Содержание

7 выдающихся женщин-композиторов — Wonderzine

За несколько лет до Первой мировой неприметный чешский композитор и концертирующий пианист Вацлав Капрал основал в родном Брно частную музыкальную школу для начинающих пианистов. Школа продолжила существование и после войны, вскоре вообще заработав репутацию чуть ли не самой лучшей в стране. Поток желающих учиться, причём учиться конкретно у самого Капрала, даже ненадолго заставил композитора задуматься о прекращении всей остальной своей деятельности в пользу преподавания.

К счастью, его дочь Витезслава, на тот момент ещё не отпраздновавшая своё десятилетие, вдруг начала демонстрировать необыкновенные способности к музыке. Девочка играла на фортепиано лучше многих взрослых профессионалов, заучивала наизусть весь классический песенный репертуар и даже принялась писать небольшие пьесы. Капрал разработал удивительный по степени самонадеянности, глупости и меркантильности план: вырастить из Витезславы настоящего монстра музыки, способного заменить его в качестве основного преподавателя семейной школы.

Разумеется, ничего такого не произошло. Амбициозная Витезслава, возжелавшая стать композитором и дирижёром, в пятнадцать лет поступила сразу на два соответствующих факультета в местную консерваторию. Чтобы женщина, да хочет дирижировать — такого в Чехии 30-х до Капраловой не видали. А чтобы сразу и дирижировать, и сочинять — это вообще было немыслимо. Именно сочинять музыку в первую очередь и принялась новозачисленная студентка — причём такого качества, такого стилистического разнообразия и в таких объёмах, что и сравнить толком не с кем.

Понятно, почему в сериале «Моцарт в джунглях» именно Капралова становится ролевой моделью для не умеющей сидеть сложа руки героини по имени Лиззи: Витезслава умерла от туберкулёза в возрасте 25 лет — но при этом количество написанных ею композиций превосходит каталоги очень и очень многих авторов. Логично предположить, впрочем, что до своего окончательного композиторского триумфа эта феноменальная девушка не дожила. При всём их формальном качестве, сочинения Капраловой стилистически всё-таки очень похожи на музыку ведущего чешского композитора тех лет Богуслава Мартину, по совместительству большого друга семьи Капрал, знавшего Витезславу с детства и даже успевшего без памяти влюбиться в неё незадолго до смерти девушки.

Текст песни Манижи высоко оценили мировые композиторы-песенники

Болгария, Италия, Нидерланды, Бельгия и Россия номинированы на премию Eurostory Best Lyrics Award. Эта награда вручается в пятый раз за лучшие тексты песен Евровидения каждого года.

Вручает ее Eurostory.nl - это онлайн-литературно-публицистический журнал обо всем, что связано с песенным конкурсом "Евровидение". Издание основано писателями из Нидерландов, которые стремились создать платформу, позволяющую серьезно взглянуть на этот европейский феномен. Предыдущие награды были завоеваны Украиной (2016 год), Францией (2017 и 2018) и Италией (2019), а сегодня объявили пять стран-номинантов 2021 года.

Премия Eurostory Best Lyrics Award - авторитетна. В 2018 и 2019 годах эта награда упоминалась на брифинге для комментаторов "Евровидения" и привлекала все больше внимания среди стран-участниц конкурса. Как и в предыдущие годы, победитель будет определен путем публичного голосования на сайте. https://eurostory.nl/en/eurostory-award-2021-nominees И профессиональное жюри, состоящее из более чем 75 международных авторов, журналистов, издателей, авторов песен и бывших участников выберет лауреатов. Они проголосуют в ближайшие недели, и прямо перед фестивалем в Роттердаме все узнают победителя премии Eurostory Best Lyrics Award 2021.

Шорт-лист составлен композиторами-песенниками, которые работают с текстом для музыкальных произведений буквально каждый день. Они и выбрали следующие пять текстов песен. Причем "Русская женщина" - песня Манижи (авторы текста Ори Авни,Ори Каплан и сама Манижа) попала в номинацию с формулировкой: "Метафора для всех женщин во всем мире, которые не могут перейти улицу, не опасаясь преследований." Болгарская композиция "Взросление - это старение" получила определение "История совершеннолетия за три минуты". Итальянская Zitti e buoni: "Грубый крик неудачников этого фальшивого общества". Нидерландская "Рождение нового века": "Умоляющая, активистская песня, которая сохраняет легкий тон, набухая в ненавязчивый гимн". Бельгийская "Неправильное место": "Песня о свидании на одну ночь без использования клише".

Что касается формулировки для российской песни - нельзя не отметить, как оказались прозорливы и авторы, и канал, и певица - тема борьбы женщин за свои права сегодня актуальна в мире, как никогда прежде. Но еще важны и текст, и исполнение. Первое уже отметили, отобрав произведение в пятерку номинантов. Второе получит оценку уже в мае.

У Бетховена была дочь. Так ли это? | Культура и стиль жизни в Германии и Европе | DW

8 апреля 1813 года в Вене родилась девочка. При крещении ей было дано имя Мария Терезиа Сельма Арриа Корнелия Минона (Maria Theresia Selma Arria Cornelia Minona). И вряд ли судьба этой женщины заинтересовала бы кого-нибудь спустя два столетия, если бы не одно обстоятельство. Существует предположение, что Минона фон Штакельберг (Minona von Stackelberg) была дочерью знаменитого композитора. И чем ближе надвигается 250-летний юбилей Людвига ван Бетховена (Ludwig van Beethoven, 1770-1827), тем острее желание разгадать, каким же он был на самом деле, этот легендарный композитор.

Письмо, с которого все началось

Сенсацией это, конечно, не назовешь. Еще весной 1827 года его биограф и близкий друг Антон Шиндлер (Anton Schindler, 1795-1864) нашел это письмо в ящике письменного стола после смерти Бетховена, вместе с акциями и миниатюрными портретами двух неизвестных дам. Это было письмо "Бессмертной возлюбленной". Потребовалось приложить немало усердия, чтобы расшифровать почерк немецкого композитора. И вот содержание письма стало доступным музыковедам, а позднее и широкой общественности. Но кому были адресованы строки страсти, написанные карандашом на десяти страницах: "Ангел мой, жизнь моя, мое второе я… Разве любовь может существовать без жертв, без самоотверже­ния; разве ты можешь сделать так, чтобы я всецело принадлежал тебе, ты мне, боже мой!"

Ответить на этот вопрос не так просто. Сам Бетховен был небольшого роста, статностью и безупречной красотой не обладал, но это не мешало ему постоянно влюбляться. И любовь его была не безответной. Бетховен был не только любвеобильным, но и любимым женщинами. Для него любовь была потребностью, источником вдохновения, и дамы это чувствовали. Поэтому до сих пор так и неизвестно, к кому было обращено это страстное послание. Среди возможных адресатов исследователями указывались настоящие красавицы того времени, которые еще при жизни стали претендентками на звание "бессмертной возлюбленной" великого композитора.

В венском обществе Минона слыла дамой со странностями

История с возлюбленной покрыта тайной. Неизвестно, было ли письмо отправлено и получал ли его адресат. Из неразборчивого почерка композитора удалось установить следующее. Письмо было датировано утром и вечером понедельника 6 июля. Несмотря на отсутствие года, можно предположить, что оно было написано в 1812 году, когда Наполеон начал свое наступление на Россию, а 41-летний Бетховен находился в санатории в Теплице. Он был заездом и в Карлсбаде (сегодня - Карловы Вары). Поблизости в то же самое время могли находиться две дамы из ближайшего окружения Бетховена - Антониа Брентано (Antonia Brentano) и графиня Жозефина Брунсвик (Josephine Brunsvik). Обе выступали как предполагаемые кандидатки на роль таинственной "бессмертной возлюбленной". Ученые долго спорили о том, кому же на самом деле было адресовано послание, разбившись на два лагеря. "Сторонники" Жозефины со временем одержали верх.

Однако ни ту, ни другую версию нельзя назвать однозначной. Жозефина Брунсвик де Коромпа очаровала немецкого композитора, когда ей было 19 лет. В Вене Бетховен преподавал ей и ее сестре Терезе, которая в него тоже успела влюбиться, игру на фортепиано.

Когда Жозефина вышла замуж за графа, Бетховен сильно переживал. Страсть между композитором и графиней вспыхнула вновь после смерти ее мужа графа фон Дейм в 1804 году (Graf von Deym). В 1970-е годы была обнаружена любовная переписка между композитором и вдовой. Письма были написаны в период с 1804 по 1809 годы и по стилю очень напоминали письмо "бессмертной возлюбленной". Вскоре Жозефина разорвала отношения с Людвигом, но, возможно, влюбленные не смогли окончательно порвать все связи и сошлись вновь спустя какое-то время.

Чей был ребенок?

Жозефина Брунсвик была женщиной любвеобильной. Она прожила 42 года. У нее было восемь детей, от разных мужчин. Два ребенка родились вне брака: ее дочери Мари Лаура и Эмилия. Любопытно, что отцами девочек были преподаватели, которые обучали детей в семье Брунсвик: Кристоф фон Штакельберг (Christoph von Stackelberg) и Карл Эдуард фон Андреан (Karl Eduard von Andrehan). Как и Бетховен, смеем заметить. В 1812 году Жозефину покинул ее второй супруг. Она находилась в крайне растерянном состоянии, писала ее сестра Тереза.

Девять месяцев спустя после того, как было написано уже упомянутое письмо, в начале апреля 1813 года на свет появилась Минона, седьмой по счету ребенок Жозефины. Официально отцом ребенка стал Кристоф фон Штакельберг, с которым на тот момент Жозефина состояла в браке. Но девочкой она совсем не интересовалась. Она фактически "подарила" ее своей сестре Терезии. Позже отец забрал Минону вместе с ее сестрой Мари у матери и воспитывал их в строгости в Эстонии. Девочки росли в изоляции от общества. И только после смерти Штакельберга Минона смогла вернуться в Вену, где она прожила до самой смерти. Женщина скончалась, когда ей было 84 года. Ее отличительной чертой был балтийский акцент. И в венском обществе она слыла дамой со странностями.

Сцена из оперы "Минона" в Регенсбурге

Печальная судьба Миноны вдохновила живущего в Германии эстонского композитора Юрия Рейнвере на создание оперы. В январе 2020 года в немецком городе Регенсбурге состоялась премьера оперы "Минона". Юрий Рейнвере, собирая материал для своей работы, наткнулся на интересные детали. Оказывается, Минона была одаренным музыкальным ребенком. И у девочки был своенравный характер. Она пыталась противостоять суровым методам воспитания своего отца, но ее характер был сломлен. Эстонский композитор показывает печальную историю жизни Миноны, на которую оказали влияние двое мужчин-идеалистов - Штакельберг и Бетховен.

И кто же все-таки был отцом Миноны? На ее детских фотографиях исследователи находят сходство с великим композитором. Но эта тайна, похоже, так и останется тайной и для будущих поколений.

Смотрите также:

  • Тайм-менеджмент великих людей

    Людвиг ван Бетховен (1770-1827)

    Строго придерживаться определенного режима дня было одним из главных правил немецкого композитора и пианиста Людвига ван Бетховена (Ludwig von Beethoven). Так, ежедневно после обеда он в любую погоду отправлялся на прогулку, причем всегда брал с собой лист бумаги и карандаш. Пребывание на свежем воздухе давало возможность лучше концентрироваться и еще более продуктивно работать.

  • Тайм-менеджмент великих людей

    Уильям Фолкнер (1897-1962)

    Для продуктивной работы распорядок дня очень важен. Очередное свидетельство тому - книга американского журналиста и писателя Мейсона Карри "Режим гения: Распорядок дня великих людей". В ней описаны особенности образа жизни людей, зачисленных историей в разряд гениев. Американский писатель и нобелевский лауреат Уильям Фолкнер, например, во время работы никого не пускал в свой кабинет.

  • Тайм-менеджмент великих людей

    Марк Твен (1835-1910)

    Американский писатель, журналист и общественный деятель Марк Твен тоже не позволял никому тревожить его во время работы, иначе он просто не мог сконцентрироваться. Он строго-настрого запрещал даже членам семьи не только переступать порог своего кабинета, но и приближаться к нему. В случае если Твен был по какой-то причине срочно нужен, домашним следовало трубить в горн.

  • Тайм-менеджмент великих людей

    Зигмунд Фрейд (1856-1939)

    Австрийский психолог, психиатр, невролог, основатель психоанализа Зигмунд Фрейд (Sigmund Freud) придумал рецепт, позволявший ему сосредотачивать внимание исключительно на работе и не отвлекаться по мелочам. Секрет был прост: каждое утро жене Фрейда, Марте (Martha Freud), следовало подбирать для супруга костюм и аксессуары, вплоть до носовых платков, и даже выдавливать пасту на его зубную щетку.

  • Тайм-менеджмент великих людей

    Серен Кьеркегор (1813-1855)

    Датский философ, теолог и писатель Серен Кьеркегор начинал свой день с того, что садился за письменный стол, а в полдень отправлялся на длительную прогулку. На свежем воздухе ему лучше думалось. Чтобы не забыть осенившие его мысли, сразу же по возвращении домой Кьеркегор, даже не снимая плаща и шляпы и не отложив в сторону зонтик, бросался записывать свои оригинальные идеи.

