чтобы полностью посвятить себя сочинительству; он продолжал писать до конца 1980-х годов. Одно из самых интересных произведений Галиндо этого периода — концерт 1973 года для электрогитары с оркестром, первый в истории концерт классического композитора для инструмента.

Галиндо продолжал сочинять музыку до конца 1980-х, написав в общей сложности более 150 работ; он скончался 19 апреля 1993 года в возрасте 83 лет.

В целом «Grupo de los cuatro» представляют собой увлекательную группу композиторов, как с точки зрения качества их произведений, так и с точки зрения их вклада в развитие мексиканской классической музыки. Хотя многие из этих произведений, вероятно, будут весьма популярны у собирающейся на концерты публики из-за их динамичного и красочного характера, только Moncayo Huapango исполняется с какой-либо регулярностью за пределами Мексики.Я надеюсь, что это изменится в ближайшие несколько десятилетий!

Если вам понравилась эта статья, пожалуйста, оставьте лайк или подписку! Я поеду на музыкальный фестиваль в Бревар в четверг, поэтому я не уверен, когда у меня будет время написать больше постов, но я надеюсь и дальше публиковать сообщения раз в неделю или полторы недели, так как я делаю в настоящее время.

(Для этой статьи я использовал статьи Википедии на английском и испанском (перевод Google) по каждому из четырех описанных композиторов. Я попытался поискать другие источники, но их, похоже, немного и они далеко друг от друга — если кто-нибудь знает, где можно узнайте больше об Аяле и Контрерасе в частности, дайте мне знать!)

Любимые «Неизвестные» композиторы

Туре Рангстрем — это тот, чья музыка у меня есть. Шведский, которого в свое время считали «радикальным», хотя его музыка на самом деле довольно консервативна, особенно по сравнению со Стравинским или Шенбергом. Мне нравится его музыка.

У меня много любимых «неизвестных», возможно, слишком много, чтобы перечислять их здесь.Вот два:

Я бы добавил в свой список Войцеха Килара из Польши и Йона Лейфа из Исландии. Килар начинал как модернист в традициях Пендерецкого и Горецки, но с возрастом он «смягчился», и его идиома сместилась в сторону определенного минимализма. Он, вероятно, наиболее известен своей музыкой к фильму Фрэнсиса Форда Копполы «Дракула» 1992 года.

Лейф сочинял с 1920-х до своей смерти в 1960-х. Его музыку очень сложно описать … и ее сложно отнести к конкретному стилю.Он лежит где-то в позднем романтизме и суровом модернизме. В нем сочетаются древнее и современное, и я подозреваю, что это может сбить с толку многих. У него есть склонность к описанию чудес исландских природных явлений, таких как гейзеры и водопады, в своей музыке, используя сокрушительные ударные эффекты (камни, деревянные пни, корабельные цепи, наковальни … и ружья [это ударные орудия? Деревянные духовые?] ). Одно из его самых известных произведений — Гекла, описывающее одноименный вулкан. Лейфс увидел его извержение в 1940-х годах, и это, очевидно, произвело на него впечатление.Часто описываемое как самое громкое из когда-либо написанных классических произведений, оно использует причудливую ударную батарею, как описано выше. Несмотря на то, что в музыке мало мелодии, в ней есть хорошее настроение и характер, и на самом деле она представляет собой один большой звуковой эффект. Отнюдь не легка для ушей, это как минимум интересно и шокирующе … и если вы ненавидите своих соседей, они должны услышать, как вы взорвали это.

Современные композиторы, чью музыку нужно открывать уже сегодня!

Новая музыка такого разнообразия, фантазии и оригинальности, здесь каждый найдет что-то для себя

Культурные соображения — не единственное, что в последнее время привлекло внимание многих женщин-композиторов.Полвека назад совершенно разные таланты Лютьенса, Макончи и Теи Масгрейв не должны были бояться сравнения со своими современниками-мужчинами — ситуация, отраженная сейчас с появлением нового поколения на новой музыкальной сцене, среди которого Анна Клайн бросается в глаза своей красотой. скорость, с которой ее произведения превратились в зрелую идиому, всегда ясную в своем композиционном мастерстве и мгновенную в своем эмоциональном воздействии.