  • Тайм-менеджмент великих людей

    Вольфганг Амадей Моцарт (1756-1791)

    Австрийский композитор и музыкант-виртуоз Вольфганг Амадей Моцарт (Wolfgang Amadeus Mozart) всегда вставал не позднее шести часов утра. Его день был заполнен до предела: сочинение музыки, уроки детям богатых горожан, концерты, общественная деятельность. Ложиться спать приходилось очень поздно. Но иной жизни Моцарт себе не представлял.

  • Тайм-менеджмент великих людей

    Эрнест Хемингуэй (1899-1961)

    Американский писатель, журналист, нобелевский лауреат Эрнест Хемингуэй каждый день поднимался с постели с рассветом и тут же принимался за работу. По утрам, когда воздух был особенно чист и прохладен и никто не беспокоил, ему писалось лучше всего. Хемингуэй придумал таблицу, в которую в конце дня вносил количество написанных за прошедший день слов - "чтобы самого себя не обманывать".

  • Тайм-менеджмент великих людей

    Густав Малер (1860-1911)

    Австрийский композитор и дирижер Густав Малер (Gustav Mahler) просыпался с первыми петухами, на скорую руку завтракал и брался за творчество. Он не выносил, когда его что-либо отвлекало от работы. И супруга Малера, до замужества сама сочинявшая музыку, не осмеливалась садиться за фортепиано, а еще она предлагала соседям билеты в оперу, если они будут держать своих собак взаперти.

  • Тайм-менеджмент великих людей

    Энди Уорхол (1928-1987)

    Художник, продюсер, дизайнер, писатель, коллекционер, издатель, кинорежиссер - в одном лице. Американец Энди Уорхол отличался удивительной работоспособностью. Каждое утро он начинал с того, что звонил своему другу и соавтору Пэт Хэкет и сообщал о сделанном за прошедшие сутки. "Устный дневник" отнимал порой два часа. Пэт записывала сказанное, а потом распечатывала текст на пишущей машинке.

  • Тайм-менеджмент великих людей

    Пабло Пикассо (1881-1973)

    Испанский художник, скульптор, график и дизайнер Пабло Пикассо поздно ложился спать и поздно вставал. За работу принимался после обеда, а заканчивал трудиться затемно. В студию, где он творил, без разрешения нельзя было входить никому. От бытовых проблем Пикасо предпочитал отгораживаться. В пищу потреблял только овощи, рыбу, рис и виноград, а пил лишь минеральную воду.

    Автор: Наталия Королева


великий дирижёр и неизвестный композитор – Радио Орфей (Москва 99,2 FM)

В середине прошлого века он возглавлял сразу два главных оркестра нашей страны — в Большом театре и на Всесоюзном радио, и при этом писал музыку, о которой почти никто ничего не знал. 21 января исполняется 130 лет со дня рождения замечательного советского дирижёра, пианиста, композитора и педагога Николая Семёновича Голованова.

Он одинаково плодотворно работал в разных сферах музыки — оперной, симфонической и вокально-хоровой, в том числе духовной. Но соотношение между ними при этом было различным. Опере он посвятил практически всю жизнь, отдав Большому театру с перерывами около четверти века — то в должности хормейстера, то простого дирижера, и лишь в самом конце — главного и продирижировав там чуть ли не всем русским оперным репертуаром. На радио он проработал несколько меньше — всего 16 лет, но зато без перерывов и все время в роли худрука, исполнив и записав на пленку огромное количество симфонических произведений XIX и ХХ веков. А вот церковно-хорову музыку, свою и чужую, он мог исполнять только до революции, окончив Синодальное училище и став регентом. После 1917 года она, естественно, звучать уже не могла и писалась им только «в стол». Но то же самое касается и его светских сочинений — опер, романсов, симфонических поэм и т. д. Включать их в свои концертные программы, пользуясь правом дирижера, он считал неэтичным и ограничивался лишь фортепианным аккомпанементом своей жене, певице Антонине Неждановой, исполнявшей иногда его замечательные вокальные творения.

Сын простого крестьянина, осевшего в Москве, Голованов с детства обладал прекрасным голосом и в 9 лет был принят Синодальное хоровое училище на полный пансион, на что претендовали 300 с лишним одаренных детей со всей России. Здесь под руководством корифеев русского православного пения Орлова, Калинникова, Кастальского и других он становится профессиональным регентом, участвует в церковных службах, гастролирует по Европе с Синодальным хором. Его даже отмечают царственные особы — кайзер Вильгельм и Великая княгиня Елизавета. Затем юноша оканчивает Московскую консерваторию с золотой медалью по классу композиции и через год поступает хормейстером в Большой театр, с которым будет связан всю жизнь. Там же он находит и свое личное счастье, оперную примадонну Антонину Нежданову, ставшую его гражданской женой. Ей он посвящает один из своих многочисленных романсов, «Грёзу» на стихи Игоря Северянина, и потом будет ей часто аккомпанировать на фортепиано во время ее сольных концертов.

Октябрьскую революцию Голованов встречает уже полноправным дирижёром главного театра страны, где успешно дирижирует операми Глинки, Мусоргского, Чайковского, Римского-Корсакова и других русских классиков. Он также преподает в Московской консерватории, сотрудничает со Станиславским в его оперной студии, организует в 1924 году первые трансляции музыкальных спектаклей по Всесоюзному радио, а чуть позже создает специальный радиотеатр, знакомящий слушателей СССР с шедеврами мирового оперного искусства. Однако успехи музыканта вызывают зависть у многочисленных недоброжелателей, которые обвиняют его в авторитарных методах работы, буржуазном консерватизме, сдерживании молодых талантов и прочей «головановщине», на что обратил внимание даже сам глава государства Сталин. В итоге — временный уход дирижера из театра. Но через 10 лет атака повторяется, и маэстро переходит в оркестр Радиокомитета. В Большой он вернется уже только после войны.

Истинная причина нападок на Голованова — в его феноменальном владении дирижерской профессией, огромной требовательности к исполнителям, певцам и оркестрантам, в тщательной работе с ними и максимальной выкладке во время репетиций и спектаклей. Не каждому был по нраву такой подход, который обеспечивал красочность и отточенность всех фраз и деталей произведения, идеальное равновесие между участниками исполнения — оркестрантами и солистами, масштабность и гармоничность их общего звучания. Все эти качества воплощены в многочисленных грамзаписях дирижера и его лучших спектаклях на сцене Большого театра, удостоенных 4-х Сталинских премий с 1946 по 1951 год. Гораздо меньше повезло его собственным музыкальным творениям, прежде всего его гениальным духовным хорам на религиозные тексты, о которых почти никто не знал в советское время.

Интерес к ним появляется только в XXI веке, в том числе благодаря проекту «Возрождаем наследие русских композиторов» Российского музыкального телерадиоцентра, второй сезон которого в 2016 году был полностью посвящен композиторскому творчеству Николая Семёновича Голованова.

Текст — Анатолий Лысенков.

На фестивале Чайковского в Клину исполнят неизвестные публике произведения композитора

С 31 июля по 9 августа 2929 года в Государственном мемориальном музыкальном музее-заповеднике П.И. Чайковского в подмосковном Клину пройдёт VI международный фестиваль искусств. Все концерты пройдут в формате open air. В программе - классика и премьеры. 7 августа зрители увидят спектакль-концерт «Неизвестный Чайковский» в постановке Дмитрия Бертмана. О том, что ждёт поклонников классической музыки, рассказал в эфире «Радио1» – информационного партнера проекта – художественный руководитель театра «Геликон-опера», Народный артист России Дмитрий Бертман.

Этот год приносит сюрпризы артистам. Они выступают в непривычных форматах: онлайн или на сцене под открытым небом. Сложно ли оркестру исполнять произведения не в камерной обстановке, а в формате open air?

Наш театр это уже опробовал много раз и за рубежом, и главное – в России. Даже в условиях нашей нестабильной погоды. Последние годы мы выступали каждый год и в Коломне, и в Серпухове, и в Дмитрове и, конечно, в Клину. Это место для нас, как, наверное, и для всех музыкантов, является священным. Мы каждый год принимаем участие в фестивале. Мы играли спектакли и концерты. И поэтому у нас это уже отрепетировано. В ситуации, которая сегодня происходит в мире, в частности, в этой войне коронавируса с оперой и балетом, с театрами, где, особенно с балетом, коронавирус борется не просто со спектаклями, а с жанрами, это опасно для потери вообще этих искусств. И сейчас есть шанс у нас, что мы выйдем на сцену, на open air, и у нас будет концерт. Вообще этот фестиваль, мне кажется, очень важен. Это такое историческое событие не только потому, что это фестиваль Чайковского – нам Чайковский помогает выйти из этой жуткой истории.

Спектакль в вашей постановке называется «Неизвестный Чайковский». Он отсылает к каким-то неизвестным фактам биографии или речь идет о произведениях композитора?

Это тоже будет исторический момент. Это концерт, в котором примет участие большой симфонический оркестр под руководством Владимира Ивановича Федосеева – он будет дирижировать. Он является музыкальным руководителем нашего театра «Геликон-опера», поэтому мы с Большим симфоническим оркестром вместе очень много работали. Он двумя этими коллективами управляет. Концерт будет с очень интересной программой. Очень редко исполняемые произведения, а некоторые будут исполнены впервые. Есть и те, которые исполняли много-много десятилетий назад. Это тот Чайковский, которого не знает зритель. Чайковский много раз начинал писать оперы и бросал. Поэтому есть незавершённые произведения, уничтоженные, но остались какие-то фрагменты. И из этого будет состоять концерт. Это будут, например, арии из «Гамлета», каватина Альмавивы из оперы Чайковского «Севильский цирюльник» – никто не знал, что Чайковский начинал писать оперу «Севильский цирюльник». Или, например «Снегурочка» – тоже он начинал писать, а потом сделал музыку к драме «Снегурочка», но не написал оперы. Это опера «Мандрагора».  Чайковский же был любознательным человеком, и когда мы приходим в музей в Клину и нам проводят экскурсию, то экскурсовод всегда подводит к библиотеке Чайковского и показывает широту его интересов. И там есть книги, например, по устройству муравьев. И вот у Чайковского есть такая опера – «Мандрагора». И там есть хор цветов и насекомых. Это тоже никто не исполняет. Будет в концерте и этот отрывок. Будут отрывки из его трагической уничтоженной оперы «Ундина». Эту оперу он считал одним из самых удачных произведений в жизни, и он её уничтожил в кабинете директора императорских театров – сжёг, потому что её отказались ставить. Потом он пытался её восстановить, ничего не получалось. Он написал балет «Лебединое озеро», где использовал очень много музыки из «Ундины». Поэтому для зрителя это всегда такой сюрприз, потому что, когда белое адажио, которое мы все знаем, как танцевали великие танцовщики и танцовщицы, вдруг оказывается дуэтом любовным. Кстати, в «Ундине» будет пять номеров, которые сохранились, потому что Чайковский отсылал эти номера для анонса премьеры из Петербурга в Москву. И эти пять номеров остались. Постоянно ученые работают на этим, ищут что-то еще. Нашёлся марш из «Ундины», который вообще никогда не исполнялся, – его исполнят. Сейчас издается новое собрание сочинений Чайковского: это уникальное такое явление – академическое собрание. Над ним трудится огромное количество ученых. Возглавляет проект Ада Айнбиндер, которая руководит отделом рукописи Чайковского в Клину. Начинала этот проект её великая мама – Полина Ефимовна Вайдман. Там найдены действительно грандиозные вещи. Они изданы, в том числе том «Ундины» уже издан. Мы будем исполнять именно по этой партитуре, которая уже восстановлена учеными и найдены автографы. Это ценнейший материал, который мы будем исполнять                      

Сколько артистов будет задействовано в концерте и существует ли для них какой-то регламент, связанный с размещением на сцене в условиях пандемии?

Мы все ждём от Роспотребнадзора конкретных инструкций. В оперном театре это самое сложное: когда мы в театре работаем, там состав очень многочисленный – оркестр в оркестровой яме, хор, разные мизансцены. Сейчас все говорят о зале, о шахматной рассадке. Мы ждём инструкций. В Клину это будет концертная версия, то есть это не спектакль, а именно концерт. Мы будем соблюдать социальную дистанцию. Все артисты у нас проходят тестирование. И я думаю, что тестирование будет и перед этим исполнением. Мытье рук, пользование санитайзерами – все эти меры будут приняты.    

Для тех, кому не хвалит билетов или кто не сможет посетить фестиваль, можно ли будет ещё на каких-то площадках услышать этот спектакль-концерт?

Это будет уникальный концерт. Может быть, когда-то мы его сможем повторить, но этот будет уникальный, поэтому рассчитывать на то, что он будет в репертуаре, очень тяжело. Но у нас есть замечательный партнёр фестиваля и наш большой друг – телеканал «Культура», который будет снимать все мероприятия этого фестиваля, и они будут в эфире федерального канала, поэтому все зрители, которые не попали на концерт, смогут посмотреть потом по телевидению.

Исполнение произведений именно великого Чайковского добавляет ответственности музыкантам?

Чайковский – это композитор планетарный. Это единственный русский композитор, который стал международно известен. Потому что, если говорить о Римском-Корсакове, о Мусоргском – они тоже известны, но не до такой степени, как Чайковский, который стал просто популярным композитором. Я в этом году ставил в Японии «Евгения Онегина» Чайковского и могу сказать, что в Японии на улице любой человек знает музыку Чайковского. Он у них даже в энциклопедии записан как национальный японский композитор. Чайковский – это планетарное явление. Это как Моцарт, который не принадлежит Австрии. Моцарт принадлежит всему миру. То же самое и Чайковский. Конечно, Чайковского всегда все музыканты исполняют с невероятной любовью, не просто они исполняют интересную музыку, это погружение в музыку, которая сканирует душу человека. Музыка Чайковского – это невероятная какая-то ДНК-клетка, которая входит в каждого. И поэтому ответственность, конечно, всегда. Огромное количество традиций исполнения, огромное количество исполнителей, которые исполняли Чайковского до нашего поколения. И, зная этот опыт, всегда есть ответственность, как сделать так, чтобы это не было хуже, а найти какие-то новые дороги к Чайковскому.                 

Фестиваль международный, но в этом году по причине пандемии фактически становится внутрироссийским. На ваш взгляд, наш зритель от этого потеряет или напротив приобретёт?  

Фестиваль Чайковского в Клину – это уже такой бренд, и всегда, когда мы играли, мы всегда видели переполненную площадь, перед которой поставлена сцена. Конечно, это ужасно, что происходит такое явление, и мы не можем встречать наших гостей из-за рубежа, потому что в этом фестивале принимали участие международные звезды. Я помню, как мы делали концерт Чайковского с великой певицей нашей современности – Красимирой Стояновой – звездой мировой оперы, которая в то время практически не приезжала в Россию. Для неё этот приезд был очень важен именно потому, что она пела и реально плакала рядом с домиком Чайковского. Вот что для неё значит Чайковский. Поэтому очень грустно, но я думаю, что сейчас столько наших зрителей приедет, и Клин находится близко от Москвы, сейчас новое прекрасное шоссе – час езды. Мы все мечтаем о том времени, когда «Сапсан» будет там останавливаться – это 20 минут от центра. И, конечно, главная мечта у всех – это то, что уже подписал президент – строительство концертно-театрального комплекса и академии Чайковского в Клину. И Клин тогда становится действительно тем самым Клином – историческим городом, в котором жил Петр Ильич Чайковский, где находится его мемориальный музей. Как все говорят – Зальцбургом. Притом, в отличие от Зальцбурга, с абсолютно оригинальными вещами и архивами. Это может быть такая музыкальная столица. И мы все в это верим. В этом году фестиваль возглавил Юрий Абрамович Башмет – наш выдающийся музыкант. И я очень надеюсь на то, что зрителей это ещё больше привлечет к этому фестивалю. И не только зрителей, но и тех, от кого зависит и строительство этого комплекса, и будущее этого потрясающего места на нашей российской карте. 

«Радио 1» выступает информационным партнёром фестиваля. 

Два концерта в рамках фестиваля Чайковского в Клину состоятся на сцене на воде

Цены на билеты на фестиваль Чайковского в этом году будут снижены

Классика встречает джаз. Нармин Ширалиева поделилась программой фестиваля Чайковского

Все концерты фестиваля Чайковского проведут под открытым небом

            

Неизвестный Композитор концерт и билеты в клубе «16 Тонн»

КОНЦЕРТ

Неизвестный Композитор

Четверг, 20 мая, 20:00

1. Выберите билеты

Предпродажа, танцпартер: Сумма заказа 0 ₶

Доставка билетов осуществляется в пределах МКАД с 10:00 до 18:00 в течение трех рабочих дней, включая день оформления заказа. Оставляйте дополнительные контактные телефоны: курьер звонит перед выездом.

Если вы не можете принять заказ сами, вы в праве оставить деньги и контактный телефон доверенного лица при оплате наличными. При повторной поездке взимается двойная сумма доставки.

Вы имеете право отказаться от заказа. Заблаговременно сообщите об отказе, позвонив в кассу клуба по телефону +7(499) 253-15-50.

2. Добавьте контактные данные и адрес

Давид Тухманов. К 80-летию со дня рождения композитора

Введение

Творчество композитора Давида Федоровича Тухманова любимо многими поколениями нашей страны. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1983), народный артист Российской Федерации (2000), лауреат Государственной премий Российской Федерации (2003), обладатель ордена «За заслуги перед Отечеством» IV степени, он внес большой вклад в развитие отечественного музыкального искусства.
Прежде всего, Давид Тухманов известен как автор песен, среди которых большое количество шлягеров и хитов, не теряющих своей популярности до сих пор. В 60-е – 80-е годы его песни звучали по радио, их включали в торжественные концертные программы, а пластинки расходились миллионными тиражами. Вокальные композиции исполняли как именитые певцы, так и только начинающие свою карьеру молодые музыканты, а слушатели разных возрастов напевали полюбившиеся мелодии.

Биография

20 июля нынешнего, 2020 года, композитор отметит свое 80-летие. Он родился в 1940 году в Москве в русско-армянской семье и был назван в честь деда, с которым является полным тезкой – Давид Федорович Тухманов. Отец композитора – Федор Тухманов был инженером по специальности, а мама – Вера Карасева, музыкант, композитор. Именно под влиянием матери с ранних лет Давид Тухманов начал заниматься музыкой, и в 4 года написал свое первое музыкальное произведение.
Сначала Давид Тухманов окончил Музыкальную школу при Институте имени Гнесиных по классу фортепиано, его педагогом была Елена Самойловна Эфрусси. Юный музыкант увлекался не только игрой на рояле, но и сочинением музыки. Этот опыт всячески поощряла Елена Фабиановна Гнесина – замечательная пианистка, маститый педагог, одна из основательниц музыкального училища, которое позже переросло в Институт. Тухманов писал пьесы для фортепиано и вокальные произведения – романсы и баллады. Начиная с 7 класса школы его занятия по композиции и теории музыки стали регулярными под руководством Льва Николаевича Наумова.
В 1958 году Давид Тухманов поступил на композиторское отделение Музыкально-педагогического государственного института имени Гнесиных. В институте он учился в классе Фавия Евгеньевича Витачека (любопытно отметить, что сам Витачек занимался в свое время у выдающегося композитора-симфониста Николая Яковлевича Мясковского – выпускника Санкт-Петербургской консерватории).
По окончании института в 1963 году (после выпуска Тухманов был призван в армию, служил в Ансамбле песни и пляски МВО, где руководил оркестром) дипломной работой Давида Тухманова была оратория для хора, оркестра и солистов «За далью даль», поэтическим первоисточником которой послужили фрагменты из поэмы Александра Твардовского. Также молодым автором был создан цикл баллад и романсов на стихи Генриха Гейне в переводе русских поэтов (первым исполнителем этих романсов был Александр Градский).

Композитор Тухманов

Творческий багаж Давида Тухманова выходит далеко за рамки одного жанра – эстрадной песни, ведь он – автор фортепианных пьес, сочинений для инструментальных ансамблей, камерно-вокальных опусов, мюзиклов, музыки к спектаклям, хоров для детей. Однако, именно песня стала своего рода красной нитью, проходящей через все творческие этапы композитора, и запечатлела не только внутренний мир и профессиональные интересы автора, но и атмосферу времени.
Мы вспомним некоторые песни Давида Тухманова, которые продолжают звучать и обретают новых поклонников таланта композитора.
Давид Тухманов начал работать в жанре песни в 60-е годы и поначалу был известен как аранжировщик песен Булата Окуджавы и Юрия Визбора, но в 1964 году о нем заговорили и как о композиторе. Свой первый хит – «Последняя электричка» молодой автор написал на стихи Михаила Ножкина. В 1966 году в радиопередаче «С добрым утром!» эта песня прозвучала в исполнении Владимира Макарова, открыв дорогу и другим песням Тухманова на телевидение.
«Последняя электричка» органично вписалась в советскую эстраду тех лет, впитав дух свободы, молодости, влюбленности и открытости, характерный для периода «оттепели».

  • Песня «Последняя электричка».

Стихи – Михаил Ножкин.
Исполнитель – Валерий Ободзинский (первый исполнитель В.Макаров).

Скачайте файл.

Последующие вокальные композиции Давида Тухманова не ограничились песенными стандартами 60-х годов и стилистически были разнообразны. Музыкальный кругозор, стремление к неизведанному позволили композитору избежать штампов и «окаменелости». Напротив, стиль Тухманова постоянно менялся и преобразовывался, автор искал и обретал новые манеры письма. Думается, что в этом находит проявление не только личная позиция Давида Тухманова, но и сказывается та профессиональная основа, которую композитор получил, обучаясь в Музыкально-педагогическом государственном институте имени Гнесиных в Москве (ныне – Российская академия музыки имени Гнесиных).
Музыкальное образование Давида Тухманова было фундаментальным и основательным, с влиянием академических традиций – с одной стороны, а с другой – все это соединялось с модными в то время увлечениями западной современной музыкой и смелыми экспериментами. Именно этот органичный микст, помимо таланта, и позволил Тухманову стать мастером в своем деле и идти разными стилистическими путями в творчестве.
Так, к созданию романсов – жанру чрезвычайно распространенному в XIX веке, Давид Тухманов обратится не только в годы учебы, но и в последующие периоды. Одним из лучших образцов в этом жанре можно считать романс «Напрасные слова», созданный композитором в 1987 году, а эталонным исполнением стала интерпретация Александра Малинина, записанная в следующем, 1988 году.
«Напрасные слова» – это некий образ романса, высокохудожественная стилизация, соединяющая изысканный текст, задушевную манеру исполнения, тихий гитарный аккомпанемент, как будто сочиненный здесь и сейчас. Все это настраивает на определенное эмоциональное состояние и стирает границы времени – нет ощущения, что романс написан в бурном XX столетии.

  • Романс «Напрасные слова».

Стихи – Лариса Рубальская.
Исполнитель – Александр Малинин.

Скачайте файл.

Для композитора-песенника очень важно найти своего исполнителя. Ведь именно певец является проводником песни в мир и от него во многом зависит судьба вокального сочинения. Давид Тухманов сотрудничал с лучшими исполнителями советской и российской эстрады, среди которых были Иосиф Кобзон, Лев Лещенко, Эдита Пьеха, София Ротару, Ирина Аллегрова, Людмила Сенчина, Сергей Захаров, также популярные ансамбли «Веселые ребята, «Самоцветы», «Песняры», «Лейся, песня». Композитор открыл дорогу на большую сцену таким исполнителям, как Валерий Леонтьев, Александр Барыкин, Николай Носков, Яак Йоала.
В конце 60-х – начале 70-х годов благодаря яркому и плодотворному сотрудничеству Давида Тухманова и Валерия Ободзинского прозвучали два шлягера.
В 1968 году была написана «Восточная песня». После ее появления на Всесоюзном радио в передаче «С добрым утром!» певец Валерий Ободзинский проснулся знаменитым. Песня, созданная более полувека назад, звучит и сейчас в самых разных кавер версиях.

  • «Восточная песня».

Стихи – Онегин Гаджикасимов
Исполнитель – Валерий Ободзинский.

Скачайте файл.

Два года спустя, в 1970 году появилась песня «Эти глаза напротив». Автором текста стала первая жена композитора Татьяна Сашко – фактически продюсер Тухманова, певица, композитор и поэт различных песен. Успех песни был ошеломителен!, хотя нашлись и те, кто критиковал вокальную композицию и считал, что довольно скоро она канет в Лету. Однако, и эта песня продолжает свою жизнь.

  • Песня «Эти глаза напротив».

Стихи – Татьяна Сашко.
Исполнитель – Валерий Ободзинский.

Скачайте файл.

В 1972 году был выпущен первый авторский диск «Как прекрасен мир», в котором Давид Тухманов впервые объединил песни в один альбом. Получилась пластинка, построенная по принципу сюиты: каждая из песен абсолютно самодостаточна и может быть исполнена отдельно от других, но вместе они образуют вокальный цикл, выражающий определенную идею. Сам Тухманов позже заявлял, что все его пластинки – это эксперименты в области музыки в стремлении создать что-то новое, необычное, а принцип сюитности был заимствован им у группы The Beatles – родоначальников концептуального альбома.
Для записи пластинки Тухманов пригласил молодых исполнителей – Александра Градского, Нину Бродскую, Галину Ненашеву, Юрия Антонова. Также в записи принимали участие: ансамбль «Веселые ребята», вокальный квартет «Улыбка», ансамбль «Звучат струны», Концертный эстрадный ансамбль Всесоюзного радио (дирижер – Вадим Людвиковский), Эстрадно-симфонический оркестр (дирижер – Константин Кримец), струнный ансамбль Большого симфонического оркестра, группа Большого хора Всесоюзного радио. Композитор очень тщательно работал над аранжировками песен, включенных в альбом, делая их близкими к арт-року, направлению для которого характерно соединение традиций академической музыки, выразительной мелодии, художественного текста и новаторского музыкального языка.