Родившаяся в Лондоне, Клайн изучала музыку в Эдинбургском университете, затем в Манхэттенской музыкальной школе, где ее наставниками была Джулия Вулф — член-основательница влиятельного ансамбля Bang on a Can, который заказал и исполнил несколько ее ранних произведений.Клайн начала сочинять примерно в 10 лет, и, хотя первые признанные работы датируются ее ранним двадцатилетием, юношеское удовольствие от открытия, а также от осознания необычных звуковых комбинаций является константой во всей ее музыке, появившейся в то время. .

Читать статью полностью: ‘Современный композитор — Анна Клайн’

Каждый аспект традиционного «классического» композиторского мастерства требует определенной степени компромисса.Нотация, какой бы скрупулезной она ни была, никогда не сможет полностью представить произведение в том виде, в каком он был создан в воображении композитора; и никакое исполнение или запись никогда не смогут полностью воссоздать каждое намерение партитуры — так что это становится компромиссом за компромиссом. Это, конечно, не означает, что весь бизнес по написанию и записи музыки — бесплодное занятие, просто каждый элемент процесса, требующий «перевода» музыки на другой носитель, перемещает музыку дальше от первоначальная концепция композитора — иногда к лучшему, иногда к худшему.

Прогресс в ценовой доступности и доступности технологий записи за последние несколько десятилетий позволил писать и записывать музыку для целых альбомов из дома, практически в одиночку, не более чем на портативном компьютере. Эта модель была широко распространена в поп-музыке в течение многих лет, но есть также много композиторов, которые сами создают записи, представляющие большой интерес для читателей Gramophone , и одним из наиболее убедительных и успешных является Хильдур Гуднадоттир.

Читать статью полностью: ‘Современный композитор — Хильдур Гуднадоттир’

Влиятельная фигура и вдохновляющий образец для подражания для молодых музыкантов, уважаемый и восхищаемый коллегами-композиторами и исполнителями, признанный столпами британского музыкального истеблишмента, Эрроллин Валлен является ведущей фигурой в современном мире классической музыки.Но путешествие, которое она предприняла, было чем-то нетрадиционным. В самом деле, иначе и быть не могло.

Она родилась в Белизе, а в возрасте двух лет вместе с родителями переехала в Лондон. Музыкантом она стала почти случайно, потому что происходила из музыкальной семьи: ее отец был прекрасным певцом-любителем, который писал песни и приобщал свою маленькую дочь к джазу, блюзу и записям Эллы Фицджеральд. Как заядлый танцор, Валлен впервые ощутил классическую музыку в балетном классе, когда аккомпаниатор внезапно начал играть Шопена.Она была абсолютно очарована и сразу же приступила к изучению классической музыки — как в ее традиционных, так и в более современных формах.

Читать статью полностью: ‘Современный композитор — Эрроллин Валлен’

По мере того, как советская система постепенно теряла власть в течение 1980-х годов, широкий диапазон композиционных голосов был выпущен в более широкий музыкальный мир. Поколение «неофициальных» композиторов, фактически являвшееся андеграундным движением в 1960-х и 1970-х годах, внезапно стало заметным.Западная аудитория познакомилась с изощренным полистилизмом Альфреда Шнитке, эзотерическим сериализмом Эдисона Денисова, безмятежной тинтиннабализацией Арво Пярта и Софии Губайдулиной. Ее музыку было и до сих пор трудно классифицировать. Она религиозный максималист, который использует зачастую жестокий модернистский язык, чтобы выразить и исследовать аспекты своей христианской веры. Ее музыка всегда кажется непосредственной и спонтанной, но при этом опирается на сложные математические процедуры. И хотя она охватывает радость, надежду и свет в своей музыке, она делает это с помощью крайних контрастов, часто ведя своих слушателей через темные и тревожные места на своем очень индивидуальном пути к трансценденции.

Гидон Кремер привлек внимание мировой общественности к музыке Губайдулиной, когда он дал премьеру ее скрипичного концерта Offertorium в Вене в 1981 году. Советским властям почти удалось помешать проведению концерта, но это стало возможным благодаря инициативному западному издателю Губайдулиной. Юрген Кехель, который тайно вывез партитуру из страны, чтобы передать ее Кремеру. Премьера имела большой успех, и Кремер продолжал распространять информацию в последующие годы, давая исполнение концерта с ведущими оркестрами по всему миру.