Список композиций дебютного диска «Как прекрасен мир» выглядит так:

  • 1. «Любовь – дитя планеты», стихи Евгения Евтушенко;
  • 2. «Только ты молчи», стихи Михаила Ножкина;
  • 3. «Любимая, спи», стихи Евгения Евтушенко;
  • 4. «Капитан», стихи Игоря Кобзева;
  • 5. «Джоконда», стихи Татьяны Сашко;
  • 6. «День без выстрела», стихи Михаила Дудина;
  • 7. «Как прекрасен этот мир», стихи Владимира Харитонова;
  • 8. «Танцевальный час на солнце», стихи Семена Кирсанова;
  • 9. «Сан Саныч», стихи Эдуарда Вериго;
  • 10. «Жил-был я», стихи Семена Кирсанова;
  • 11. «Эпилог».

Автором рецензии, запечатленной на конверте пластинки, выступил выдающийся отечественный композитор-песенник Ян Френкель. Он написал следующее: «Имя Давида Тухманова хорошо известно любителям эстрадной музыки. Уже первые песни, прозвучавшие в эфире всего несколько лет назад, обратили на себя внимание и очень скоро приобрели завидную популярность. Тухманов обращается к чрезвычайно широкому кругу слушателей, но прежде всего к молодежи, эмоциональный мир которой ему удается передать с неподдельной искренностью, правдиво и ярко. Начав с песен преимущественно лирического характера, композитор последовательно работает над расширением круга образов, создавая песни, где гражданское чувство перекликается с личным, юмор с лирикой, бытовое с фантастическим. «Как прекрасен мир» представляет собой своего рода музыкальную композицию, в которой автор расположил отобранные им песни в последовательности, строго отвечающей его драматургическому замыслу. Осуществляя свой замысел, композитор отходит от привычных форм эстрадной песни. Он смело вводит в композицию элементы симфонической и камерной музыки, доверяя музыкальной чуткости своего слушателя. Весьма сложный жанровый, интонационный и гармонический сплав отличается стилистическим единством и индивидуальным своеобразием. Особое внимание, как всегда, композитор уделяет мелодии, создает запоминающийся образ. Важным элементом композиции является изобретательная, строго продуманная аранжировка. Композиция «Как прекрасен мир» - результат вдумчивой, серьезной работы молодого композитора, лауреата Московского комсомола. Можно надеяться, она вызовет интерес среди любителей песни».

Некоторые песни данного цикла особенно популярны. К таковым можно отнести композицию «Как прекрасен этот мир», которая является лирическим центром всей сюиты. Светлая, одухотворенная, возвышенная музыка как будто бы приподнимает над действительностью и побуждает соприкоснуться с истинно прекрасным.

  • Песня «Как прекрасен этот мир».

Стихи – Владимир Харитонов.
Исполнитель –ВИА «Самоцветы» (первый исполнитель– Юрий Антонов).

Скачайте файл.

В 1976 году вышел концептуальный диск Давида Тухманова «По волне моей памяти», написанный на стихи классических поэтов. Альбом назван по одной из вошедших в него песен на стихи кубинского поэта XX века Николаса Гильена. В качестве солистов в записи приняли участие молодые, неизвестные в то время певцы – Александр Барыкин, Людмила Барыкина, Александр Лерман, Наталия Капустина, Сергей Беликов, Мехрдад Бади, Владислав Андрианов. Игорь Иванов.
Пожалуй, главной задачей для композитора стало соединение законов классической музыки с электронным звучанием. Очень много времени ушло на поиск текстов и их драматургическую компоновку в сюитном музыкальном цикле. Активное участие в этом принимала Татьяна Сашко, которая считала, что в этом альбоме важно «подать классическую поэзию в современной музыкальной обработке». У Давида Тухманова было такое мнение об этом альбоме: «Я считал, что работа сложная, эстетически слишком изысканная и вряд ли будет популярна». Однако пластинка была распродана тиражом в 2,5 миллиона экземпляров.

Список композиций диска «По волне моей памяти» выглядит так:

  • 1. «Я мысленно вхожу в Ваш кабинет», стихи Максимилиана Волошина;
  • 2. «Из Сафо», перевод Викентия Вересаева;
  • 3. «Из вагантов», перевод Льва Гинзбурга;
  • 4. «Приглашение к путешествию», стихи Шарля Бодлера, перевод Ирины Озеровой;
  • 5. «Доброй ночи», стихи Перси Биши Шелли;
  • 6. «По волне моей памяти», стихи Николаса Гильена, перевод Инны Тыняновой;
  • 7. «Сентиментальная прогулка», стихи Поля Верлена, перевод Ариадны Эфрон;
  • 8. «Сердце мое, сердце», стихи Иоганна Вольфганга Гете, перевод Вильгельма Левика;
  • 9. «Смятение», стихи Анны Ахматовой;
  • 10. «Посвящение в альбом», стихи Адама Мицкевича, перевод Семена Кирсанова)

Романс «Я мысленно вхожу в Ваш кабинет».
Стихи – Максимилиан Волошин.
Исполнитель – Мехрдад Бади.

Скачайте файл.

Самой популярной песней цикла стала «Из вагантов», которую также называют «Песенкой студента» или просто «Студент». В ее основе вольный перевод латинского текста песни вагантов (странствующих студентов, бродячих поэтов) XIII века.

  • Песня «Из вагантов».

Перевод – Лев Гинзбург.
Исполнитель – Игорь Иванов.

Скачайте файл.

В конце 80-х годов в творчестве Давида Тухманова появилась новая грань: он обращается к детской тематике. В 1989 году в содружестве с известным поэтом Юрием Энтиным был написан мюзикл «Багдадский вор», премьера которого состоялась в 1990 году в московском театре «Сатирикон» и одновременно в Свердловском (Екатеринбургском) театре музыкальной комедии. Позже композитор работал и над другими детскими музыкальными проектами, создавая репертуар для детских ансамблей, хоров и театральных шоу. Вместе с Юрием Энтиным написаны песенные циклы: «Золотая горка», «О многих шестиногих», «Бяки-Буки», «Ужастик-парк», «Гоголь-Моголь-Дискотека», «Игра в классики», изданные в нотных сборниках, на компакт-дисках и аудиокассетах. Также Давид Тухманов является автором гимна Международного фестиваля детского анимационного кино « Золотая рыбка».
В области эстрады в 80-е годы рождаются новые хиты композитора. В 1986 году Давид Тухманов стал художественным руководителем группы «Электроклуб», куда входили солисты Ирина Аллегрова и Игорь Тальков. Игорь Тальков пробыл в составе группе только год, но в течение этого времени он был своего рода идеологом коллектива. Особую популярность принесла лирическая песня «Чистые пруды», прозвучавшая на фестивале «Песня года -87».

  • Песня «Чистые пруды».

Стихи – Леонид Фадеев.
Исполнитель – Игорь Тальков.

Скачайте файл.

К песням лирической направленности Давид Тухманов обращался неоднократно. Так, в 1973 году для фильма «Эта веселая планета» им был написан саундтрек – песня «Наши любимые». В первоначальной версии ее исполнял ВИА «Песняры» с сольным вокалом руководителя коллектива Владимира Мулявина. Инсценированное выступление ансамбля вошло в ткань фильма. Эта песня очень полюбилась не только слушателям, но и исполнителям. Ее пела Мария Пахоменко, вокальный квартет «Аккорд» и многие другие. В 70-е годы песня «Наши любимые» была одной из самых популярных в СССР.

  • Песня «Наши любимые».

Стихи – Игорь Шаферан.
Исполнитель – ВИА «Песняры».

Скачайте файл.

К числу наиболее известных песен Давида Тухманова относится песня «Семейный альбом», которая стала визитной карточкой Эдиты Пьехи и прочно вошла в репертуар певицы.

  • Песня «Семейный альбом».

Стихи – Михаил Танич.
Исполнитель – ВИА «Веселые ребята».

Скачайте файл.

Особое внимание композитор уделял созданию песен патриотической направленности. В 1972 году Давид Тухманов был удостоен Премии Московского комсомола за песни «День без выстрела», «Мы большая семья», «Земля черна» и другие. Чрезвычайно популярными стали песни «Я люблю тебя, Россия» и «Мой адрес – Советский Союз».

  • Песня «Мой адрес – Советский Союз».

Стихи – Владимир Харитонов.
Исполнитель – ВИА «Самоцветы».

Скачайте файл.

В 1975 году, к 30-летию Победы над фашисткой Германией в Союзе композиторов был объявлен конкурс на создание лучшей песни о Великой Отечественной войне, и поэт Владимир Харитонов предложил Давиду Тухманову, с которым он неоднократно сотрудничал, написать такую песню. Так появилась песня «День Победы», которая никакого места не заняла, более того в адрес ее создателей прозвучали резкие критические высказывания. Музыку Тухманова сочли фокстротом, а стихи Харитонова – легкомысленными. В результате песня была запрещена, ее не пропускали в эфир – ни на радио, ни на телевидении. Тем не менее, Лев Лещенко без официального разрешения, рискнув карьерой, исполнил «День Победы» на концерте ко Дню милиции, чем обеспечил ей народное признание. Также песня два раза прозвучала на фестивале «Песня года» в 1975 и 1976 годах.
Сейчас трудно представить какой-либо концерт, посвященный Великой Победе, без этой песни. Звучала эта музыка (инструментальная версия) и 24 июня на параде, приуроченном к 75-летию Победы в Великой Отечественной войне. Сам композитор о своей песни отзывался так: «Конечно, я счастлив, что написал «День Победы». Дал Бог!».

  • Песня «День Победы».

Стихи - Владимира Харитонова.
Исполнитель – Лев Лещенко.

Скачайте файл.

В 2000 году по случаю 60-летия Давида Тухманова проходили большие авторские концерты в ГЦКЗ «Россия». Начало XXI века отмечено в его творчестве новыми сочинениями. Так, осенью 2001 года состоялась премьера спектакля «Мадлен, спокойно!», музыку к которому Тухманов написал специально для Людмилы Гурченко. В 2002 году для празднования Дня славянской письменности и культуры в Новосибирске композитор создал ораторию «Легенда о Ермаке» для большого хора, солистов и оркестра. В июне 2003 года в московском театре сатиры состоялась премьера комедии «Слишком женатый таксист», музыкальное сопровождение к которому написано Тумановым. Также он является автором музыкального оформления для празднования Дня независимости России на Красной площади в Москве в 2003 и 2004 годах.

Обращался композитор и к камерной музыке: им созданы циклы баллад и романсов: «Квадратные окошки» на стихи Иннокентия Анненского, «Сон Себастьяна» на стихи австрийского поэта Георга Тракля, поэма для скрипки и оркестра «Святая ночь».
В 2008 году Давид Тухманов представил оперу «Царица» (авторское название «Екатерина Великая»; либретто Юрия Ряшенцева и Галины Полиди). «Царица» – это первое обращение композитора к оперному спектаклю, до этого он опер не писал. Премьера «Царицы» состоялась 22 июля 2009 года на сцене Александринского театра в Санкт-Петербурге, а 25 ноября того же года с оперой могла познакомиться и московская публика на сцене Государственного Кремлевского дворца.
С 2010 года Давид Тухманов является членом Патриаршего совета по культуре (Русская православная церковь).
В последние годы автор уделяет большее внимание академической музыке, нежели эстрадной, однако, его песни продолжают звучать и не теряют актуальности.

Дискография Давида Тухманова насчитывает сотни песен на разные темы. Известные мелодии создавались благодаря кропотливому труду и профессионализму композитора, хотя звучали так, как будто бы возникали легко и непринужденно. Мало кому удалось сочинить столько выдержавших испытание временем хитов. Тухманова без преувеличения можно назвать классиком эстрадной песни. В своем творчестве он сумел органично соединить классическую музыкальную основу, лучшие традиции советской песни и самые свежие достижения в области аранжировки и звукорежиссуры. Песни Давида Тухманова продолжают жить и радовать всех нас. С днем рождения, Маэстро!

Анастасия Александрова, музыковед,
ведущий специалист концертного отдела Санкт-Петербургской государственной консерватории имени Н. А. Римского-Корсакова

11 самых недооцененных композиторов классической музыки

17 июля 2014, 16:49 | Обновлено: 6 января 2017, 14:45

Великие композиторы получают всю славу. Но как насчет композиторов, которые жили в тени и сегодня в значительной степени забыты? Пришло время переоценить: вот 11 самых недооцененных композиторов.

Мориц Мошковски

Этот список начал свое существование как «10 самых недооцененных композиторов классической музыки», но затем Джон Суше сыграл немного Морица Мошковски в своем утреннем шоу по будням и сказал, что не слышал об этом композиторе. Слушатели Shocked Classic FM связались с Джоном и сказали, что не могут поверить, что он не знаком с творчеством Мошковского, и поэтому мы добавили его в этот список. Великий польский пианист Падеревский однажды сказал: «После Шопена Мошковский лучше всех понимает, как писать для фортепиано, и его сочинение охватывает всю гамму фортепианной техники."Блестящий молодой немецкий пианист Йозеф Муг недавно записал свой фортепианный концерт.

Джеральд Финци

Джеральд Финци был гораздо большим, чем просто композитором вечных экзаменов по кларнету, стойким приверженцем «Пяти Багателей». Он был великолепным вокалистом. Его эпопея Dies Natalis для сопрано или тенора со струнным оркестром - великолепный пример того, на что он действительно был способен. Как ни странно, он также был ответственен за спасение нескольких британских сортов яблок от исчезновения.

Малкольм Арнольд

В регулярном репертуаре спектаклей осталась лишь горстка работ Малкольма Арнольда, несмотря на то, что этот сварливый гений написал буквально сотни произведений в разных жанрах (в том числе более 100 саундтреков к фильмам). Его работы определенно эксцентричны и своеобразны, но он был таким же - попытки самоубийства, алкоголизм и неудачные браки - все это, к лучшему или худшему, сформировало его глубоко эклектичный стиль.

Эрих Корнгольд

Почему забыта музыка Эриха Корнгольда? Что ж, ситуация улучшается, но для многих пионеров киномузыки это будет просто сноска с забавным названием (имя, которое вдохновило одного критика на то, чтобы назвать его скрипичный концерт «больше кукурузы, чем золота»). К счастью, такие, как Никола Бенедетти и Андре Превен, были защитниками этого забытого первопроходца.

Фанни Мендельсон

Проблема со знаменитым братом в том, что твои собственные достижения, какими бы достойными они ни были, обычно игнорируются.Это определенно верно в отношении Фанни Мендельсон. Фанни за свою жизнь сочинила сотни произведений, не получивших большого признания, и, возможно, высшее унижение, некоторые из них даже выдавались за сочинение Феликса. Щека.

Александр Скрябин

Сильно томясь в тени более популярных русских, таких как Рахманинов и Шостакович, можно утверждать, что Скрябин на самом деле был гораздо более экспериментальным и авантюрным со своими композициями.Среди его наиболее революционных идей был «Мистериум», хоровой и оркестровый эпос с ладаном, процессиями и без зрителей, который должен был быть исполнен в течение недели в предгорьях Гималаев (хотя, к сожалению, он так и не был исполнен). Как это могло не быть хитом ?!

Ян Дисмас Зеленка

Эта недооцененная жемчужина чеха в стиле барокко была почти потеряна для современной публики после того, как целая стопка его работ была потеряна во время бомбардировки Дрездена во время Второй мировой войны.К счастью, оставалось еще много произведений, которые нужно было раскопать, и когда они были, стало ясно, что Зеленка был удивительно авантюрным композитором для своего времени, экспериментирующим с прогрессивными гармониями и заслужившим аплодисменты таких авторов, как J.S. Бах. Его никогда не изображали, он никогда не был женат и не имел детей - так что, наверное, неудивительно, что его несправедливо забыли.

Отторино Респиги

Многие отвергли Респиги как «композитора, который вложил в свои произведения звуки птиц», благодаря его изобретательному использованию тогда еще новой граммофонной технологии в его оркестровой пьесе «Сосны Рима».Но если взглянуть за пределы этого «хита», можно увидеть композитора, который был авантюристом в своих многочисленных произведениях: путешествия по Бразилии и страсть к ранней итальянской музыке придали ему совершенно индивидуальное звучание.

Джакомо Мейербер

Подумайте об опере XIX века и подумайте о гигантах: Пуччини, Верди и Вагнере. Любопытно, что именно из-за Вагнера итальянский композитор Мейербер до недавнего времени оставался в безвестности. В свое время Мейербер был одним из самых популярных оперных композиторов в мире.Вагнер, стремясь закрепить свои убеждения в популярной культуре, написал язвительные отчеты о работе Мейербера в своем антисемитском эссе «Еврейство в опере». До этого Мейербер был большим сторонником Вагнера, даже ссужая ему деньги, когда он был на самом низком уровне.

Антонио Сальери

Ох уж этот парень, тот, кто убил Моцарта. Или это то, как большинство людей думает об итальянском мастере, благодаря тому, как он был изображен в произведении Милоша Формана Amadeus : ревнивым и коварным человеком, который, возможно, не был ответственным за окончательное падение Моцарта.Хотя их соперничество общеизвестно, очень легко забыть, что Сальери был абсолютным гигантом оперы, сочинив некоторые из самых популярных произведений того времени, большинство из которых вышли из обращения.

Артур Салливан

Гилберт и Салливан были вместе, чрезвычайно успешными и восхищенными публикой, но Артур Салливан в одиночку едва ли смог повлиять на музыкальную жизнь сегодня, за исключением своих гимнов.После строгого обучения в 19 веке у Джона Госса (которого сам учил Томас Аттвуд, ученик Моцарта), Салливан получил стремительный взлет к славе как самостоятельный композитор. Затем, после сотрудничества с W.S. Гилберта, он стал известен чем-то гораздо более легким, чем ему хотелось бы, а это означает, что его более серьезная музыка была в значительной степени забыта.

Страница неизвестных композиторов

Страница неизвестных композиторов

«Неизвестно» - не лучший выбор слова; очевидно некоторые люди знают об этих композиторах, достаточно, чтобы произвести записи, компакт-диски и радио трансляции, где я слышал их музыку.Тем не менее, я думаю, что это полезный термин для того, что я пытаюсь описать: классическая музыка, которая по какой-то причине не часто слышно, но заслуживает. ИМХО конечно. Или IYHO, если бы вы поделитесь своими кандидатами. Просто отправь мне напишите письмо (jim {at} jimmosk {dot} com), и я помогу вам создать свой собственный раздел на этой странице!
Список незаслуженно неизвестных композиторов Jimmosk со звуковыми клипами в формате .WAV.

Стив Список недооцененных Шварцем шедевров известных композиторов неясное - написано в 1992 году.Стив был моим вдохновителем для этого. Спасибо большое за идею!
Поскольку это такой большой документ, я разбил его примерно на 10k разделы. Вы можете сразу перейти к любому разделу или пролистать документы. последовательно.

A B (Малькольм АРНОЛЬД - Уильям БИРД)
C D E (Джон Кейдж - Эдвард ЭЛГАР)
F G (Руководство de FALLA - Ivor GURNEY)
H I J (Г.F. HANDEL - Вернер ЙОСТЕН)
К L (Арам ХАЧАТУРЯН - Витольд ЛУТОСЛАВСКИЙ)
М Н (Эдвард МАК ДОУЭЛЛ - Карл НИЛЬСЕН)
О П (Карл ОРФФ - Генри ПЕРСЕЛЛ)
R (Сергей РАХМАНИНОВ - Карл РУГГЛЗ)
S (Эрик САТИ - Кароль ШИМАНОВСКИЙ)
т (Томас Таллис - Эрнст ТОЧ)
В (Фургон VACTOR - Ян Вацлав ВОРУШЕК)
Вт Y Z (Рихард ВАГНЕР - Ефрем ЦИМБАЛИСТ, старший)

нестандартный фортепианные шедевры, написанные участниками списка рассылки PIANO-L

Эрик Очерк Шисселя о Николае Мясковском, подробная работа находится в стадии разработки.
Эрик также написал эту статью о Роберте Fuchs.

Список малоизвестных Онно ван Райена Советские композиторы и сочинения (уже не действующие, но этот архив существует до сих пор).

Описание неизвестных немецких композиторов-романтиков Петером Штоллем

Проект «Арсонг» - это исследование земли многими неизвестными.

Вонючий сыр - композиторы, сочтенные Рэндольфом Питтсом приобретенными вкусами

Некоторые британские симфонии 20-го века - гид Ричарда Пенникуика

Бамбуковый занавес - Композиторы из Китайской Народной Республики, написанные пользователя Роберт Клементс.

Роб Барнетт публикует серию профилей британских композиторов ХХ века. В настоящее время доступны Gaze Cooper и Stanley. Уилсон

Израильский Композиторы Эдварда Эйзена

Меньший Известные произведения Прокофьева, очерк Брюса Турлиша

португальский Композиторы, представленные Луисом Афонсу

Композиторы для органа Дэвида Шнуте

Джордж Онслоу: "Французский Бетховен" Бодиме Джама

Уоррен Коэн пишет серию эссе; первый здесь, на Ричарде Арнелле

Эта прекрасная страница на британском и Irish Composers включает в себя десятки незнакомых имён

Разное короткие рекомендации от нескольких человек


О редакторе

Заявление об ограничении ответственности

Заявление об ограничении ответственности № 2

Особый музыкальный таинственный момент - угадай композитор!


Комментарии? Предложения? Напишите мне по адресу: jim {at} jimmosk {dot} com

Неизвестные и забытые композиторы

Мексика - страна с богатой историей классической музыки, в которой работали композиторы от Карлоса Чавеса и Сильвестра Ревуэльтаса в начале 20 века до Артуро Маркеса и Хавьера Альвареса сегодня.Однако ряд классических композиторов, внесших важный вклад в историю мексиканской музыки в это время, были забыты или упущены из виду. Сегодня я сосредоточусь на четырех мексиканских композиторах середины 1900-х, о которых часто забывают, которые не только создали великие произведения, вдохновленные традиционной мексиканской музыкой, но и сыграли важную роль в представлении композиционных новшеств 20-го века в своей стране.

В 1928 году Чавес, один из самых выдающихся композиторов Мексики того времени, возглавил Национальную консерваторию музыки, главное учреждение западного музыкального искусства в стране.Три года спустя, в рамках своих усилий по реформированию учебной программы консерватории, Чавес представил открытый курс под названием «Мастерская композиции», чтобы побудить композиторов писать в большем разнообразии стилей. Когда в 1934 году курс был закрыт после ухода Чавеса, в основном из-за политических обстоятельств, четыре молодых студента, принявшие курс - Даниэль Айяла, Сальвадор Контрерас, Хосе Пабло Монкайо и Блас Галиндо - стремились продемонстрировать его ценность, организовав концерт своих собственные композиции.

После успеха их первого концерта в ноябре 1935 года в статье в газете El Universal (со ссылкой на русскую «Пятерку» и французскую «Les Six») композиторы назывались «Grupo de los cuatro»; название прижилось, и участники группы станут светилами нового поколения мексиканских композиторов.

Хосе Пабло Монкайо (Википедия)

Возможно, самым известным представителем этой группы был Хосе Пабло Монкайо , который, по словам дирижера и музыковеда Армандо Торреса Чибраса, «представляет одно из самых важных наследий мексиканского национализма в музыкальном искусстве после Сильвестра Ревуэльтаса и Карлоса Чавеса. .«Монкайо родился в Гвадалахаре в 1912 году. Его впервые познакомил с музыкой его брат Франсиско. В 1926 году в возрасте четырнадцати лет он стал учеником известного композитора и пианиста Эдуардо Эрнандеса Монкада; три года спустя его приняли в Национальную консерваторию, где он изучал композицию у Канделарио Уизара. В 1932 году, примерно в то же время, когда он поступил на курс композиции Чавеса, он был принят в секцию ударных Симфонического оркестра Мексики (OSM).

Во время учебы в консерватории (большая часть которой описана выше) Монкайо написал ряд сольных и камерных произведений, которые исполнялись либо на частных концертах, либо на концертах, организованных Grupo de los cuatro.Примером его раннего стиля является «Amatzinac», написанный для необычных инструментов флейты и струнного квартета; эта работа сочетает в себе импрессионистские части с более диссонирующими идеями и, как и другие ранние камерные произведения Монкайо и его современников, помогла установить модернистскую музыку в Мексике.

В течение следующих нескольких лет, помимо деятельности Grupo de los cuatro, Монкайо работал над аранжировками традиционных мелодий для оркестровых концертов недавно сформированного Национального симфонического оркестра (созданного новым директором Национальной консерватории Эстанислао Мехиа), а дирижировал OSM. Чавес; он также дебютировал как дирижер в возрасте 24 лет в сентябре 1936 года.

В 1941 году Чавес попросил Монкайо написать пьесу на основе популярной музыки юго-восточного побережья Мексики для концерта OSM; Результатом стало то, что сейчас является самым известным оркестровым произведением Монкайо, Huapango . Основанный на популярной музыке Веракруса, которую он и его друг Блас Галиндо проводили подробные полевые исследования, Huapango представляет собой красочное, живое и вызывающее воспоминания произведение, которое до сих пор пользуется большим уважением в репертуаре мексиканских оркестров - влиятельных мексиканских музыкантов. Американский дирижер Алондра де ла Парра, безусловно, воздает ему должное!

Хотя дирижерские обязанности Монкайо в последующее десятилетие увеличатся - он был назначен дирижером Национального симфонического оркестра в 1949 году - он продолжал сочинять как камерные, так и оркестровые произведения.Написанная в том же году, что и его дирижерское назначение, оркестровая пьеса Монкайо Tierra de temporal является ярким примером его националистического, но в то же время зрелого лирического стиля; От вступительной мелодии, которую исполняют английский валторна и струнные, до громких, мощных звуков духовой части, пьеса привлекает внимание от начала до конца и передает чувство страсти и грандиозности во всем.

Увы, дирижерская и композиторская карьера Монкайо в конечном итоге оборвалась.В феврале 1954 года он дирижировал своим заключительным концертом с Национальным симфоническим оркестром; четыре года спустя, 16 июня 1958 года, он скончался в своем доме в Мехико в возрасте 46 лет.