Читать статью полностью: ‘Современный композитор — София Губайдулина’

‘Бесчисленные награды и достижения Дженнифер Хигдон впечатляют по любым стандартам, но особенно в мире современной классической музыки. Она получила Пулитцеровскую премию и премию Грэмми. Ее музыка настолько востребована, что она может сочинять исключительно на заказ. А среди ее чемпионов — солисты высшего уровня, ансамбли и оркестры. Согласно недавнему опросу оркестров США, Хигдон — один из самых исполняемых американских композиторов из ныне живущих.

‘Однако самое яркое достижение Хигдон не так легко вписывается в биографию, и именно поэтому ее музыка проникла во все слои классической музыкальной культуры в Соединенных Штатах. Просмотрите страницу «Предстоящие выступления» ее официального сайта, и вы обнаружите, что ее произведения исполняются не только Хьюстонским симфоническим оркестром и Филадельфийским оркестром, но также муниципальными, общественными и школьными ансамблями по всей стране. На первый взгляд, это простая формула: Хигдон пишет музыку, которая нравится слушателям, а музыкантам нравится играть.Но неужели все так просто? .. »

Читать статью полностью: ‘Современный композитор — Дженнифер Хигдон’

«В век многозадачности, полимодального восприятия и мультисенсорного опыта мы все теперь должны стать эрудитами. Как сказал Винни Мирчандани в своем предисловии к The New Polymath (Wiley: 2010): «[Мы] больше не можем быть одним человеком, а совокупностью многих». ? Индивидуальность, глубина, талант? Может быть, гений?

‘Лера Ауэрбах — эрудит в первоначальном смысле этого слова, как это определяется и защищается писателями и мыслителями эпохи Возрождения; но она также очень художник своего времени.Помимо того, что она успешный композитор и пианистка, она также художник, скульптор, либреттист и автор нескольких сборников стихов и прозы, но для Ауэрбаха эта внемузыкальная деятельность не является упражнением в дилетантизме: все формы искусства взаимосвязаны и призваны питать и поддерживать друг друга … ‘

Читать статью полностью: ‘Современный композитор — Лера Ауэрбах’

‘В каком-то смысле музыка была первым языком Салли Бимиш.Ее мать, скрипачка, научила ее читать и писать ноты в возрасте четырех лет — до того, как она научилась играть на музыкальном инструменте, прежде чем она могла даже читать или писать слова. Она рисовала маленькие цветы или лица на рукописи, а ее мама интерпретировала, как могут звучать графические обозначения. «Я всегда хотела делать свои собственные вещи», — говорит она. «Я сама шила себе одежду, писала рассказы, рисовала…» Когда она начала учиться игре на фортепиано в возрасте пяти лет, она сконструировала себе небольшую тетрадку.

‘Сегодня Бимиш — один из самых занятых и наиболее уважаемых композиторов Великобритании, с большим количеством заказов на музыку, начиная от крупномасштабных балетов и ораторий до камерных, театральных и сольных произведений.К 60 годам у нее уже есть каталог из более чем 200 произведений, и это число быстро растет: в этом году она написала три фортепианных концерта, а также несколько других проектов. Для многих слушателей большая привлекательность музыки Бимиш — это пространство, которое она находит между мягкостью и сталью — ее умение сочетать народную лирику, эмоциональную откровенность, чувство естественного мира и движущую силу с ритмом плюс реальная экономия, прямота, светящиеся оркестровки и строгость ремесла. Она из тех композиторов, которые, кажется, точно знают, что она хочет сказать в произведении, и находят наиболее сострадательный и наименее привередливый способ сказать это… ‘

Читать статью полностью: ‘Современный композитор — Салли Бимиш’

‘В последние четверть века в американской классической музыке доминировала эстетика минимализма, которая вышла на первый план как реакция на модернистское мышление, которое ранее господствовало. В настоящее время он представляет собой виртуальный лингва-франка с точки зрения своего влияния на основных композиторов. Другие, однако, оглядывались (не из гнева и тем более из ностальгии) в эпоху, когда аспекты модернизма были связаны со свободно развивающейся тональностью, так что открывались новые возможности для исследования.Лишь недавно этот подход снова стал популярным, и Августа Рид Томас стала одним из его ведущих представителей.

‘Томас родился в Глен Коув, Лонг-Айленд, в апреле 1964 года. Он учился в Йельском университете, а затем в Королевской музыкальной академии в Лондоне и Северо-Западном университете Чикаго. Говорить о влияниях часто излишне субъективно, однако два композитора, с которыми она контактировала в этот период, оставили свой след в ее музыке в самом прямом и позитивном смысле.От Джейкоба Дракмана (1928-96) она впитала ценность инструментального цвета как формального и выразительного компонента, а не просто внешнего украшения, в то время как в Дональде Эрбе (1927-2008) у нее был пример оркестратора, которому нет равных в это уважение среди американских композиторов его поколения. С самого начала это придавало музыке Томаса ясность концепции и точность жестов (будь то в самых коротких инструментальных миниатюрах или в крупномасштабных оркестровых произведениях), которые служат центром ее часто замысловатых фактур и переливающихся гармоний — тем самым обеспечение того, чтобы ее работа источала непосредственность и коммуникативность, независимо от степени сложности и диссонанса… ‘

Читать статью полностью: ‘Contemporary composer — Augusta Read Thomas’

‘Все любопытнее и любопытнее. Прослушивание музыки Унсук Чин может стать настоящим приключением в стране чудес Алисы. Мы начинаем со знакомой территории, с простых и привлекательных музыкальных идей, но постепенно они превращаются в сложные и тревожные текстуры. Вскоре мы оказываемся в кроличьей норе, и все становится не так, как кажется. Музыка кажется стабильной, пока тонкое изменение гармонии не представит ее в совершенно новом свете.Перспективы меняются, мотивы и мелодии искажаются и искажаются. Простота уступает место соблазнительной сложности. Затем все останавливается, часто с глухим ударом перкуссии, и мы остаемся в созерцании причудливого поворота событий. Это был сон?

‘Унсук Чин была очарована Алисой в стране чудес с детства, и она вдохновила большую часть ее музыки, в первую очередь ее оперу Алиса 2007 года. Но ее взгляд на историю самобытен. Опера полна моментов интриги и удивления, но они противопоставляются резким представлениям о брутальной абсурдности сказки — фантастической, но всегда ясной концепции, типичной для Чина.Как кореец, живущий в Германии, она смотрит на европейскую культуру со стороны, и ее музыка регулярно подчеркивает ее укоренившиеся парадоксы. Она голос разума, наводящий порядок в сюрреалистическом. Прежде всего, она приносит ясность, какой бы сложной ни становилась ее музыка, каждая нота остается слышимой, каждая мотивация ясна … »

Читать статью полностью: ‘Современный композитор — Унсук Чин’

Прежде чем обозначить свои произведения условно через пять линий нотного станка, Анна Торвальдсдоттир буквально рисует их.Нетронутые карандашные иллюстрации, порождаемые этим процессом, заслуживают внимания. Один из них воспроизведен на обложке — и внутри буклета, в более полной версии — того, что было первым альбомом, в котором была представлена ​​ее музыка и только ее музыка: Rhízoma .

На чертеже изображен последовательный, но неровный горизонт из двух почти горизонтальных линий в противоположных точках. Под ним несколько корней собираются к одному толстому стволу, а затем распадаются на четыре ветви, раздираясь наружу в своих конечных точках (это может быть грозный вулкан; это может быть сорная репа).Мысли в текстовой форме разбросаны вокруг скрупулезно прописными буквами: «В постоянном развитии» / «Колокольчик» / «Я предполагаю, что продолжительность этой пьесы будет примерно 12-14 минут».

Выступая на открытой сессии вопросов и ответов в Копенгагене в январе, Торвальдсдоттир объяснила, что она использует подобные рисунки в качестве вспомогательных средств для создания композиции, приспособлений для «нанесения на карту того, где движется произведение». Но они содержат жизненно важные структурные подсказки для всех нас. В случае этого конкретного рисунка — изображения пьесы Streaming Arhythmia (2007) — мы можем проследить, как биология подземных корней или «корневищ» повлияла на развитие музыки.Эскиз также имеет сверхъестественное сходство с ландшафтом Исландии Торвальдсдоттира: бесплодная и очень атмосферная местность, характеризующаяся черными скалами, темным мхом, резко очерченными вулканическими пиками и полным отсутствием деревьев.