Хотя его произведения хорошо помнят и часто играют на его родине, сочинения Монкайо редко исполняются в других странах, за исключением редких выступлений Huapango в Соединенных Штатах и ​​Европе. Смелость, лиризм и националистический дух его музыки - и, в частности, его оркестровых произведений - заслуживают большего места в репертуаре.

Намного менее известные, чем Монкайо, работы Даниэля Айяла также составляют важную часть мексиканской националистической традиции. Аяла родился в Абале, расположенном в штате Юкатан, 21 июля 1906 года. В возрасте десяти лет, вопреки воле отца, он начал свое музыкальное образование у Альфонсо Агилара Рейеса. Подростком он посещал музыкальную школу в Мериде, столице Юкатана, работая уличным торговцем и чистильщиком обуви, чтобы поддержать свое образование.

В 1927 году Айяла поступил в Национальную консерваторию, изучая скрипку у Ревуэльтаса и композицию у Чавеса, Мануэля Понсе, Уизара и Хулиана Каррильо, среди прочих.Четыре года спустя он занял позицию второго скрипача в OSM, прежде чем покинуть Мехико в 1940 году, чтобы дирижировать полицейским оркестром в Мериде. В этот период Айяла был наиболее плодовитым композитором, хотя за свою карьеру он написал относительно мало произведений. Возможно, самое известное из сочинений Айалы - симфоническая поэма «Трибу» 1934 года, премьера которой состоялась Чавесом с OSM в следующем году, она была вдохновлена ​​образами Чичен-Ицы и его собственными корнями майя.

После своего возвращения на Юкатан Айяла много сделал для развития музыки в своем родном штате во второй половине 20-го века.В 1942 году он основал оркестр Orquesta Típica Yukalpetén, который исполняет произведения юкатекских композиторов; в 1944 году он был назначен дирижером Симфонического оркестра Мериды и директором Консерватории Юкатана, что привело к значительному снижению его композиционных достижений. В 1955 году он стал директором музыкальной школы в Веракрусе, где провел последние двадцать лет своей жизни; он скончался в Халапе, Веракрус, 20 июня 1975 года.

Несмотря на то, что после отъезда из Мехико Айала написал относительно небольшое количество композиций, за годы до своей смерти Аяла сделал одну заметную работу - концертино 1974 года для фортепиано с оркестром, в котором гораздо больше «традиционного» неоклассического стиля, чем его более ранние композиционные произведения.

Сальвадор Контрерас

Как и у Айалы, музыка Сальвадора Контрераса значительно изменилась в течение его карьеры, длившейся несколько десятилетий. Он родился в городе Куэрамаро 10 ноября 1910 года, он, как и Айала, изучал скрипку у Ревуэльтаса и композицию у Чавеса, присоединившись к OSM в 1932 году. В 1947 году он добился своего первого заметного успеха в качестве композитора, получив премию OSM за композицию. для своего Сюита для оркестра.В течение следующих нескольких десятилетий Контрерас занимал несколько административных должностей и профессоров в Национальном институте изящных искусств в Мехико. Он также продолжал сочинять большую часть своей карьеры - его последняя работа, Simbolos , была завершена в 1979 году.

Хотя его стиль, как и стиль всех четырех композиторов «Grupo de los cuatro», изначально был импрессионистическим и националистическим по своей природе - часто включающий народные мелодии и синкопированные ритмы, - Контрерас в конце концов обратился к сериализму в 1960-х и 1970-х годах.Хотя я не могу найти информацию о более поздних этапах карьеры Контрераса, этот прогресс можно широко увидеть в таких произведениях, как его второй струнный квартет 1936 года, его 1940 Música para orquesta sinfónica и его сборник 1971 года Siete Preludios para Piano . (Если вам понравились записи и вы хотите услышать больше о Контрерасе, посмотрите канал, который их загрузил, просто названный «Сальвадор Контрерас».)

Блас Галиндо (Мюзикл)

Блас Галиндо , последний член Grupo de los cuatro, был еще одним важным участником мексиканского националистического композиционного движения.Галиндо, родившийся в Сан-Габриэле в Халиско 3 февраля 1910 года, поступил в школу в возрасте девяти лет; его семья бежала из города на несколько лет после свержения Порфирио Диаса, но он вернулся в 1928 году, завершив учебу и организовав муниципальный оркестр. В возрасте 21 года он переехал в Мехико, чтобы поступить в Национальную консерваторию, где учился у Карлоса Чавеса по композиции и Мануэля Родригеса Вискарры по классу фортепиано; Периодически посещая консерваторию, он формально не окончил ее более десяти лет.В 1941 и 1942 годах он учился у Аарона Копленда в музыкальном центре Беркшира (ныне Тэнглвуд), где исполнялась его оркестровая сюита Arroyos . В это время Галиндо написал, пожалуй, свое самое известное произведение - красочную оркестровую сюиту Sones de Mariachi , в которой звучат мелодии в исполнении знаменитых мексиканских ансамблей мариачи.

Галиндо вернулся в Мексику в качестве профессора композиции в национальной консерватории в конце 1942 года, а пять лет спустя был назначен директором консерватории.К концу 1940-х его сочинения и выступления в качестве пианиста достигли всемирного уровня, и в 1949 году его пригласили судить четвертый конкурс пианистов имени Шопена в Варшаве.

В 1960 году Галиндо наконец-то получил возможность сосредоточиться на композиции благодаря стипендии министра народного образования Мексики, и пять лет спустя он ушел на пенсию, чтобы полностью посвятить себя сочинительству; он продолжал писать до конца 1980-х годов. Одно из самых интересных произведений Галиндо этого периода - концерт 1973 года для электрогитары с оркестром, первый в истории концерт классического композитора для инструмента.

Галиндо продолжал сочинять музыку до конца 1980-х, написав в общей сложности более 150 работ; он скончался 19 апреля 1993 года в возрасте 83 лет.

В целом «Grupo de los cuatro» представляют собой увлекательную группу композиторов, как с точки зрения качества их произведений, так и с точки зрения их вклада в развитие мексиканской классической музыки. Хотя многие из этих произведений, вероятно, будут весьма популярны у собирающейся на концерты публики из-за их динамичного и красочного характера, только Moncayo Huapango исполняется с какой-либо регулярностью за пределами Мексики.Я надеюсь, что это изменится в ближайшие несколько десятилетий!

Если вам понравилась эта статья, пожалуйста, оставьте лайк или подписку! Я поеду на музыкальный фестиваль в Бревар в четверг, поэтому я не уверен, когда у меня будет время написать больше постов, но я надеюсь и дальше публиковать сообщения раз в неделю или полторы недели, так как я делаю в настоящее время.

(Для этой статьи я использовал статьи Википедии на английском и испанском (перевод Google) по каждому из четырех описанных композиторов. Я попытался поискать другие источники, но их, похоже, немного и они далеко друг от друга - если кто-нибудь знает, где можно узнайте больше об Аяле и Контрерасе в частности, дайте мне знать!)

Любимые "Неизвестные" композиторы

Я бы сказал, что многие из композиторов в списке Jtech не обязательно «неизвестны».По крайней мере, не в классических кругах. Я слышал о большинстве из них, и на самом деле слышал по крайней мере половину из них. Но, увы, они наверняка были бы неизвестны широкой публике ... черт возьми, большинство людей, вероятно, знает только Моцарта и Бетховена.

Туре Рангстрем - это тот, чья музыка у меня есть. Шведский, которого в свое время считали «радикальным», хотя его музыка на самом деле довольно консервативна, особенно по сравнению со Стравинским или Шенбергом. Мне нравится его музыка.

У меня много любимых «неизвестных», возможно, слишком много, чтобы перечислять их здесь.Вот два:

Я бы добавил в свой список Войцеха Килара из Польши и Йона Лейфа из Исландии. Килар начинал как модернист в традициях Пендерецкого и Горецки, но с возрастом он «смягчился», и его идиома сместилась в сторону определенного минимализма. Он, вероятно, наиболее известен своей музыкой к фильму Фрэнсиса Форда Копполы «Дракула» 1992 года.

Лейф сочинял с 1920-х до своей смерти в 1960-х. Его музыку очень сложно описать ... и ее сложно отнести к конкретному стилю.Он лежит где-то в позднем романтизме и суровом модернизме. В нем сочетаются древнее и современное, и я подозреваю, что это может сбить с толку многих. У него есть склонность к описанию чудес исландских природных явлений, таких как гейзеры и водопады, в своей музыке, используя сокрушительные ударные эффекты (камни, деревянные пни, корабельные цепи, наковальни ... и ружья [это ударные орудия? Деревянные духовые?] ). Одно из его самых известных произведений - Гекла, описывающее одноименный вулкан. Лейфс увидел его извержение в 1940-х годах, и это, очевидно, произвело на него впечатление.Часто описываемое как самое громкое из когда-либо написанных классических произведений, оно использует причудливую ударную батарею, как описано выше. Несмотря на то, что в музыке мало мелодии, в ней есть хорошее настроение и характер, и на самом деле она представляет собой один большой звуковой эффект. Отнюдь не легка для ушей, это как минимум интересно и шокирующе ... и если вы ненавидите своих соседей, они должны услышать, как вы взорвали это.

Современные композиторы, чью музыку нужно открывать уже сегодня!

Новая музыка такого разнообразия, фантазии и оригинальности, здесь каждый найдет что-то для себя

Культурные соображения - не единственное, что в последнее время привлекло внимание многих женщин-композиторов.Полвека назад совершенно разные таланты Лютьенса, Макончи и Теи Масгрейв не должны были бояться сравнения со своими современниками-мужчинами - ситуация, отраженная сейчас с появлением нового поколения на новой музыкальной сцене, среди которого Анна Клайн бросается в глаза своей красотой. скорость, с которой ее произведения превратились в зрелую идиому, всегда ясную в своем композиционном мастерстве и мгновенную в своем эмоциональном воздействии.

Родившаяся в Лондоне, Клайн изучала музыку в Эдинбургском университете, затем в Манхэттенской музыкальной школе, где ее наставниками была Джулия Вулф - член-основательница влиятельного ансамбля Bang on a Can, который заказал и исполнил несколько ее ранних произведений.Клайн начала сочинять примерно в 10 лет, и, хотя первые признанные работы датируются ее ранним двадцатилетием, юношеское удовольствие от открытия, а также от осознания необычных звуковых комбинаций является константой во всей ее музыке, появившейся в то время. .

Читать статью полностью: 'Современный композитор - Анна Клайн'

Каждый аспект традиционного "классического" композиторского мастерства требует определенной степени компромисса.Нотация, какой бы скрупулезной она ни была, никогда не сможет полностью представить произведение в том виде, в каком он был создан в воображении композитора; и никакое исполнение или запись никогда не смогут полностью воссоздать каждое намерение партитуры - так что это становится компромиссом за компромиссом. Это, конечно, не означает, что весь бизнес по написанию и записи музыки - бесплодное занятие, просто каждый элемент процесса, требующий «перевода» музыки на другой носитель, перемещает музыку дальше от первоначальная концепция композитора - иногда к лучшему, иногда к худшему.

Прогресс в ценовой доступности и доступности технологий записи за последние несколько десятилетий позволил писать и записывать музыку для целых альбомов из дома, практически в одиночку, не более чем на портативном компьютере. Эта модель была широко распространена в поп-музыке в течение многих лет, но есть также много композиторов, которые сами создают записи, представляющие большой интерес для читателей Gramophone , и одним из наиболее убедительных и успешных является Хильдур Гуднадоттир.

Читать статью полностью: 'Современный композитор - Хильдур Гуднадоттир'

Влиятельная фигура и вдохновляющий образец для подражания для молодых музыкантов, уважаемый и восхищаемый коллегами-композиторами и исполнителями, признанный столпами британского музыкального истеблишмента, Эрроллин Валлен является ведущей фигурой в современном мире классической музыки.Но путешествие, которое она предприняла, было чем-то нетрадиционным. В самом деле, иначе и быть не могло.

Она родилась в Белизе, а в возрасте двух лет вместе с родителями переехала в Лондон. Музыкантом она стала почти случайно, потому что происходила из музыкальной семьи: ее отец был прекрасным певцом-любителем, который писал песни и приобщал свою маленькую дочь к джазу, блюзу и записям Эллы Фицджеральд. Как заядлый танцор, Валлен впервые ощутил классическую музыку в балетном классе, когда аккомпаниатор внезапно начал играть Шопена.Она была абсолютно очарована и сразу же приступила к изучению классической музыки - как в ее традиционных, так и в более современных формах.

Читать статью полностью: 'Современный композитор - Эрроллин Валлен'

По мере того, как советская система постепенно теряла власть в течение 1980-х годов, широкий диапазон композиционных голосов был выпущен в более широкий музыкальный мир. Поколение «неофициальных» композиторов, фактически являвшееся андеграундным движением в 1960-х и 1970-х годах, внезапно стало заметным.Западная аудитория познакомилась с изощренным полистилизмом Альфреда Шнитке, эзотерическим сериализмом Эдисона Денисова, безмятежной тинтиннабализацией Арво Пярта и Софии Губайдулиной. Ее музыку было и до сих пор трудно классифицировать. Она религиозный максималист, который использует зачастую жестокий модернистский язык, чтобы выразить и исследовать аспекты своей христианской веры. Ее музыка всегда кажется непосредственной и спонтанной, но при этом опирается на сложные математические процедуры. И хотя она охватывает радость, надежду и свет в своей музыке, она делает это с помощью крайних контрастов, часто ведя своих слушателей через темные и тревожные места на своем очень индивидуальном пути к трансценденции.