Читать статью полностью: ‘Современный композитор — Анна Торвальдсдоттир’

Музыка Ольги Нойвирт ( b 1968) богата аллюзиями, свободно перемещаясь между разными ориентирами, такими как Монтеверди, Вайль, Майлз Дэвис и Клаус Номи.Она процитировала влияние Булеза на Beastie Boys. Но если и есть художник, чей эстетический подход кажется особенно близким ей, то это вовсе не музыкант — это кинорежиссер Дэвид Линч, независимый режиссер, создавший такую ​​культовую классику, как Twin Peaks (1990-91; 2017). , Lost Highway (1997) и Mulholland Drive (2001). Причудливые сопоставления, сюрреалистические повороты повествования, яркие образы непонятного значения: его фильмы не только странные, но и сверхъестественные — иногда даже необъяснимые — поскольку они путешествуют в сказочные миры, в которых стандартные правила времени, пространства и смысла, кажется, ускользают.Музыка может быть более абстрактным средством, чем фильм, но работы Нойвирта доказывают, что их способность быть столь же захватывающе непостижима. Ее музыка увлекательна и провокационна не несмотря на свою странность, а благодаря ей.

Сравнение с Линч спровоцировала себя Нойвирт, когда она в сотрудничестве со своей соотечественницей Эльфридой Елинек, получившей Нобелевскую премию, превратила фильм, который некоторые называют самым странным Линч, в оперу. Трудно представить более смелый выбор фильма для оперной обработки, но фрагментарная, многомерная музыка Нойвирта создает нечто, что каким-то образом кажется родственным духом оригиналу.В какой-то момент и в фильме, и в опере (за некоторое время до того, как он необъяснимым образом превратился в автомеханика), главный герой Фред объясняет, почему у него нет видеокамеры. «Я люблю запоминать вещи по-своему, — говорит он. «Как я их запомнил. Не обязательно так, как они произошли ». Возможно, опера использует аналогичный подход к адаптации фильма, превращая его в новые формы — гиперэкспрессионистская вокальная акробатика для одного персонажа, невозмутимая устная речь для другого, жуткий фальцет для третьего — при этом сохраняя сюжет и усиление нуара подводного течения.На самом деле, возможно, именно этим и занимается вся опера, взяв суть рассказа и усилив ее интенсивность за счет обрезанных строк текста и стремительных потоков музыки. Безусловно, опера редко изображает события «такими, как они произошли».

Читать статью полностью: ‘Современный композитор — Ольга Нойвирт’

Кайя Саариахо (, , 1952, Хельсинки) — одна из выдающихся женщин-композиторов на планете и одна из ведущих творческих фигур любого пола своего поколения; по-настоящему оригинальный исполнитель с очень самобытным музыкальным стилем и личным голосом, который разрабатывался и совершенствовался десятилетиями.Награды, которые она получила за эти годы, свидетельствуют об этом, в том числе премия Кранихштайнера (1986), музыкальная премия Северного совета (2000, для Лона), премия Гравемейера (2003, за ее первую оперу, L’amour de loin ). ), премии Неммерса в области композиции (2007 г.), премии Вихури Сибелиуса (2009 г.) и музыкальной премии Леони Соннинг (2011 г.).

Тем не менее, она также очень закрытый человек, и многое из ее биографии в значительной степени неизвестно, не в последнюю очередь то, что она родилась Кайя Лаакконен: «торговая марка» Саариахо — имя ее первого мужа.Она училась у Хайнинена в Академии Сибелиуса, с другими членами удивительного поколения финских композиторов, включая Эса-Пекка Салонена и Магнуса Линдберга. Дальнейшие исследования последовали с Брайаном Фернейхо и Клаусом Хубером; в равной степени определяющее влияние оказали Тристан Мюрай и Жерар Гризи, главные представители спектральной музыки (музыка, ставящая тембр и звук выше других композиционных соображений), что привело ее к IRCAM и 30-летнему проживанию в Париже, недавно со вторым мужем Жан-Батистом Баррьер.Хотя она сделала первый прорыв с оркестровым оркестром Verblendungen (1984), именно с ее ослепительным очаровательным nonet-with-electronics Lichtbogen («Arches of Light», 1986) она прорвалась на более широкую сцену. Его эфирные гипнотические текстуры были вдохновлены северным сиянием, а использование электроники оказалось пророческим для ее будущей карьеры. Еще более важным было сочетание тонкости звука и внутренней стали, что делает ее работы привлекательными для слуха, но при этом прочными и убедительными как структуры.

Читать статью полностью: ‘Современный композитор — Кайя Саариахо’

Однажды на вопрос, есть ли у нее какой-нибудь совет для молодых композиторов, Теа Масгрейв ответила: «Не надо, если только в этом нет необходимости; тогда ты все равно сделаешь это ». Масгрейв — шотландский композитор, дирижер, пианист и педагог, которой в этом месяце исполняется 90 лет, — жила по своему собственному совету. В ее подходе, в том, как она говорит о своей музыке, в том, как она соблюдает сроки и пишет практичные, несуетливые партитуры, есть ясная рациональность, которая вызывает симпатию к ней комиссаров и оркестровых музыкантов.

Но ниже прагматизма музыка Масгрейва — это драма. Будь то ее остро проницательные оперы или не повествовательные инструментальные произведения, она давно очарована врожденной драматичностью человеческого поведения: психологическим танцем разговора, взаимодействия, конфронтации и умиротворения. Она композитор, который осознает, что музыка отражает жизнь, что музыка может формировать наш образ жизни, что эмоциональный и даже физический состав музыкантов является неотъемлемой частью воздействия любого выступления.Проще говоря, ее работа прямо и сочувственно говорит обо всех нас. «Есть основные человеческие истины», — говорит она, и именно эти истины она исследует в своей музыке.

Читать статью полностью: ‘Современный композитор — Теа Масгрейв’

В современной музыке происходит революция иного рода, и в ее основе лежит Роксанна Пануфник. Это не радикальная революция, призванная полностью изменить старый порядок в духе Шенберга или Кейджа.Вместо этого это тихая революция, которая использует силу музыки для объединения людей, принадлежащих к разным культурам, религиям и политическим убеждениям: революция, которая больше похожа на Джона Леннона, чем на Джона Кейджа.

По словам Пануфника: «Моя миссия — кричать с крыш о красоте музыки всех этих религий». Речь идет о том, чтобы объединить нас. Слишком часто мы думаем не о том, что у нас общего, а о нашей крошечной доле отличия друг от друга ».

Отец Роксанны, конечно, не забыл о важности социальной и политической функции музыки.Известный, пользующийся большим уважением и уважаемый польский композитор сэр Анджей Пануфник (1914-91) был вынужден избежать сурового послевоенного климата своей родной страны в 1954 году. Он прибыл в Лондон и примерно девять лет спустя женился на писателе и фотографе. Камилла Джессел. Роксанна родилась в 1968 году.

Читать статью полностью: ‘Современный композитор — Роксанна Пануфник’

Раскрывая историю афроамериканских композиторов

от Franck Mercurio

Фраза «американская музыка» вызывает в воображении образы джаза, блюза, кантри-вестерна, госпела, рок-н-ролла, хип-хопа и даже Бродвея — музыкальных традиций, зародившихся и культивируемых здесь, в Соединенных Штатах, и ныне известных и которыми пользуются слушатели по всему миру.

А как насчет классической музыки в Америке? Отчетливо американский бренд современной классики часто теряется в смеси, когда речь идет об американских музыкальных традициях. Когда это признается, жанр часто представлен пожилыми белыми мужчинами — Аароном Коплэндом, Филипом Глассом и Джоном Адамсом — однако этот стереотип не подходит к кругу американских композиторов-классиков, к которым относятся афроамериканцы, как мужчины, так и женщины. Их работа уникальным образом отражает американскую жизнь, но через призму классики.

Исторически сложилось так, что работы многих из этих афроамериканских композиторов были недооценены или даже потеряны — «скрыты» от истории до тех пор, пока в последние годы не были заново открыты учеными и музыкантами. Одна из таких «находок» оказалась знаковым моментом в истории музыки: молодая пара купила старый дом в Сент-Анне, штат Иллинойс. Когда они начали его ремонтировать, они наткнулись на несколько рукописных нот, спрятанных в полуразрушенном здании. Многие выставили подпись Флоренс Прайс.Но кем была Флоренс Прайс? После некоторого исследования пара выяснила, что когда-то дом принадлежал первопроходцу афроамериканского композитора-классика. Партитура представляет собой некоторые из ее неизвестных и утерянных произведений — музыку, которая, наконец, станет достоянием общественности.