Гидон Кремер привлек внимание мировой общественности к музыке Губайдулиной, когда он дал премьеру ее скрипичного концерта Offertorium в Вене в 1981 году. Советским властям почти удалось помешать проведению концерта, но это стало возможным благодаря инициативному западному издателю Губайдулиной. Юрген Кехель, который тайно вывез партитуру из страны, чтобы передать ее Кремеру. Премьера имела большой успех, и Кремер продолжал распространять информацию в последующие годы, давая исполнение концерта с ведущими оркестрами по всему миру.

Читать статью полностью: 'Современный композитор - София Губайдулина'

'Бесчисленные награды и достижения Дженнифер Хигдон впечатляют по любым стандартам, но особенно в мире современной классической музыки. Она получила Пулитцеровскую премию и премию Грэмми. Ее музыка настолько востребована, что она может сочинять исключительно на заказ. А среди ее чемпионов - солисты высшего уровня, ансамбли и оркестры. Согласно недавнему опросу оркестров США, Хигдон - один из самых исполняемых американских композиторов из ныне живущих.

'Однако самое яркое достижение Хигдон не так легко вписывается в биографию, и именно поэтому ее музыка проникла во все слои классической музыкальной культуры в Соединенных Штатах. Просмотрите страницу «Предстоящие выступления» ее официального сайта, и вы обнаружите, что ее произведения исполняются не только Хьюстонским симфоническим оркестром и Филадельфийским оркестром, но также муниципальными, общественными и школьными ансамблями по всей стране. На первый взгляд, это простая формула: Хигдон пишет музыку, которая нравится слушателям, а музыкантам нравится играть.Но неужели все так просто? .. »

Читать статью полностью: 'Современный композитор - Дженнифер Хигдон'

«В век многозадачности, полимодального восприятия и мультисенсорного опыта мы все теперь должны стать эрудитами. Как сказал Винни Мирчандани в своем предисловии к The New Polymath (Wiley: 2010): «[Мы] больше не можем быть одним человеком, а совокупностью многих». ? Индивидуальность, глубина, талант? Может быть, гений?

'Лера Ауэрбах - эрудит в первоначальном смысле этого слова, как это определяется и защищается писателями и мыслителями эпохи Возрождения; но она также очень художник своего времени.Помимо того, что она успешный композитор и пианистка, она также художник, скульптор, либреттист и автор нескольких сборников стихов и прозы, но для Ауэрбаха эта внемузыкальная деятельность не является упражнением в дилетантизме: все формы искусства взаимосвязаны и призваны питать и поддерживать друг друга ... '

Читать статью полностью: 'Современный композитор - Лера Ауэрбах'

'В каком-то смысле музыка была первым языком Салли Бимиш.Ее мать, скрипачка, научила ее читать и писать ноты в возрасте четырех лет - до того, как она научилась играть на музыкальном инструменте, прежде чем она могла даже читать или писать слова. Она рисовала маленькие цветы или лица на рукописи, а ее мама интерпретировала, как могут звучать графические обозначения. «Я всегда хотела делать свои собственные вещи», - говорит она. «Я сама шила себе одежду, писала рассказы, рисовала…» Когда она начала учиться игре на фортепиано в возрасте пяти лет, она сконструировала себе небольшую тетрадку.

'Сегодня Бимиш - один из самых занятых и наиболее уважаемых композиторов Великобритании, с большим количеством заказов на музыку, начиная от крупномасштабных балетов и ораторий до камерных, театральных и сольных произведений.К 60 годам у нее уже есть каталог из более чем 200 произведений, и это число быстро растет: в этом году она написала три фортепианных концерта, а также несколько других проектов. Для многих слушателей большая привлекательность музыки Бимиш - это пространство, которое она находит между мягкостью и сталью - ее умение сочетать народную лирику, эмоциональную откровенность, чувство естественного мира и движущую силу с ритмом плюс реальная экономия, прямота, светящиеся оркестровки и строгость ремесла. Она из тех композиторов, которые, кажется, точно знают, что она хочет сказать в произведении, и находят наиболее сострадательный и наименее привередливый способ сказать это... '

Читать статью полностью: 'Современный композитор - Салли Бимиш'

'В последние четверть века в американской классической музыке доминировала эстетика минимализма, которая вышла на первый план как реакция на модернистское мышление, которое ранее господствовало. В настоящее время он представляет собой виртуальный лингва-франка с точки зрения своего влияния на основных композиторов. Другие, однако, оглядывались (не из гнева и тем более из ностальгии) в эпоху, когда аспекты модернизма были связаны со свободно развивающейся тональностью, так что открывались новые возможности для исследования.Лишь недавно этот подход снова стал популярным, и Августа Рид Томас стала одним из его ведущих представителей.

'Томас родился в Глен Коув, Лонг-Айленд, в апреле 1964 года. Он учился в Йельском университете, а затем в Королевской музыкальной академии в Лондоне и Северо-Западном университете Чикаго. Говорить о влияниях часто излишне субъективно, однако два композитора, с которыми она контактировала в этот период, оставили свой след в ее музыке в самом прямом и позитивном смысле.От Джейкоба Дракмана (1928-96) она впитала ценность инструментального цвета как формального и выразительного компонента, а не просто внешнего украшения, в то время как в Дональде Эрбе (1927-2008) у нее был пример оркестратора, которому нет равных в это уважение среди американских композиторов его поколения. С самого начала это придавало музыке Томаса ясность концепции и точность жестов (будь то в самых коротких инструментальных миниатюрах или в крупномасштабных оркестровых произведениях), которые служат центром ее часто замысловатых фактур и переливающихся гармоний - тем самым обеспечение того, чтобы ее работа источала непосредственность и коммуникативность, независимо от степени сложности и диссонанса... '

Читать статью полностью: 'Contemporary composer - Augusta Read Thomas'

'Все любопытнее и любопытнее. Прослушивание музыки Унсук Чин может стать настоящим приключением в стране чудес Алисы. Мы начинаем со знакомой территории, с простых и привлекательных музыкальных идей, но постепенно они превращаются в сложные и тревожные текстуры. Вскоре мы оказываемся в кроличьей норе, и все становится не так, как кажется. Музыка кажется стабильной, пока тонкое изменение гармонии не представит ее в совершенно новом свете.Перспективы меняются, мотивы и мелодии искажаются и искажаются. Простота уступает место соблазнительной сложности. Затем все останавливается, часто с глухим ударом перкуссии, и мы остаемся в созерцании причудливого поворота событий. Это был сон?

'Унсук Чин была очарована Алисой в стране чудес с детства, и она вдохновила большую часть ее музыки, в первую очередь ее оперу Алиса 2007 года. Но ее взгляд на историю самобытен. Опера полна моментов интриги и удивления, но они противопоставляются резким представлениям о брутальной абсурдности сказки - фантастической, но всегда ясной концепции, типичной для Чина.Как кореец, живущий в Германии, она смотрит на европейскую культуру со стороны, и ее музыка регулярно подчеркивает ее укоренившиеся парадоксы. Она голос разума, наводящий порядок в сюрреалистическом. Прежде всего, она приносит ясность, какой бы сложной ни становилась ее музыка, каждая нота остается слышимой, каждая мотивация ясна ... »

Читать статью полностью: 'Современный композитор - Унсук Чин'

Прежде чем обозначить свои произведения условно через пять линий нотного станка, Анна Торвальдсдоттир буквально рисует их.Нетронутые карандашные иллюстрации, порождаемые этим процессом, заслуживают внимания. Один из них воспроизведен на обложке - и внутри буклета, в более полной версии - того, что было первым альбомом, в котором была представлена ​​ее музыка и только ее музыка: Rhízoma .

На чертеже изображен последовательный, но неровный горизонт из двух почти горизонтальных линий в противоположных точках. Под ним несколько корней собираются к одному толстому стволу, а затем распадаются на четыре ветви, раздираясь наружу в своих конечных точках (это может быть грозный вулкан; это может быть сорная репа).Мысли в текстовой форме разбросаны вокруг скрупулезно прописными буквами: «В постоянном развитии» / «Колокольчик» / «Я предполагаю, что продолжительность этой пьесы будет примерно 12-14 минут».

Выступая на открытой сессии вопросов и ответов в Копенгагене в январе, Торвальдсдоттир объяснила, что она использует подобные рисунки в качестве вспомогательных средств для создания композиции, приспособлений для «нанесения на карту того, где движется произведение». Но они содержат жизненно важные структурные подсказки для всех нас. В случае этого конкретного рисунка - изображения пьесы Streaming Arhythmia (2007) - мы можем проследить, как биология подземных корней или «корневищ» повлияла на развитие музыки.Эскиз также имеет сверхъестественное сходство с ландшафтом Исландии Торвальдсдоттира: бесплодная и очень атмосферная местность, характеризующаяся черными скалами, темным мхом, резко очерченными вулканическими пиками и полным отсутствием деревьев.

Читать статью полностью: 'Современный композитор - Анна Торвальдсдоттир'

Музыка Ольги Нойвирт ( b 1968) богата аллюзиями, свободно перемещаясь между разными ориентирами, такими как Монтеверди, Вайль, Майлз Дэвис и Клаус Номи.Она процитировала влияние Булеза на Beastie Boys. Но если и есть художник, чей эстетический подход кажется особенно близким ей, то это вовсе не музыкант - это кинорежиссер Дэвид Линч, независимый режиссер, создавший такую ​​культовую классику, как Twin Peaks (1990-91; 2017). , Lost Highway (1997) и Mulholland Drive (2001). Причудливые сопоставления, сюрреалистические повороты повествования, яркие образы непонятного значения: его фильмы не только странные, но и сверхъестественные - иногда даже необъяснимые - поскольку они путешествуют в сказочные миры, в которых стандартные правила времени, пространства и смысла, кажется, ускользают.Музыка может быть более абстрактным средством, чем фильм, но работы Нойвирта доказывают, что их способность быть столь же захватывающе непостижима. Ее музыка увлекательна и провокационна не несмотря на свою странность, а благодаря ей.

Сравнение с Линч спровоцировала себя Нойвирт, когда она в сотрудничестве со своей соотечественницей Эльфридой Елинек, получившей Нобелевскую премию, превратила фильм, который некоторые называют самым странным Линч, в оперу. Трудно представить более смелый выбор фильма для оперной обработки, но фрагментарная, многомерная музыка Нойвирта создает нечто, что каким-то образом кажется родственным духом оригиналу.В какой-то момент и в фильме, и в опере (за некоторое время до того, как он необъяснимым образом превратился в автомеханика), главный герой Фред объясняет, почему у него нет видеокамеры. «Я люблю запоминать вещи по-своему, - говорит он. «Как я их запомнил. Не обязательно так, как они произошли ''. Возможно, опера использует аналогичный подход к адаптации фильма, превращая его в новые формы - гиперэкспрессионистская вокальная акробатика для одного персонажа, невозмутимая устная речь для другого, жуткий фальцет для третьего - при этом сохраняя сюжет и усиление нуара подводного течения.На самом деле, возможно, именно этим и занимается вся опера, взяв суть рассказа и усилив ее интенсивность за счет обрезанных строк текста и стремительных потоков музыки. Безусловно, опера редко изображает события «такими, как они произошли».

Читать статью полностью: 'Современный композитор - Ольга Нойвирт'

Кайя Саариахо (, , 1952, Хельсинки) - одна из выдающихся женщин-композиторов на планете и одна из ведущих творческих фигур любого пола своего поколения; по-настоящему оригинальный исполнитель с очень самобытным музыкальным стилем и личным голосом, который разрабатывался и совершенствовался десятилетиями.Награды, которые она получила за эти годы, свидетельствуют об этом, в том числе премия Кранихштайнера (1986), музыкальная премия Северного совета (2000, для Лона), премия Гравемейера (2003, за ее первую оперу, L'amour de loin ). ), премии Неммерса в области композиции (2007 г.), премии Вихури Сибелиуса (2009 г.) и музыкальной премии Леони Соннинг (2011 г.).

Тем не менее, она также очень закрытый человек, и многое из ее биографии в значительной степени неизвестно, не в последнюю очередь то, что она родилась Кайя Лаакконен: «торговая марка» Саариахо - имя ее первого мужа.Она училась у Хайнинена в Академии Сибелиуса, с другими членами удивительного поколения финских композиторов, включая Эса-Пекка Салонена и Магнуса Линдберга. Дальнейшие исследования последовали с Брайаном Фернейхо и Клаусом Хубером; в равной степени определяющее влияние оказали Тристан Мюрай и Жерар Гризи, главные представители спектральной музыки (музыка, ставящая тембр и звук выше других композиционных соображений), что привело ее к IRCAM и 30-летнему проживанию в Париже, недавно со вторым мужем Жан-Батистом Баррьер.Хотя она сделала первый прорыв с оркестровым оркестром Verblendungen (1984), именно с ее ослепительным очаровательным nonet-with-electronics Lichtbogen («Arches of Light», 1986) она прорвалась на более широкую сцену. Его эфирные гипнотические текстуры были вдохновлены северным сиянием, а использование электроники оказалось пророческим для ее будущей карьеры. Еще более важным было сочетание тонкости звука и внутренней стали, что делает ее работы привлекательными для слуха, но при этом прочными и убедительными как структуры.