Прайс умер в 1953 году в возрасте 65 лет, прямо перед тем, как движение за гражданские права начало набирать обороты. (Решение «Браун против Совета по образованию» было решено в 1954 году.) Жизнь афроамериканского композитора-классика была трудной в ту эпоху — не говоря уже о жизни женщины-композитора, — тем не менее Прайс преодолела оба препятствия и получила изрядное признание во время своей продолжительность жизни.

Но это была тяжело выигранная битва, о чем свидетельствует количество работ, томившихся в летнем доме Прайс в годы после ее смерти. Только в течение последних нескольких десятилетий ее сочинения вновь вошли в классический репертуар, в том числе ее фортепианный концерт в одном движении (1933), который в свое время добился умеренного успеха с выступлениями в Чикаго и Питтсбурге до того, как оригинальная оркестровая партитура была утеряна. Швейцарский пианист Луи Швизгебель исполняет это произведение в его реорганизованной форме с Симфоническим оркестром Цинциннати (CSO) на концертах American Life (15–16 ноября).

Приглашенный дирижер Томас Уилкинс руководит оркестром в этой программе, посвященной разным произведениям афроамериканских композиторов разных периодов времени. Среди них Афроамериканская симфония Уильяма Гранта Стилла (1930) и Гарлем Дюка Эллингтона (1951) наиболее тесно связаны с Гарлемским Возрождением.

Также представлены современные афроамериканские композиторы. В фильме Адольфуса Хейлсторка «Американский порт захода» (1985) возникают образы родного города композитора Норфолк, штат Вирджиния, и отражается то, что Хейлсторк описывает как «резкую, а иногда и нежную, и даже таинственную энергию оживленного американского портового города.В книге Джеймса Ли III «Суккот через туманность Ориона» (2011) вспоминаются параллели между изгнанием библейских евреев в пустыне и переходом афроамериканцев в XIX веке от рабства к свободе.

Осенний праздник Суккот, на который ссылается Ли, не только отмечает прошлые события, но и обещает лучшее будущее. С этой точки зрения American Life — это захватывающее исследование нитей, связывающих великих афроамериканских композиторов прошлого и настоящего. Он распознает «скрытые истории», возвращая к жизни ранее забытые музыкальные жемчужины, отмечая текущие достижения и с нетерпением ожидая будущих достижений.

В своей серии записей «Восходящее солнце» Лара Даунс вновь сосредоточила внимание на темнокожих композиторах: обманчивая каденция: NPR

Лара Даунс. Ее последний альбом « Phenomenal Women » включал записи композиций чернокожих женщин-композиторов, наследие которых было проигнорировано классическим истеблишментом. Макс Барретт / Предоставлено автором скрыть подпись

Лара Даунс.Ее последний альбом « Phenomenal Women » включал записи композиций чернокожих женщин-композиторов, наследие которых было проигнорировано классическим истеблишментом.

Возможно, вы знаете ее как ведущую веб-сериала NPR Music, Amplify с Ларой Даунс , или по ее работе концертной пианисткой — в каждом из них цель Даунса состояла в том, чтобы поднять творчество чернокожих артистов.Ее новый проект, Rising Sun Music, представляет собой что-то вроде комбинации: Даунс будет выпускать мини-альбом каждый месяц, пока она сможет поддерживать его, чтобы выделить пропущенные и забытые композиции черных артистов в традициях классической музыки. В честь Месяца женской истории его последняя запись посвящена некоторым недооцененным и недооцененным произведениям женщин-композиторов и исполнителей.

«Это очень неприятно — всегда смотреть на родословную, которая не отражает вас», — говорит Даунс.«Как человек смешанной расы, сначала это было очень личное. А потом это стало историей, которую я действительно хотел рассказать, потому что эта история меняет другую историю. Знаете, она меняет историю того, что такое классическая музыка. , но это также меняет представление о том, что такое американская история ».

Рэйчел Мартин поговорила с Даунсом о трех художниках, которых она недавно представила в сериале, и о том, как она надеется, что их работы, некоторые из которых навсегда утеряны для истории, вдохновят молодых художников.

Рэйчел Мартин : Ваши новые записи интересны, потому что, хотя композиторы не совсем неизвестны, некоторые композиции неизвестны.И они, кажется, что-то раскрывают о каждой из женщин. Поговорим об этом. Я хочу начать с «Баркароллы» Флоренс Прайс. Просто дайте нам представление о том, кем была Флоренс Прайс.

Лара Даунс : Ну, она была силой природы. Она была той женщиной, которая жила вне своего времени или опережала свое время. Она родилась незадолго до начала 20-го века в Арканзасе, мигрировала на север, в Чикаго, и только что сделала потрясающую карьеру. Она вошла в историю в 1933 году.Она была первой чернокожей женщиной-композитором, когда-либо выступавшей в большом симфоническом оркестре с Чикагским симфоническим оркестром на Всемирной выставке. И у нее просто были амбиции, которые, знаете, перекликаются со мной … пытаясь пробиться в этом очень мужском, очень белом мире. И она делала необычные вещи.

Что говорит о ней эта статья?

Во-первых, это запись мировой премьеры. Причина в том, что большая часть ее работы была потеряна. Это не было обнаружено до 2009 года, когда молодая пара, ремонтирующая дом в Иллинойсе, нашла коробки и коробки с брошенными рукописями.Вы знаете, случайное открытие … Итак, я принимал участие в воскрешении всей этой утраченной музыки. И это музыкальное произведение показывает мне ее по-настоящему рабочую, повседневную сторону. Она была трудолюбивым композитором; она писала, чтобы оплатить счета. Она пишет музыку для юных пианистов, студентов. И есть амбициозная сторона, это написание симфоний и желание сделать себе имя — а есть часть, которая действительно похожа на повседневную практику ее ремесла. Я думаю, это то, что мы слышим в этом очень интимном маленьком произведении.

Давайте поговорим о другом художнике, Хейзел Скотт. Это называется «душевный покой».

Я думаю, что люди, которые знают имя Хейзел Скотт, знают ее как артиста: она была главной звездой 30-40-х годов. Она была вундеркиндом — она ​​прославилась этими яркими, зажигательными версиями классической музыки, что в то время было чем-то вроде. Она снималась в кино и была первым чернокожим американцем, ведущим собственное телешоу. Но потом все развалилось в 50-х, в эпоху Маккарти.Она попала в черный список и в итоге переехала в Париж. Я чувствую, что ее жизнь запоминается больше в снимках, чем в полноте того, кем она была.

Что вас привлекло в этом произведении?

Это одно из произведений, которые она написала сама. В основном она работала по американским стандартам песенников, но кое-что написала и свою собственную музыку. И я думаю, это отражает ее подлинный голос. Она записала это произведение в 1955 году, и это прекрасная запись … но я хотел привнести эту музыку в настоящее.Друг моего сына, юный фанатик джаза, записал это для меня нота за нотой. Так что такое ощущение, что мы стираем с нее пыль и возвращаем ее обратно.

Мне это нравится. Мы собираемся услышать еще об одном исполнителе, Норе Дуглас Холт и ее песне «Nora’s Dance».

Если бы я мог путешествовать во времени, я бы хотел вернуться в Гарлемский Ренессанс — эту энергию, это творчество, этот расцвет. И Нора Дуглас Холт — одна из тех, кого я хотел бы посетить.Она была дикой и сумасшедшей, просто этот грандиозный персонаж … Она была известна своими безумными вечеринками и была своего рода музой и покровительницей Гарлемского Возрождения. Но она была еще и очень творческой женщиной: писательницей, композитором. И она написала лот музыки. Большая часть этого потеряна для нас, потому что в 1926 году она уехала за границу на продолжительное время. А пока ее не было, украли все ее вещи, в том числе, насколько я понимаю, почти 200 музыкальных композиций. Итак, этот был опубликован в журнале, литературном журнале, который она основала.

И так оно и есть. И я был очень счастлив сохранить это музыкальное произведение.

Вы изменили название пьесы, вы называете запись «Танец Норы», но это было не первоначальное название, верно?

Право. Это красивое, веселое, очень доступное произведение, идеально подходящее для изучающих фортепиано. Моя главная миссия в этом проекте — о следующем поколении, о маленьких девочках — я хочу, чтобы они увидели себя в этой музыке.Но первоначальное название этой пьесы было «Танец негров». А это сложно. Для меня это проблематично. И я думаю, что это будет проблематично для многих учителей фортепиано, которые захотят назначить музыкальное произведение своим ученикам.