Читать статью полностью: 'Современный композитор - Кайя Саариахо'

Однажды на вопрос, есть ли у нее какой-нибудь совет для молодых композиторов, Теа Масгрейв ответила: «Не надо, если только в этом нет необходимости; тогда ты все равно сделаешь это ». Масгрейв - шотландский композитор, дирижер, пианист и педагог, которой в этом месяце исполняется 90 лет, - жила по своему собственному совету. В ее подходе, в том, как она говорит о своей музыке, в том, как она соблюдает сроки и пишет практичные, несуетливые партитуры, есть ясная рациональность, которая вызывает симпатию к ней комиссаров и оркестровых музыкантов.

Но ниже прагматизма музыка Масгрейва - это драма. Будь то ее остро проницательные оперы или не повествовательные инструментальные произведения, она давно очарована врожденной драматичностью человеческого поведения: психологическим танцем разговора, взаимодействия, конфронтации и умиротворения. Она композитор, который осознает, что музыка отражает жизнь, что музыка может формировать наш образ жизни, что эмоциональный и даже физический состав музыкантов является неотъемлемой частью воздействия любого выступления.Проще говоря, ее работа прямо и сочувственно говорит обо всех нас. «Есть основные человеческие истины», - говорит она, и именно эти истины она исследует в своей музыке.

Читать статью полностью: 'Современный композитор - Теа Масгрейв'

В современной музыке происходит революция иного рода, и в ее основе лежит Роксанна Пануфник. Это не радикальная революция, призванная полностью изменить старый порядок в духе Шенберга или Кейджа.Вместо этого это тихая революция, которая использует силу музыки для объединения людей, принадлежащих к разным культурам, религиям и политическим убеждениям: революция, которая больше похожа на Джона Леннона, чем на Джона Кейджа.

По словам Пануфника: «Моя миссия - кричать с крыш о красоте музыки всех этих религий». Речь идет о том, чтобы объединить нас. Слишком часто мы думаем не о том, что у нас общего, а о нашей крошечной доле отличия друг от друга ».

Отец Роксанны, конечно, не забыл о важности социальной и политической функции музыки.Известный, пользующийся большим уважением и уважаемый польский композитор сэр Анджей Пануфник (1914-91) был вынужден избежать сурового послевоенного климата своей родной страны в 1954 году. Он прибыл в Лондон и примерно девять лет спустя женился на писателе и фотографе. Камилла Джессел. Роксанна родилась в 1968 году.

Читать статью полностью: 'Современный композитор - Роксанна Пануфник'

Раскрывая историю афроамериканских композиторов

от Franck Mercurio

Фраза «американская музыка» вызывает в воображении образы джаза, блюза, кантри-вестерна, госпела, рок-н-ролла, хип-хопа и даже Бродвея - музыкальных традиций, зародившихся и культивируемых здесь, в Соединенных Штатах, и ныне известных и которыми пользуются слушатели по всему миру.

А как насчет классической музыки в Америке? Отчетливо американский бренд современной классики часто теряется в смеси, когда речь идет об американских музыкальных традициях. Когда это признается, жанр часто представлен пожилыми белыми мужчинами - Аароном Коплэндом, Филипом Глассом и Джоном Адамсом - однако этот стереотип не подходит к кругу американских композиторов-классиков, к которым относятся афроамериканцы, как мужчины, так и женщины. Их работа уникальным образом отражает американскую жизнь, но через призму классики.

Исторически сложилось так, что работы многих из этих афроамериканских композиторов были недооценены или даже потеряны - «скрыты» от истории до тех пор, пока в последние годы не были заново открыты учеными и музыкантами. Одна из таких «находок» оказалась знаковым моментом в истории музыки: молодая пара купила старый дом в Сент-Анне, штат Иллинойс. Когда они начали его ремонтировать, они наткнулись на несколько рукописных нот, спрятанных в полуразрушенном здании. Многие выставили подпись Флоренс Прайс.Но кем была Флоренс Прайс? После некоторого исследования пара выяснила, что когда-то дом принадлежал первопроходцу афроамериканского композитора-классика. Партитура представляет собой некоторые из ее неизвестных и утерянных произведений - музыку, которая, наконец, станет достоянием общественности.

Прайс умер в 1953 году в возрасте 65 лет, прямо перед тем, как движение за гражданские права начало набирать обороты. (Решение «Браун против Совета по образованию» было решено в 1954 году.) Жизнь афроамериканского композитора-классика была трудной в ту эпоху - не говоря уже о жизни женщины-композитора, - тем не менее Прайс преодолела оба препятствия и получила изрядное признание во время своей продолжительность жизни.

Но это была тяжело выигранная битва, о чем свидетельствует количество работ, томившихся в летнем доме Прайс в годы после ее смерти. Только в течение последних нескольких десятилетий ее сочинения вновь вошли в классический репертуар, в том числе ее фортепианный концерт в одном движении (1933), который в свое время добился умеренного успеха с выступлениями в Чикаго и Питтсбурге до того, как оригинальная оркестровая партитура была утеряна. Швейцарский пианист Луи Швизгебель исполняет это произведение в его реорганизованной форме с Симфоническим оркестром Цинциннати (CSO) на концертах American Life (15–16 ноября).

Приглашенный дирижер Томас Уилкинс руководит оркестром в этой программе, посвященной разным произведениям афроамериканских композиторов разных периодов времени. Среди них Афроамериканская симфония Уильяма Гранта Стилла (1930) и Гарлем Дюка Эллингтона (1951) наиболее тесно связаны с Гарлемским Возрождением.

Также представлены современные афроамериканские композиторы. В фильме Адольфуса Хейлсторка «Американский порт захода» (1985) возникают образы родного города композитора Норфолк, штат Вирджиния, и отражается то, что Хейлсторк описывает как «резкую, а иногда и нежную, и даже таинственную энергию оживленного американского портового города.В книге Джеймса Ли III «Суккот через туманность Ориона» (2011) вспоминаются параллели между изгнанием библейских евреев в пустыне и переходом афроамериканцев в XIX веке от рабства к свободе.

Осенний праздник Суккот, на который ссылается Ли, не только отмечает прошлые события, но и обещает лучшее будущее. С этой точки зрения American Life - это захватывающее исследование нитей, связывающих великих афроамериканских композиторов прошлого и настоящего. Он распознает «скрытые истории», возвращая к жизни ранее забытые музыкальные жемчужины, отмечая текущие достижения и с нетерпением ожидая будущих достижений.

В своей серии записей «Восходящее солнце» Лара Даунс вновь сосредоточила внимание на темнокожих композиторах: обманчивая каденция: NPR

Лара Даунс. Ее последний альбом « Phenomenal Women » включал записи композиций чернокожих женщин-композиторов, наследие которых было проигнорировано классическим истеблишментом. Макс Барретт / Предоставлено автором скрыть подпись

переключить подпись Макс Барретт / Предоставлено автором

Лара Даунс.Ее последний альбом « Phenomenal Women » включал записи композиций чернокожих женщин-композиторов, наследие которых было проигнорировано классическим истеблишментом.

Макс Барретт / Предоставлено автором

Возможно, вы знаете ее как ведущую веб-сериала NPR Music, Amplify с Ларой Даунс , или по ее работе концертной пианисткой - в каждом из них цель Даунса состояла в том, чтобы поднять творчество чернокожих артистов.Ее новый проект, Rising Sun Music, представляет собой что-то вроде комбинации: Даунс будет выпускать мини-альбом каждый месяц, пока она сможет поддерживать его, чтобы выделить пропущенные и забытые композиции черных артистов в традициях классической музыки. В честь Месяца женской истории его последняя запись посвящена некоторым недооцененным и недооцененным произведениям женщин-композиторов и исполнителей.

«Это очень неприятно - всегда смотреть на родословную, которая не отражает вас», - говорит Даунс.«Как человек смешанной расы, сначала это было очень личное. А потом это стало историей, которую я действительно хотел рассказать, потому что эта история меняет другую историю. Знаете, она меняет историю того, что такое классическая музыка. , но это также меняет представление о том, что такое американская история ».

Рэйчел Мартин поговорила с Даунсом о трех художниках, которых она недавно представила в сериале, и о том, как она надеется, что их работы, некоторые из которых навсегда утеряны для истории, вдохновят молодых художников.

Рэйчел Мартин : Ваши новые записи интересны, потому что, хотя композиторы не совсем неизвестны, некоторые композиции неизвестны.И они, кажется, что-то раскрывают о каждой из женщин. Поговорим об этом. Я хочу начать с «Баркароллы» Флоренс Прайс. Просто дайте нам представление о том, кем была Флоренс Прайс.

Лара Даунс : Ну, она была силой природы. Она была той женщиной, которая жила вне своего времени или опережала свое время. Она родилась незадолго до начала 20-го века в Арканзасе, мигрировала на север, в Чикаго, и только что сделала потрясающую карьеру. Она вошла в историю в 1933 году.Она была первой чернокожей женщиной-композитором, когда-либо выступавшей в большом симфоническом оркестре с Чикагским симфоническим оркестром на Всемирной выставке. И у нее просто были амбиции, которые, знаете, перекликаются со мной ... пытаясь пробиться в этом очень мужском, очень белом мире. И она делала необычные вещи.

Что говорит о ней эта статья?

Во-первых, это запись мировой премьеры. Причина в том, что большая часть ее работы была потеряна. Это не было обнаружено до 2009 года, когда молодая пара, ремонтирующая дом в Иллинойсе, нашла коробки и коробки с брошенными рукописями.Вы знаете, случайное открытие ... Итак, я принимал участие в воскрешении всей этой утраченной музыки. И это музыкальное произведение показывает мне ее по-настоящему рабочую, повседневную сторону. Она была трудолюбивым композитором; она писала, чтобы оплатить счета. Она пишет музыку для юных пианистов, студентов. И есть амбициозная сторона, это написание симфоний и желание сделать себе имя - а есть часть, которая действительно похожа на повседневную практику ее ремесла. Я думаю, это то, что мы слышим в этом очень интимном маленьком произведении.

Давайте поговорим о другом художнике, Хейзел Скотт. Это называется «душевный покой».

Я думаю, что люди, которые знают имя Хейзел Скотт, знают ее как артиста: она была главной звездой 30-40-х годов. Она была вундеркиндом - она ​​прославилась этими яркими, зажигательными версиями классической музыки, что в то время было чем-то вроде. Она снималась в кино и была первым чернокожим американцем, ведущим собственное телешоу. Но потом все развалилось в 50-х, в эпоху Маккарти.Она попала в черный список и в итоге переехала в Париж. Я чувствую, что ее жизнь запоминается больше в снимках, чем в полноте того, кем она была.

Что вас привлекло в этом произведении?

Это одно из произведений, которые она написала сама. В основном она работала по американским стандартам песенников, но кое-что написала и свою собственную музыку. И я думаю, это отражает ее подлинный голос. Она записала это произведение в 1955 году, и это прекрасная запись ... но я хотел привнести эту музыку в настоящее.Друг моего сына, юный фанатик джаза, записал это для меня нота за нотой. Так что такое ощущение, что мы стираем с нее пыль и возвращаем ее обратно.

Мне это нравится. Мы собираемся услышать еще об одном исполнителе, Норе Дуглас Холт и ее песне «Nora's Dance».

Если бы я мог путешествовать во времени, я бы хотел вернуться в Гарлемский Ренессанс - эту энергию, это творчество, этот расцвет. И Нора Дуглас Холт - одна из тех, кого я хотел бы посетить.Она была дикой и сумасшедшей, просто этот грандиозный персонаж ... Она была известна своими безумными вечеринками и была своего рода музой и покровительницей Гарлемского Возрождения. Но она была еще и очень творческой женщиной: писательницей, композитором. И она написала лот музыки. Большая часть этого потеряна для нас, потому что в 1926 году она уехала за границу на продолжительное время. А пока ее не было, украли все ее вещи, в том числе, насколько я понимаю, почти 200 музыкальных композиций. Итак, этот был опубликован в журнале, литературном журнале, который она основала.

И так оно и есть. И я был очень счастлив сохранить это музыкальное произведение.

Вы изменили название пьесы, вы называете запись «Танец Норы», но это было не первоначальное название, верно?

Право. Это красивое, веселое, очень доступное произведение, идеально подходящее для изучающих фортепиано. Моя главная миссия в этом проекте - о следующем поколении, о маленьких девочках - я хочу, чтобы они увидели себя в этой музыке.Но первоначальное название этой пьесы было «Танец негров». А это сложно. Для меня это проблематично. И я думаю, что это будет проблематично для многих учителей фортепиано, которые захотят назначить музыкальное произведение своим ученикам.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *