Содержание

Художники по направлению: Супрематизм — WikiArt.org

направление

Супремати́зм (от лат. supremus — наивысший) — направление в авангардистском искусстве, основанное в 1-й половине 1910-х годов Казимиром Малевичем.

Являясь разновидностью абстракционизма, супрематизм выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника). Сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.

На начальном этапе этот термин, восходивший к латинскому корню suprem, означал доминирование, превосходство цвета над всеми остальными свойствами живописи. В беспредметных полотнах краска, по мысли К. С. Малевича, была впервые освобождена от подсобной роли, от служения другим целям, — супрематические картины стали первым шагом «чистого творчества», то есть акта, уравнивавшего творческую силу человека и Природы.

Супрематизм стал одним из центральных явлений русского авангарда. Начиная с 1915 года, когда были выставлены первые абстрактные работы Малевича, в том числе «Чёрный квадрат», влияние супрематизма испытали такие художники, как Ольга Розанова, Любовь Попова, Иван Клюн, Надежда Удальцова, Александра Экстер, Николай Суетин, Иван Пуни, Нина Генке, Александр Древин, Александр Родченко и многие другие. В 1919 году Малевичем и его учениками была создана группа УНОВИС (Утвердители нового искусства), развивавшая идеи супрематизма. Председателем Творком (Творческого комитета) УНОВИСа был Лазарь Хидекель, один из наиболее известных художников-супрематистов и создатель архитектурного супрематизма.

В дальнейшем, даже в условиях гонений на авангардное искусство в СССР, эти идеи нашли своё воплощение в архитектуре, дизайне, сценографии.

Публикации

Книги

Статьи

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Супрематизм

Художники по направлению: Абстракционизм — WikiArt.org

направление

Абстракционизм (лат. abstractio — удаление, отвлечение) или нефигуративное искусство — направление искусства, отказавшееся от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», с помощью изображения определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, вызывая у созерцателя чувство полноты и завершенности композиции. Выдающиеся деятели: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, Пит Мондриан.

Первая абстрактная картина была написана Василием Кандинским в 1910 году. В настоящее время она находится в Национальном музее Грузии — таким образом он открыл новую страницу в мировой живописи — абстракционизм, подняв живопись до музыки.

В живописи России XX века главными представителями абстракционизма были Василий Кандинский (завершивший в Германии переход к своим абстрактным композициям), Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, основавшие в 1910—1912 годах «лучизм», создатель супрематизма как нового типа творчества Казимир Малевич, автор «Чёрного квадрата» и Евгений Михнов-Войтенко, творчество которого отличает, в том числе, беспрецедентно широкий диапазон направлений абстрактного метода, примененных в его работах (ряд из них, в том числе «граффитистский стиль», художник использовал первым среди не только отечественных, но и зарубежных мастеров).

Родственным абстракционизму течением является кубизм, стремящийся изобразить реальные объекты множеством пересекающихся плоскостей, создающих образ неких прямолинейных фигур, которые воспроизводят живую натуру. Одними из самых ярких примеров кубизма были ранние работы Пабло Пикассо.

В 1910—1915 годах живописцы в России, Западной Европе и США начали создавать абстрактные произведения искусства; среди первых абстракционистов исследователи называют Василия Кандинского, Казимира Малевича и Пита Мондриана. Годом рождения беспредметного искусства считается 1910-й, когда в Германии, в Мурнау, Кандинский написал свою первую абстрактную композицию. Эстетические концепции первых абстракционистов предполагали, что художественное творчество отражает закономерности мироздания, скрытые за внешними, наносными явлениями действительности. Эти закономерности, интуитивно постигаемые художником, выражались через соотношение абстрактных форм (цветовых пятен, линий, объёмов, геометрических фигур) в абстракционистском произведении. В 1911 году в Мюнхене Кандинский опубликовал ставшую знаменитой книгу «О духовном в искусстве», в которой размышлял о возможности воплощения внутренне необходимого, духовного в отличие от внешнего, случайного. В основу «логического обоснования» абстракций Кандинского легло изучение теософских и антропософских трудов Елены Блаватской и Рудольфа Штайнера. В эстетической концепции Пита Мондриана первоэлементами формы являлись первичные оппозиции: горизонталь — вертикаль, линия — плоскость, цвет — не-цвет. В теории Робера Делоне, в отличие от концепций Кандинского и Мондриана, идеалистическая метафизика отвергалась; основной задачей абстракционизма художнику представлялось исследование динамических качеств цвета и других свойств художественного языка (основанное Делоне направление получило название орфизма). Создатель «лучизма» Михаил Ларионов изображал «излучение отраженного света; цветовую пыль».

Зародившись в начале 1910-х годов, абстракционизм быстро развивался, проявляясь во многих направлениях авангардного искусства первой половины XX века. Идеи абстракционизма нашли отражение в творчестве экспрессионистов (Василий Кандинский, Пауль Клее, Франц Марк), кубистов (Фернан Леже), дадаистов (Жан Арп), сюрреалистов (Жоан Миро), итальянских футуристов (Джино Северини, Джакомо Балла, Энрико Прамполини), орфистов (Робер Делоне, Франтишек Купка), российских супрематистов (Казимир Малевич), «лучистов» (Михаил Ларионов и Наталья Гончарова) и конструктивистов (Любовь Попова, Лазарь Лисицкий, Александр Родченко, Варвара Степанова), голландских неопластицистов (Пит Мондриан, Тео ван Дусбург, Барт ван дер Лек), ряда европейских скульпторов (Александр Архипенко, Константин Бранкузи, Умберто Боччони, Антуан Певзнер, Наум Габо, Ласло Мохой-Надь, Владимир Татлин). Уже вскоре после возникновения абстракционизма обозначились два основных направления развития этого искусства: геометрическая абстракция, тяготеющая к правильным геометрическим формам и устойчивым, «субстанциональным» состояниям (Мондриан, Малевич), и предпочитающая более свободные формы, динамические процессы лирическая абстракция (Кандинский, Купка). Первые международные объединения художников-абстракционистов («Круг и Квадрат», «Абстракция-Творчество») сформировались в начале 1920-х — начале 1930-х годов в Париже.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Абстракционизм

ПЕРВЫЕ ЖЁНЫ. Малевич

ПЕРВЫЕ ЖЁНЫ

Любовная тема, тема пола в творчестве Малевича не появлялась никогда. Женская тема существовала, но совершенно в другом, мистическом плане. Личная жизнь Малевича оставалась личной и не смешивалась с творческой и общественной. Мы наверняка не знаем всех его женщин, да и не надо нам их знать. Достаточно того, что известно.

Малевич был человеком семейным, семью любил, но никогда не ставил её на первое место. По крайней мере, именно так получилось с его первой и второй семьёй. Брак с Казимирой развалился просто потому, что Малевич не пытался его сохранить. Когда Людвига Александровна привезла Казимиру и детей в Москву, он ещё долго не жил с ними вместе, когда же они съехались, то, видимо, не имея привычки совместной жизни, скоро стали ссориться. В 1909 году Казимира уехала из Москвы и поступила фельдшерицей в психиатрическую больницу в Мещерском[6]. Вскоре, нуждаясь в деньгах, она оставила детей у заведующего хозяйством больницы Михаила Фердинандовича Рафаловича и отправилась на Украину, где вспыхнула чёрная оспа и нужны были медсёстры. Существует версия, что она уехала «с каким-то врачом», но что это за врач — неизвестно, и во всяком случае роль у него была самая эпизодическая.

В это же самое время сам Малевич близко сошёлся с дочерью Рафаловича — Софьей Рафалович. Они могли познакомиться как в Мещерском, куда Малевич ездил навещать детей, так и на выставке внеклассных работ школы Рерберга в октябре 1910 года, которую посетили сам Рафалович, его жена и дочь. К 1911 году Софья и Казимир уже жили вместе, гражданским браком, развод получить было трудно. Казимира взяла детей к себе на Украину, но в 1913 году снова привезла их жить к мужу. При рождении дети Малевича не были крещены. Уже в Москве, при поступлении в школы, их крестили в одном из подмосковных костёлов. Ксендз дал им церковные имена Ежи и Иоанна, в жизни их звали Толя и Галя. Дети жили с отцом на даче в Кунцеве, и, так как Софья все дни работала в Москве, а Казимир был занят искусством, с ними сидела младшая сестра Малевича — Виктория. Через год Казимира вновь забрала детей и они уехали на Украину.

Брак с Софьей Рафалович был счастливым. С ней Малевич жил совершенно по-другому, чем с Казимирой. По мнению Виктории, которая проводила много времени с их семьёй, «если Казимира Ивановна всё время вымогала внимание к себе, то Софья Михайловна, наоборот, всё своё внимание и заботу отдавала К. С., она мирилась с его недостатками и всегда хотела их не показывать К. С. Где она работала, я не знаю, а К. С. в то время не имел работы. Я очень любила проводить с ними время по вечерам. К. С. всегда что-то рисовал и постоянно подшучивал над нами, посмеивался над нашей заботой о нём. С. М. читала вслух интересные книги, К. С. любил Кнута Гамсуна».

Мемуаристы, сравнивая трёх жён Казимира Севериновича, всегда отдают предпочтение Софье: мол, она, единственная из всех, была Малевичу ровней. Думается, каждая из его женщин была в своё время «самой-самой». И всюду были свои трудности. Обаятельной, живой Казимире естественным образом не нравилось отсутствие мужа в семье. Софья Рафалович всё упрашивала мужа завести детей — и наконец упросила — в самое голодное время родила Уну, но не успела её вырастить.

Третья жена Наталья Манченко, совсем молодая, за восемь лет жизни с Малевичем узнала любовь и ласку мужа, но и бедность, и арест, и его страшную болезнь. К сожалению, чудес не бывает: семейная жизнь художника, работающего с такой самоотдачей, требует огромных усилий от всех участников процесса и часто идёт наперекосяк.

Одно несомненно: Софья Михайловна стала Казимиру большим подспорьем, в том числе и в эмоциональном смысле. В те времена он ещё не был уверен в своей миссии, не совершил того, что должен был. И «положительного подкрепления» от мира не поступало никакого: ни денег, ни известности, ни круга единомышленников. В таких условиях преданная, понимающая жена — это клад.

Полюбив Софью, Малевич стал своим в огромном клане Рафаловичей: Михаил Фердинандович, Мария Сергеевна, Софья, четыре её сестры и два брата.

Мария Сергеевна принадлежала по рождению к роду Апраксиных. Характер у неё был взрывной, но простодушный. Жениха дочери Натальи (Евгения Кацмана) заставила принять крещение, а с женихом младшей дочери Анны (той, которая заботилась об Уне после смерти Софьи) даже не садилась за один стол, потому что тот был «из простых». К Малевичу в семье Рафаловичей тоже сначала относились насторожённо, но потом приняли его и сблизились, хотя картин его так никогда и не понимали. Вообще семейство было «итальянское», интеллигентское, нервное, с бурными ссорами и примирениями. Сам Малевич говорил, что это семейство достойно пера Достоевского и что есть только две таких семьи в мире: «Одна в России, а другую случайным взрывом разорвало в Китае». Все Рафаловичи обожали Льва Толстого. Есть фотография начала века, на которой граф Толстой, помогавший лечебнице, навещает её в сопровождении Михаила Фердинандовича. Что до Малевича, то он всегда относился к Толстому иронически. В начале 1930-х он однажды оделся в толстовку и, стоя на траве босиком, попросил кого-то из Рафаловичей сфотографировать себя в таком стилизованном виде; при этом скорчил очень выразительную мерзкую рожу, при помощи которой изобразил худшие черты Льва Николаевича и толстовства в целом.

В 1914 году Рафаловичи купили несколько домов в подмосковной Немчиновке и переехали жить в один из них на Бородинской улице. Дом сохранился, в нём до сих пор обитают их потомки. Остальные купленные дома сдавались внаём, на это и жили. Когда пришла революция, дома, кроме того, что на Бородинской, отобрали и распределили нуждавшимся. Казимир и Софья первые годы совместной жизни, с 1913-го по 1917-й, жили летом на даче в Кунцеве, после — в Немчиновке.

Малевич оказался не единственным художником в семье Рафаловичей. В то же самое время, в 1911 году, сестра Софьи Наталья вышла замуж за Евгения Александровича Кацмана. Этот юноша, которому суждено было будущее соцреалиста, относился к Малевичу крайне отчуждённо и прохладно. «Я не поехал с Бурлюком и Маяковским, я не сделал ни одного красненького, ни одного чёрненького квадрата», — писал он с гордостью. Абстракцию Кацман считал «обезображенным искусством» и сильно горевал по поводу того, что художники забыли красоту родной природы и «принялись подражать Европе». В своих воспоминаниях он, хоть и человек осведомлённый, близкий к Казимиру Севериновичу, был к нему крайне недоброжелателен и даже несправедлив; например, писал, что Малевич пренебрежительно относился к Софье и не жалел её:

«Запомнилась мне беседа около колодца. Он меня спросил, зачем я тащу ведро воды, ведь у вас для этого есть Наташа (он имел в виду мою жену). Я ответил, что я жалею Наташу и помогаю ей, а разве вы не помогаете Соне? — в свою очередь задал я вопрос. „Нет, я занимаюсь искусством и вам советую так поступать, если хотите быть художником“. И добавил: „Вот, я придумал себе болезнь печени, а вы можете выбрать почки, селезёнку, и как только надо воду таскать или что другое тяжёлое делать, предлагаю ссылаться на болезнь. Так я живу с Соней уже несколько лет“».

Кажется, что Малевич, про которого все вспоминали, что он отличался огромной физической силой (гири бросал!) и, уже живя в Ленинграде, каждое утро сам топил печь и ходил далеко гулять по Невскому, не стал бы так экономить энергию за счёт жены. Казимир запросто мог грубовато пошутить в этом духе, но он не был такой сволочью, какой его хочет представить Кацман. Правда то, что первые годы семья жила за счёт Сониных заработков; Малевичу это не нравилось, но что поделать, если живопись ему прибыли не приносила. В воспоминаниях Кацмана Казимир Северинович предстаёт фанатиком, авантюристом и никудышным мужем, в них много эпизодов чисто вымышленных, причём с намеренной целью опорочить Малевича. Например, Кацман приводит якобы «от кого-то слышанный» им фантастический рассказ о том, как Малевич шипел на Софью за то, что она кашляет при гостях, и грозился выгнать жену из квартиры. Всё интервью записано в 1959 году, и цель его была самая актуальная: выступить против «абстракцистов и педерастов», как их называл Хрущёв. При этом семья Кацман очень хорошо относилась к Уне. Однажды, уже после смерти Малевича, когда Уна была у них в гостях, её спросили, кто её любимый художник. «Левитан», — ответила умная пионерка. Родня была приятно удивлена.

Но вернёмся в 1914 год: Софья и Казимир живут в Кунцеве, дети с ними. Между тем Казимире Ивановне удалось заработать денег, и она приехала в Москву. Не желая встречаться с мужем, прислала за детьми сестру, Марию Ивановну, и забрала их к себе. Дети были очень рады. По рассказам Нинель Быковой, дочери Гали, им не так уж сладко жилось в доме с Софьей Рафалович. Мачеха, по-видимому, ревновала Казимира к детям, особенно к дочери, с которой он был очень ласков и внимателен, расчёсывал ей косички, пришивал пуговки, рисовал, держа её у себя на коленях. (Малевич вообще любил бывать с детьми — своими и чужими; просто «любить детей» не штука, но есть люди, у которых с ними получается, и Малевич был из такой «детной» породы.) Софья ничего не могла с собой поделать — и ревновала, хоть и не обижала их. Так что Толя и Галя были очень рады приезду матери. Казимира Ивановна сожгла их старенькую одежду, купила всё новое и увезла на Украину, в Бахмут (Артёмовск). Они зажили втроём, дети поступили в гимназию, Казимира Ивановна работала и тосковала по оставленному мужу, они переписывались.

В 1915 году в Бахмуте вспыхнула эпидемия брюшного тифа. Первым заболел Толя: жили около больницы, Толя бегал туда, заразился и вскоре умер. Потом заболела и Казимира Ивановна. Настал кромешный ад, в дом никто не заходил, опасаясь заразы, десятилетняя Галя осталась в тёмном холодном доме наедине с трупом брата и матерью, лежавшей в беспамятстве. Ночью она выскочила на улицу и, рыдая, бросилась бежать. Навстречу попался какой-то гимназист, родители подняли шум, пригласили врачей, еврейская община помогла с похоронами (она помогала не только евреям). Хоронили Толю его одноклассники-гимназисты. Потом заболела тифом и Галя, тяжёлым, с осложнениями; Казимира Ивановна, уже выздоровевшая, с трудом её выходила. Казимир Северинович обо всём этом долгое время не знал — Казимира ему не писала, а письма Гали прятала.

Когда грянула революция и началась Гражданская война, Казимира Ивановна заведовала фельдшерским пунктом на станции Переездная, куда врач приезжал пару раз в неделю. Приходилось перевязывать раненых, вытаскивать пули, даже делать операции. Галя вступила в комсомол, в 1920 году работала в Оренбурге на сыпном тифе, тоже переболела, и, чтобы достать ей новую одежду, комсомол откомандировал Галю в Москву. Галя заявилась к отцу в Немчиновку в красном платье в белый горох, с бритой головой и прядями волос, пришитыми к шапке. В доме было холодно и голодно, Софья Михайловна ждала ребёнка, ночами работала — печатала на машинке. Казимир Северинович хохотал и повторял: «Полюбуйтесь на мою комсомолию!» В ЦК комсомола Галю приодели и выдали ей мешок продуктов, который она тут же отвезла Софье Михайловне.

Надо сказать, что Малевич никогда не рассказывал Уне о том, что у неё есть старшая сестра. Уна впервые увидела Галю, когда та приехала к ним перед самой смертью отца. Это не значит, что сам Казимир Северинович не общался с Галей: она приезжала к нему в гости с дочерью в 1929 году, и дочь, то есть внучка Малевича Нинель Быкова, запомнила мастерскую деда, разноцветных «червяков» краски из тюбиков, огромный круглый стол и кучу гостей. Запомнила, как дед отучил её мочить штанишки, выдавая каждому из присутствующих, у кого они сухие, по конфете, и как, покупая билет на обратную дорогу, — была длинная очередь, а поезд отходил, — Малевич пресерьёзно велел ей капризничать как можно громче, чтобы дали билет без очереди. Хитрость удалась, но Нинель тут же её и разоблачила, спросив: «Плакать не надо? Билет дали?» На поезд бежали под общий хохот.

Софья Михайловна очень хотела детей, но Уна родилась только в 1920-м. До 1923-го они с Казимиром Севериновичем жили в Витебске, потом в Петрограде-Ленинграде на Песочной улице, на Петроградской стороне, летом в Немчиновке. Софья Михайловна заболела туберкулёзом; по легенде, обливалась холодной водой, стоя на мраморных плитах, и у неё обострилась чахотка. Она умерла 27 мая 1925 года. Уна почти не запомнила маму, даже её лица. Когда она умерла, Уне было только пять. Осталось только воспоминание о том, как однажды отец замахнулся на неё, а мать удержала его руку, да ещё ей потом рассказывали, что на похоронах матери Уна сказала: «Противное какое Ромашково: увезли дедушку, и теперь увозят маму». В Ромашкове было кладбище, на котором незадолго до того был похоронен Михаил Фердинандович.

После смерти Софьи Михайловны Уна осталась в Немчиновке с бабушкой Марией Сергеевной и тётей Аней, которые её и растили. Папа бывал наездами. Ещё от мамы Уне осталась тетрадка с рукописными детскими рассказами: Софья Михайловна была начинающей детской писательницей. Особенно запомнился один рассказ — про мальчика, которого никак не могли добудиться к заутрене. Он заканчивался так: «И кажется ему эта минуточка дороже целой ночи».

История здания Новой Третьяковки стала своеобразным отражением истории страны: на берегу Москвы-реки у Крымского моста планировались, в зависимости от запросов времени, различные сооружения. Изначально, в 1920-е годы, предполагалось расположить на этом месте систему парков и часть сельскохозяйственной выставки. Позднее — в 1930 году — на том же участке проектировалось строительство Дворца искусств. Но в 1936 году из Ленинграда в Москву переехала Академия наук СССР, что поставило перед архитекторами вопрос о создании в столице крупного научно-организационного центра, отвечающего значению Академии наук в жизни страны. Был проведен архитектурный конкурс, в котором приняли участие ведущие советские архитекторы. Лучшим признали проект, выполненный под руководством А.В.Щусева. В 1938 году по личному предложению И.В.Сталина было принято решение возводить главное здание Академии наук СССР именно у Крымского моста — в непосредственной близости от центра города. Строительство началось в 1939 году, но было приостановлено в военные годы, а затем выведено на Воробьевы горы.

В начале 1950-х от академика архитектуры И.В.Жолтовского поступило предложение выстроить на этом месте новый Дом Союзов. В декабре 1956 года в ознаменование 100-летия Третьяковской галереи было принято решение о строительстве нового здания музея, куда предполагалось перевести все коллекции Галереи. Место постройки, расположенное недалеко от дома в Голутвине, где в 1832 году родился основатель Галереи П.М.Третьяков, представлялось удачным. Но в 1959 году  решением правительства проектируемое здание было закреплено за вновь созданной Государственной картинной галереей СССР. Новый проект, выполненный в мастерской имени И.В.Жолтовского (архитекторы Ю.Н.Шевердяев, Н.П.Сукоян и  другие), был утвержден в 1964 году. Строительство, начатое в 1965 году, превратилось  в типичный  советский  долгострой: оно было окончательно завершено лишь в 1983 году. Здание, задуманное как продолжение ансамбля Нескучного сада и Центрального парка культуры и отдыха им. А.М.Горького в сторону Кремля, было решено как крупномасштабный парковый павильон, ориентированный на набережную Москвы-реки. Отсюда его относительно небольшая высота и значительная протяженность вдоль набережной, сквозная колоннада, проходящая по всему периметру первого этажа. Гигантские выставочные площади (более 12 тысяч кв. метров), несколько протяженных анфилад, большие  залы, предусматривающие возможности разнообразных пространственных трансформаций,  единое сквозное решение вестибюля и лестничных маршей, огромные окна, открывающие эффектные панорамы  на Кремль, Москву-реку и парк — все это таило интересные экспозиционные возможности.
 


Объединение Государственной Третьяковской галереи и Государственной картинной галереи СССР, закрытие основного здания Третьяковки в Лаврушинском переулке почти на десятилетие сделало здание на Крымском Валу единственной экспозиционной площадью музея. Основная экспозиция в нем представила зрителям  широкую картину творческого наследия отечественных мастеров, работавших в 1920-1960-е годы. Кроме того, в залах развернулась интенсивная выставочная деятельность.

Ныне в здании Третьяковской галереи на Крымском Валу открыта экспозиция искусства XX века, в нем проходят разнообразные по тематике выставки, реализуются оригинальные проекты, устраиваются мастер-классы с известными современными художниками в рамках деятельности Клуба современного искусства, читаются лекции, проводятся творческие вечера, концерты и конференции.

Фальк Роберт Рафаилович — биография художника, личная жизнь, картины

Роберт Фальк с юности увлекался изобразительным искусством и учился живописи у известных русских художников. Он состоял в авангардистском объединении «Бубновый валет» и писал картины в самых разных жанрах: натюрморты, портреты, пейзажи. В 1950-х годах самый «тихий» и лиричный из русских авангардистов стал для последующих поколений патриархом московской школы XX века.

«Тихий бубновый валет»

Роберт Фальк родился в 1886 году в Москве в обеспеченной семье. Его отец Рафаил Фальк был юристом, увлекался шахматами и стремился привить своим сыновьям интерес к столь же почтенным занятиям. Дети говорили дома по-немецки, учились в престижной лютеранской школе Петер-Пауль-шуле, которая славилась строгими порядками. У Роберта Фалька рано проявились способности к музыке, и родители всячески их поддерживали.

Однако второе увлечение сына — изобразительное искусство — в семье считалось несерьезным занятием. В 1903 году юноша попробовал писать маслом и, несмотря на протесты родственников, решил стать художником. Сначала он брал частные уроки у молодых мастеров Константина Юона и Ильи Машкова. А в 1905 году Фальк поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где его педагогами стали знаменитости — Леонид Пастернак, Аполлинарий Васнецов, Валентин Серов и Константин Коровин.

Роберт Фальк. Автопортрет на синем фоне. 1909. Донецкий художественный музей

Роберт Фальк. Автопортрет на фоне окна. 1916. Галерея «Дом Нащокина»

Роберт Фальк. Автопортрет в желтом. 1924. Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан, Казань

В 1909 году молодой художник женился на сокурснице — Елизавете Потехиной. Это был неравный брак. Городские интеллигенты Фальки стояли по социальной лестнице ниже дворян Потехиных. Свадьбе мешало и разное вероисповедание молодых влюбленных — чтобы обвенчаться с невестой, Роберт Фальк принял православие. С тех пор в официальных документах он указывал имя Роман, но близкие продолжали называть его Робертом, и именно под этим именем он вошел в историю живописи.

В 1910 году за бунт против авторитарного преподавания Фалька в числе других студентов исключили из училища.

Молодой художник отправился в путешествие по Италии: он побывал в Венеции, Риме, Флоренции, где изучал работы известных мастеров. Этой же зимой живописец принял участие в выставке «Бубновый валет», которая дала начало одноименному объединению авангардистов. Позже последняя жена художника Ангелина Щёкин-Кротова прозвала трех участников этого сообщества — Роберта Фалька, Александра Куприна и Василия Рождественского — «тихими бубновыми валетами». В противовес «громким»: Петру Кончаловскому, Илье Машкову и Аристарху Лентулову.

«…От 1906 по 1918 гг. придерживался ориентации: вначале импрессионистической, затем через Сезанна — некоторый уклон к кубизму. Техника и форма более или менее обладали признаками, свойственными этим учениям».

В эти годы художник стал выезжать в Крым, где писал полные южного зноя пейзажи. Но Фальк никогда не был приверженцем лишь одного жанра. Из-под его кисти выходили и портреты, и натюрморты, а в 1920-е годы — новаторские по формам и колориту интерьеры.

Эклектика Фалька — от Ренуара до Рембрандта

Роберт Фальк. Автопортрет. 1920-е. Киргизский государственный музей изобразительных искусств им. Г.Айтиева.

Роберт Фальк. Автопортрет в красной феске. 1957. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Роберт Фальк. Автопортрет с женой. 1923. Киргизский государственный музей изобразительных искусств им. Г.Айтиева.

Первые годы советской власти принесли Роберту Фальку признание и известность. В 1918–1921 годах он служил в Московской коллегии по делам искусства и художественной промышленности отдела изобразительных искусств Наркомата просвещения РСФСР, был одним из организаторов Государственных свободных художественных мастерских, много преподавал. Тогда же его назначили деканом художественного факультета Высших художественно-технических мастерских (позднее — ВХУТЕИН). В середине 1920-х годов Фальк заработал репутацию яркого театрального художника, оформив для Государственного еврейского театра спектакли «Ночь на старом рынке» и «Путешествие Вениамина III».

Казимир Малевич, который интересовался творчеством современников, писал о Фальке: «При осмотре всех работ 1922, 1923, 1924 годов и опросе автор высказал, что во всех работах в поле зрения были: Ренуар, Клод Моне, Сезанн, Шарден, Ватто, Веласкес, Эль Греко, Тициан. Здесь нужно разуметь, что все перечисленные есть эклектический живописный материал, из которого автор строит свою живописную деятельность». Через несколько лет список увлечений авангардиста Фалька возглавил великий мастер «старой школы» Рембрандт.

Личная жизнь художника, как и творческая, была весьма бурной. Он расстался с Елизаветой Потехиной и женился на дочери Константина Станиславского Кире Алексеевой. Но вскоре и этот брак распался. Третьей женой Фалька стала его студентка Раиса Идельсон.

В 1928 году Роберт Фальк оправился в командировку в Париж — изучать классическое наследие. Вместо запланированных шести месяцев он прожил во Франции почти девять лет.

«Город, воспринятый изнутри, сразу же стал главной темой фальковского пейзажа. Такой взгляд был подготовлен еще московскими пейзажами 20-х годов. Но московские виды словно застывали в сонном оцепенении. Париж же предстал перед глазами Фалька оживленным, приобрел динамику ритмов и выразительность мгновенного впечатления».

В 1930-х годах в Париж приехал сын Фалька от первого брака — Валерий. Он тоже увлекался живописью, и Роберт Фальк всячески поощрял этот интерес. В Париже отец и сын наравне участвовали в выставках.

В 1937 году Фальки вернулись на родину. «Нашел время возвращаться!» — воскликнул, узнав об этом, друг Роберта Фалька актер Соломон Михоэлс.

«Непомерная тяжесть таланта»

Роберт Фальк. Лиза на солнце. 1907. Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан, Казань

Роберт Фальк. Лиза в кресле. Портрет жены художника. 1910. Донецкий областной художественный музей

Роберт Фальк. Портрет Елизаветы Сергеевны Потехиной. 1910. Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан, Казань

Однако репрессий в отношении художника так и не последовало. Возможно, сыграла роль дружба с Андреем Юмашевым — летчиком-испытателем, Героем Советского Союза. Юмашев помог Фальку получить небольшую квартиру в Доме Перцовой. В этом особняке в центре Москвы располагались мастерские многих художников. Роберту Фальку стали поступать заказы от театров на оформление спектаклей, в Советском Союзе проходили его персональные выставки.

В 1940 году живописец женился в четвертый и последний раз. Его избранницей стала переводчица Ангелина Щёкин-Кротова. В эти годы Роберт Фальк уже не был таким популярным художником. Его начали критиковать за «формализм», что фактически означало в те годы полную изоляцию от творческого сообщества. У Фалька не было заработка: существовал негласный запрет давать ему любую работу, включая эскизы театральных декораций и костюмов.

В августе 1941-го художник с женой уехали в эвакуацию — сначала в Башкирию, а затем в Самарканд. В Узбекистане Фальк преподавал в художественном училище, писал среднеазиатские пейзажи. В 1942 году, не воспользовавшись освобождением по здоровью, ушел на фронт Валерий Фальк. В марте 1943 года он умер в госпитале от ран.

В 1958 году, за несколько месяцев до смерти Роберта Фалька, прошла его небольшая персональная выставка. Стараниями вдовы художника уже с 1960-х годов работы почти забытого мастера начали показывать в разных городах страны. В экспозиции, посвященной 30-летию Московского Союза художников, в Манеже были выставлены две его картины. Посетив вернисаж, председатель Совета министров СССР Никита Хрущёв устроил разнос.

«Обнаженная» работы Фалька. Подобный «шедевр» может вызвать только возмущение, — вещало советское телевидение о событиях 1 декабря 1962 года. — Как ни смотри, невозможно согласиться с художниками-формалистами. А ведь нашлись и защитники формалистических выкрутасов. Ну что ж, будем спорить. Наш критерий — высокая идейность и художественное мастерство. С отступлением от него мириться нельзя».

Когда в 1966 году в Москве открылась масштабная ретроспектива творчества Роберта Фалька, Ангелина Щёкин-Кротова делилась с писателем Варламом Шаламовым: «Выставка кажется мне таким чудом, что я думаю, раз уж это случилось, почему бы Фальку не воскреснуть?» Сегодня картины художника хранятся в музеях Москвы, Санкт-Петербурга, Казани, Волгограда, Тулы, Нижнего Новгорода и других городов России и СНГ. Работы, которые 60 лет назад невозможно было продать, в наши дни разлетаются по частным коллекциям с ведущих мировых аукционов.

Дмитрий Аверин (Dmitriy Averin): фильмография, фото, биография. Актер.

Краткая биография

Дмитрий Сергеевич Аверин родился 25 июня 1985 года в Челябинске в семье инженеров. У Дмитрия есть сестра Елена. В детстве Дмитрий не ходил в театральные кружки, однако был уверен, что станет актером. После окончания гимназии, где Дмитрий учился весьма посредственно, он решил уехать за высшим образованием в Санкт-Петербург. В городе на Неве Дмитрий поступил в СпбГУП на курс Р.Б. Громадского и С.И. Заморева. Однако через два года перешел в знаменитую театральную академию на Моховой улице, на курс к мастеру Исааку Штокбанту.

На третьем курсе Дмитрий Аверин начал театральную карьеру – студент выступал на подмостках известного питерского театра «Буфф». Одной из его первых ролей стал ведущий шоу «Ананасы в шампанском». Он также играл в детских спектаклях (Барона Треча в «Проданом смехе», Мартовского зайца в «Алисе в стране чудес», Тролля в «Снежной королеве»). Чуть позже актеру стали доверять более серьезные роли. Дипломным спектаклем Дмитрия стала постановка шоу «Феерия-буфф».

Одновременно с театральной карьерой третьекурсник Дмитрий Аверин дебютировал в кино. В 2005-ом году он сыграл немца Бруно в военной драме Артема Антонова «Полумгла», посвященной событиям Великой Отечественной войны. После Дмитрий стал активно сниматься в кино и на ТВ. Следом он появился в таких сериалах, как «Улицы разбитых фонарей 7», «Секретная служба Его Величества», «Золото Трои», «Литейный 4», «Дорожный патруль» и других. Зрителю Дмитрий особенно запомнился ролью маменького сыночка в сериале «Сонька Золота ручка» и его продолжениях.

В 2008-ом Дмитрий исполнил небольшую роль в ленте Юрия Мамина «Не думай про белых обезьян». В 2009-ом году Дмитрий Аверин появился на экранах в ведущей роли в фильме Алексея Козлова «Лейтенант Суворов». Лента повествует о первых днях войны, когда юные солдаты постепенно начинают понимать, что такое настоящая война.

В 2010-ом году Аверин получил постоянную роль в криминальном телесериале «Агент особого назначения» – Дмитрий воплотил образ психолога Василия Тунцева, которого также сыграл в многочисленных продолжениях проекта.

В 2013-ом году Аверин появился в нашумевшей картине Александра Митты «Шагал – Малевич» – истории самозабвенной любви Беллы Шагал, супруги великого художника Марка Шагала, на фоне битвы ее мужа с не менее гениальным художником своего времени Казимиром Малевичем.

А 2014-ый год принес актеру первую главную роль в кино – Дмитрий Аверин сыграл главного персонажа ленты Ярослава Чеважевского «Мама дарагая!» (2014). В этой комедии Аверин воплощает образ слабохарактерного и болезненного 22-летнего парня Славика, который живет с мамой и во всем ее слушается, пока… не влюбляется. Партнером Аверина по этому фильма стала известная актриса Ксения Раппопорт, которая сыграла его маму.

Аверин одновременно продолжает активную театральную карьеру. В спектакле «Ревизор» в театре «Буфф» Дмитрий играет главную роль Хлестакова. Он также занят в антрепризной постановке «Крошка» и других спектаклях.

Дмитрий не женат. В 2014-ом году он начал встречаться с актрисой Варварой Щербаковой. «Редко бывает, когда два актера могут быть вместе и дружить… Я очень люблю умных женщин и, самое главное, — с чувством юмора. Мне в этом плане повезло — моя девушка именно такая», — признается Дмитрий Аверин.

Все-таки, Париж — столица мира, Или: «Малевич — плагиатор»

Некоторым неназванным френдам,
участникам дискуссии про
«modern and contemporary art»,
посвящается

Люблю я современное искусство в некоторых его проявлениях. Ну просто до судорог люблю. До оргазма (множественного).

Когда все спорили о смысле нарисованной «Синими носами» картинки про целующихся милиционеров, никто из спорщиков не вспомнил, что задолго до того, как начали целоваться наши, российские милиционеры, ихние английские констебли уже вовсю целовались на настенных росписях хулигана Бэнкси.

В точности как мой студент, которого я отчислил — порознь он дословно излагал свойства натрия, воды, и калия, делая паузы в тех местах, где в учебнике стоят запятые. Реакцию натрия с водой он излагал так же дословно. А вот реакцию калия с водой — «это мы не проходили». Хотя отдельно без запинки излагал, что свойства натрия, калия, рубидия и цезия исключительно похожи. Натренировать на запоминание можно, на «думание» — нельзя. Как говорят по другому поводу французы, учить женщину быть женщиной все равно что учить ручеек журчать.

Точно так же все исходят на пену и мыло, обсуждая достижение Казимира Малевича, его картину «Черный квадрат». Слава создана в основном бурным словоизвержением о философских основах и потугах художника при сотворении образов, которые для простоты понимания описываются искуствоведами как потуги, сходные с потугами пресонажа с запором, сидящего в позе орла в местах уединения.

Чтоб не повторять общих мест — пожалуйста, на страничку
http://dic.academic.ru/dic.nsf/ruwiki/17296

или в Википедию:
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A7%D1%91%D1%80%D0%BD%D1%8B%D0%B9_%D0%BA%D0%B2%D0%B0%D0%B4%D1%80%D0%B0%D1%82

Там даже про предшествующий Малевичу рассказ Герберта Уэллса есть, как про литературного предшественника смелого эксперимента русского художника.

Я же хочу рассказать Вам о живописных предшественниках. О чем совсем никто не помнит, не знает, не упоминает.

Точнее — знают и упоминают. Но по русски — нашел только одну заметку в зарубежном журнале Toronto Slavic Quarterly:
http://sites.utoronto.ca/tsq/18/sklorz18.shtml

Все остальное — на разных языках; гуглите что вас заинтересует — только пользуйтесь оригинальными, на латинице, именами — русская сеть об этих художниках не знает ничего. Французский, английский, кое где испанский. En hora buena в ваших поисках.

—-

Что нашел я с помощью Joachim’а Sklorz’а:

Arts incoherents, 1882, Paul Bilhaud, «Negroes Fighting in a Cellar at Night» — «Ночная драка негров в подвале». Черный прямоугольник против «Черного квадрата».

Alphonse Allais, Incoherent shows, 1883, «Pale Young Girls Going to their First Communion in the Snow» — «Малокровные девочки, идущие к первому причастию в снежной буре». Белый прямоугольник против «Белого квадрата».

Alphonse Allais, Incoherent shows, 1884, «Apoplectic Cardinals Harvesting Tomatoes by the Shores of the Red Sea» — «Апоплекcические кардиналы, собирающие помидоры на берегах Красного моря». Красный прямоугольник против «Красного квадрата».

Что добавить хочу:

Подозрение на плагиат вызывает «…художник и теоретик искусства Эль Лисицкий который заявил, что Черный квадрат — это полное противопоставление всему, что подразумевается под понятиями «искусство», «живопись» и «картина».» Very similar definition of anti-art seems to have been coined by Marcel Duchamp before the Malevich and Lisitskii works:
http://en.wikipedia.org/wiki/Anti-art (Кроме английский, в Википедии есть страницы: Español и Italiano. Английская уж очень подробная.)
http://en.wikipedia.org/wiki/Marcel_Duchamp (Эта страница есть на многих языках, в том числе и на русском, но русский вариант настолько мал, незакончен и бессылочен, что только от очень плохой жизни его можно посмотреть: http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%94%D1%8E%D1%88%D0%B0%D0%BD,_%D0%9C%D0%B0%D1%80%D1%81%D0%B5%D0%BB%D1%8C).

О французской группе предшественников почти всего, только по английски и по французски. По французски я «уверенно молчу без словаря», потому даже не проверял полноту, ссылка на английскую страницу:
From Wikipedia, the free encyclopedia
The Incoherents (Les Arts Incohérents) was a short-lived French art movement founded by Parisian writer and publisher Jules Lévy in 1882, which anticipated many of the art techniques and satirical attitude commonly attributed to later avant-garde and anti-art movements as novel.
http://en.wikipedia.org/wiki/Incoherents

или
http://www.artandpopularculture.com/Incoherents

Об основателях Incoherents:
Alphonse Allais (1854 — 1905), French writer and humorist.
http://en.wikipedia.org/wiki/Alphonse_Allais

Впридачу к художественным изыскам он же написал музыкальное произведение из интервалов без звуков
Allais is also credited with the earliest known example of a completely silent musical composition. Composed in 1897, his Funeral March for the Obsequies of a Deaf Man
(«Траурный марш для Похорон Глухого Человека»)
— consisting of nine blank measures — predates comparable works by John Cage and Erwin Schulhoff by a considerable margin.

Любопытное эссе Татьяны Толстой о черном квадрате. Передергиваний в деталях хватает, но в целом…:
http://www.liveinternet.ru/users/ser0glazka/post70348080/

Правда, все портит эффектная концовка:
…Я числюсь «экспертом» по «современному искусству» в одном из фондов в России, существующем на американские деньги. Нам приносят «художественные проекты», и мы должны решить, дать или не дать денег на их осуществление. Вместе со мной в экспертном совете работают настоящие специалисты по «старому», доквадратному искусству, тонкие ценители. Все мы терпеть не можем квадрат и «самоутверждение того начала, которое имеет своим именем мерзость запустения». Но нам несут и несут проекты очередной мерзости запустения, только мерзости и ничего другого. Мы обязаны потратить выделенные нам деньги, иначе фонд закроют. А он кормит слишком многих в нашей бедной стране. Мы стараемся, по крайней мере, отдать деньги тем, кто придумал наименее противное и бессмысленное. В прошлом году дали денег художнику, расставлявшему пустые рамки вдоль реки; другому, написавшему большую букву (слово) «Я», отбрасывающую красивую тень; группе творцов, организовавших акцию по сбору фекалий за собаками в парках Петербурга. В этом году — женщине, обклеивающей булыжники почтовыми марками и рассылающей их по городам России, и группе, разлившей лужу крови в подводной лодке: посетители должны переходить эту лужу под чтение истории Абеляра и Элоизы, звучащей в наушниках. После очередного заседания мы выходим на улицу и молча курим, не глядя друг другу в глаза. Потом пожимаем друг другу руки и торопливо, быстро расходимся»…

Если ей поверить — получается что художников больше нет, вымерли. Если же думать что они все же есть, то они к фонду за американскими деньгами не ходят из патриотизма, а те кто ходит (и получает) — безродные космополиты. А собранные собачьи фекалии «творцы» затем видимо упаковывали в консервные баночки? Да… дела.

Казимир Малевич — 360 произведений

Казимир Северинович Малевич (23 февраля [OS 11] 1879–15 мая 1935) — русский художник-авангардист и теоретик искусства, чьи новаторские работы и письма оказали глубокое влияние на развитие беспредметного или абстрактного искусства. в 20 веке. Его концепция супрематизма стремилась развить форму выражения, которая двигалась как можно дальше от мира природных форм (объективности) и предмета, чтобы получить доступ к «верховенству чистого чувства» и духовности.Вначале Малевич работал в самых разных стилях, быстро усваивая стили импрессионизма, символизма и фовизма, а после поездки в Париж в 1912 году — кубизм. Постепенно упрощая свой стиль, он придал своему отчетливому голосу ключевые работы, в которых исследуются чистые геометрические формы и их взаимосвязь друг с другом при минимальных основаниях. Его «Черный квадрат» (1915), черный квадрат на белом, представляет собой наиболее радикально абстрактную картину, которую когда-либо видели, и проводит «непреодолимую черту (…) между старым искусством и новым искусством»; Супрематическая композиция: белое на белом (1918), едва различимый не совсем белый квадрат, наложенный на не совсем белый фон, довел бы его идеал чистой абстракции до логического завершения.В дополнение к своим картинам Малевич письменно изложил свои теории, такие как «От кубизма к супрематизму» (1915) и «Беспредметный мир: манифест супрематизма» (1926).

Траектория Малевича во многом отражала суматоху десятилетий, сопровождавших советскую революцию. Сразу после этого авангардные движения, такие как супрематизм и конструктивизм Владимира Татлина, поощрялись троцкистскими фракциями в правительстве. Малевич занимал несколько видных преподавательских должностей и получил персональную выставку на Шестнадцатой государственной выставке в Москве в 1919 году.Его признание распространилось на Запад благодаря персональным выставкам в Варшаве и Берлине в 1927 году. К сожалению, по его возвращении современное искусство стало не в пользу нового сталинского правительства. Вскоре Малевич лишился преподавательской должности, произведения и рукописи были конфискованы, ему запретили заниматься искусством; в 1930 году он был заключен в тюрьму на два месяца из-за подозрений, вызванных его поездкой в ​​Польшу и Германию. Вынужденный отказаться от абстракции, он рисовал в изобразительном стиле за годы до своей смерти от рака в 1935 году в возрасте 56 лет.Тем не менее, его искусство и его творчество оказали влияние на современников, таких как Эль Лисицкий, Любовь Попова и Александр Родченко, а также на поколения более поздних абстрактных художников, таких как Ад Рейнхардт и минималисты. Он был посмертно отмечен на крупных выставках в Музее современного искусства (1936), Музее Гуггенхайма (1973) и Стеделийкском музее в Амстердаме (1989), где хранится большая коллекция его работ. В 1990-е годы претензии музеев на многие произведения Малевича стали оспариваться его наследниками.В 2008 году его картина «Супрематическая композиция» была продана за более чем 60 миллионов долларов США, что является рекордной ценой для русского произведения искусства, проданного на аукционе.

Казимир Малевич родился Казимеж Малевич в польской семье, которая поселилась под Киевом в Киевской губернии Российской империи во время разделов Польши. Его родители, Людвика и Северин Малевич, были католиками, как и большинство этнических поляков, хотя его отец также посещал православные службы. Они оба бежали с бывших восточных территорий Речи Посполитой (ныне Копыльская область Беларуси) в Киев после неудавшегося январского восстания 1863 года в Польше против царской армии.Его родным языком был польский, хотя публично он говорил по-украински. Впоследствии Малевич даже написал серию статей об искусстве на украинском языке.

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →


Подробнее …

Художники по направлению: Абстрактное искусство

Художественное движение

Абстрактное искусство использует визуальный язык формы, формы, цвета и линий для создания композиции, которая может существовать со степенью независимости от визуальных ссылок в мире.Западное искусство с эпохи Возрождения до середины XIX века опиралось на логику перспективы и попытку воспроизвести иллюзию видимой реальности. Искусство культур, отличных от европейских, стало доступным и показало художнику альтернативные способы описания визуального опыта. К концу 19 века многие художники почувствовали потребность в создании нового вида искусства, который охватил бы фундаментальные изменения, происходящие в технологии, науке и философии.Источники, из которых отдельные художники черпали свои теоретические аргументы, были разнообразны и отражали социальные и интеллектуальные интересы во всех областях западной культуры того времени.

Абстракционизм, нефигуративное искусство, беспредметное искусство и непредставительное искусство — это слабо связанные термины. Они похожи, но, возможно, не имеют одинакового значения.

Абстракция указывает на отход от реальности при изображении образов в искусстве. Это отклонение от точного представления может быть незначительным, частичным или полным.Абстракция существует вдоль континуума. Даже искусство, стремящееся к высшей степени правдоподобия, можно назвать абстрактным, по крайней мере теоретически, поскольку идеальное изображение, вероятно, будет чрезвычайно неуловимым. Произведения искусства, которые позволяют себе вольности, например, изменяя цвет и форму таким образом, чтобы бросаться в глаза, можно назвать частично абстрактными. Полная абстракция не несет в себе никаких следов отсылки к чему-либо узнаваемому. Например, в геометрической абстракции вряд ли можно найти ссылки на натуралистические объекты.Фигуративное искусство и тотальная абстракция почти исключают друг друга. Но фигуративное и изобразительное (или реалистическое) искусство часто содержит частичную абстракцию.

И геометрическая абстракция, и лирическая абстракция часто бывают полностью абстрактными. Среди очень многочисленных художественных движений, воплощающих частичную абстракцию, можно назвать, например, фовизм, в котором цвет явно и намеренно изменен по сравнению с реальностью, и кубизм, который явно изменяет формы изображаемых реальных сущностей.

Большая часть искусства более ранних культур — знаки и знаки на керамике, текстиле, надписи и рисунки на скалах — использовала простые, геометрические и линейные формы, которые могли иметь символическое или декоративное назначение. Именно на этом уровне визуального смысла общается абстрактное искусство. Можно наслаждаться красотой китайской каллиграфии или исламской каллиграфии, даже не умея ее читать.

В китайской живописи абстракцию можно проследить до художника времен династии Тан Ван Мо (王 墨), который, как считается, изобрел стиль рисования брызгами чернил.Хотя ни одна из его картин не сохранилась, этот стиль четко прослеживается в некоторых картинах династии Сун. Чаньский буддийский художник Лян Кай (梁楷, c.1140–1210) применил этот стиль к рисованию фигур в своем «Бессмертном в брызгах чернил», в котором точное изображение принесено в жертву, чтобы усилить спонтанность, связанную с нерациональным умом просветленных. Покойный художник Сун по имени Ю Цзянь, адепт буддизма Тяньтай, создал серию пейзажей с брызгами чернил, которые в конечном итоге вдохновили многих японских художников дзэн.На его картинах изображены сильно туманные горы, в которых формы предметов едва заметны и чрезвычайно упрощены. Этот тип живописи был продолжен Сэссю Тойо в более поздние годы.

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Википедия: https: // ru.wikipedia.org/wiki/Abstract_art

Художников по направлению: Авангард

Художественное движение

Авангард (от французского «авангард» или «авангард», буквально «авангард») — это люди или произведения, которые являются экспериментальными, радикальными или неортодоксальными по отношению к искусству, культуре или обществу.Он может характеризоваться нетрадиционными эстетическими нововведениями и первоначальной неприемлемостью, а также может предлагать критический анализ отношений между производителем и потребителем.

Авангард раздвигает границы того, что считается нормой или статус-кво, прежде всего в культурной сфере. Некоторые считают авангард отличительной чертой модернизма, в отличие от постмодернизма. Многие художники присоединились к авангардному движению и продолжают делать это до сих пор, прослеживая историю от дадаизма через ситуационистов до художников-постмодернистов, таких как языковые поэты около 1981 года.

Авангард также способствует радикальным социальным реформам. Именно это значение было упомянуто святой Симонианской Олиндой Родригес в его эссе «L’artiste, le savant et l’industriel» («Художник, ученый и промышленник», 1825 г.), которое содержит первое зарегистрированное использование «авангард» в его ныне привычном смысле: здесь Родригес призывает художников «служить [народу] авангардом», настаивая на том, что «сила искусства действительно является самым непосредственным и самым быстрым путем» к социальному, политическая и экономическая реформа.

Несколько писателей попытались отобразить параметры авангардной активности. Итальянский эссеист Ренато Поджиоли дает один из самых ранних анализов авангардизма как культурного феномена в своей книге 1962 года Teoria dell’arte d’avanguardia (Теория авангарда). Изучая исторические, социальные, психологические и философские аспекты авангардизма, Поджиоли выходит за рамки отдельных примеров искусства, поэзии и музыки, чтобы показать, что авангардисты могут разделять определенные идеалы или ценности, которые проявляются в нонконформистском образе жизни, который они принимают: он видит авангард. культура как разновидность или подкатегория богемы.Другие авторы пытались как прояснить, так и расширить исследование Поджиоли. Немецкий литературный критик Петер Бюргер в своей работе «Теория авангарда» (1974) рассматривает признание истеблишментом социально критических произведений искусства и предполагает, что в соучастии с капитализмом «искусство как институт нейтрализует политическое содержание отдельного произведения».

Эссе Бюргера также оказало большое влияние на работу современных американских искусствоведов, таких как немец Бенджамин Х. Д. Бухло (родился в 1941 г.).Бухлох в сборнике эссе «Неоавангард и индустрия культуры» (2000) критически выступает за диалектический подход к этим позициям. Последующая критика теоретизировала ограниченность этих подходов, отмечая их ограниченные области анализа, включая евроцентрические, шовинистические и жанровые определения.

Понятие авангарда относится в первую очередь к художникам, писателям, композиторам и мыслителям, чьи работы противоречат основным культурным ценностям и часто имеют острые социальные или политические преимущества.Многие писатели, критики и теоретики делали утверждения об авангардной культуре в годы становления модернизма, хотя первоначальным окончательным заявлением об авангарде было эссе нью-йоркского арт-критика Клемента Гринберга «Авангард и Китч», опубликованное в «Партизан ревью» в 1939 году. Как следует из названия эссе, Гринберг утверждал, что авангардная культура исторически противопоставлялась «высокой» или «господствующей» культуре и что она также отвергала искусственно синтезированную массовую культуру, созданную индустриализацией.Каждое из этих средств массовой информации является прямым продуктом капитализма — все они теперь являются существенными отраслями — и, как таковые, ими движут те же мотивы фиксации прибыли, что и в других секторах производства, а не идеалы настоящего искусства. Поэтому для Гринберга эти формы были китчем: фальшивой, фальшивой или механической культурой, которая часто притворялась чем-то большим, чем она была на самом деле, используя формальные приемы, украденные из авангардной культуры. Например, в течение 1930-х годов рекламная индустрия быстро заимствовала визуальные черты сюрреализма, но это не означает, что рекламные фотографии 1930-х годов действительно сюрреалистичны.

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Avant-garde

Аннотация | Вики по эстетике | Фэндом

Абстрактные

Другие названия

Абстрактный экспрессионизм

Десятилетие происхождения

1860-1910-е

Создатель / с

Василий Кандинский, Хильма аф Клинт

Ключевые мотивы

Открытая интерпретация, неотличимый предмет, эмоции

Основные ценности

Творчество, свобода

Связанные бренды

Многие логотипы

Абстрактное искусство использует визуальный язык для создания работ, которые явно не отображают визуальные ссылки из физического мира.Абстракция указывает на отход от реальности при изображении образов в искусстве. Это отклонение от точного представления может быть незначительным, частичным или полным.

Арт

Абстрактное искусство не зависит от визуальных ссылок и не пытается представить точное изображение реальности. Вместо этого он использует различные методы для создания изображения, которого нет в реальном мире. Часто считается, что он имеет моральное измерение, так как может обозначать множество добродетелей, включая порядок, чистоту, простоту и духовность.

Абстрактное искусство также относится к искусству, в котором используются различные формы, например геометрические фигуры, которые не присутствуют в визуальной реальности.

Поджанры

Абстрактный экспрессионизм

Абстрактный экспрессионизм — термин, применяемый к новым формам абстрактного искусства, для него часто характерны жесты мазки кистью или маркировка и впечатление спонтанности.

Капельная покраска

Капельная живопись — это форма абстрактного искусства, в которой краска капает или выливается на холст.

Ташизм

Ташизм — французский стиль абстрактной живописи, популярный в 1940-х и 1950-х годах. Считается, что этот термин впервые был использован в отношении движения в 1951 году. Ташизм был реакцией на кубизм и характеризуется спонтанной манерой рисования, каплями и каплями краски прямо из тюбика, а иногда и каракулями, напоминающими каллиграфию.

Популярные исполнители

  • Лючио Фонтана
  • Василий Кандинский
  • Виллем де Кунинг
  • Жоан Миро
  • Пит Мондриан
  • Джорджия О’Киф
  • Пабло Пикассо
  • Джексон Поллок
  • Герхард Рихтер
  • Марк Ротко
  • Сай Твомбли

Медиа

Абстрактная доска Мэгги.M

Галерея

Минимализм | Вики по эстетике | Фэндом

Минимализм

Основные цвета

Любые цвета, в основном белые, нейтральные и приглушенные

Основные ценности

Минималистичный дизайн
Отсутствие беспорядка


Минимализм означает отсутствие беспорядка или ненужных деталей. Оно оказало широкое влияние, от искусства до образа жизни.

Как художественное направление, минимализм зародился в западном искусстве после Второй мировой войны и был наиболее заметным в 1960-х — начале 1970-х годов.На него сильно повлияли редуктивные аспекты, связанные с некоторыми частями модернизма, включая супрематизм, пуризм и де Стейл.

Художественное движение оказало значительное влияние на минимализм как образ жизни, который представляет собой отказ от потребительских тенденций с упором на простой образ жизни. Этот образ жизни становится все более заметным с 2010 года и обычно ассоциируется с минималистами.

Визуальный

Минимализм означает отсутствие беспорядка. Это означает, что визуальные эффекты, как правило, очень просты и удаляют ненужные детали.Сплошные цвета очень распространены. Также могут появиться простые шаблоны; ничего сложного не будет. Цвета также имеют тенденцию быть очень приглушенными.

Pinterest

Художники

  • Карл Андре
  • Энтони Каро
  • Дэн Флавин
  • Аль-Хельд
  • Дональд Джадд
  • Эллсуорт Келли
  • Сол Левитт
  • Агнес Мартин
  • Джон Маккракен
  • Роберт Моррис
  • Кеннет Ноланд
  • Роберт Райман
  • Дэвид Смит
  • Тони Смит
  • Фрэнк Стелла
  • Anne Truit

Fashion

Minimal fashion — это простой и спокойный стиль, в нем нет ярких и ярких цветов, как в другой эстетике.Некоторые аспекты моды могут включать:

  • Однотонные футболки (обычно белые или серые)
  • Рубашки с воротником
  • Рубашки на пуговицах
  • Ремни
  • Брюки цвета хаки или черные
  • Джинсы

Веб-сайты и бренды

Медиа

Пленка

Youtube

Это ютуберы, которые часто говорят о минимализме и связанных темах.

Книги

  • Радость меньшего Франсин Джей
  • Изменяющее жизнь волшебство уборки Мари Кондо
    • Хотя ее книга (и философия) не является строго минималистской, она стала воротами в минимализм для многих людей.
  • Любите люди используют вещи Джошуа Филдс Миллберн и Райан Никодемус
  • Все, что осталось Джошуа Филдс Миллберн и Райан Никодемус
  • Minimalism by Joshua Fields Millburn & Ryan Nicodemus
  • Essential Джошуа Филдс Миллберн и Райан Никодемус
  • Прощай, Вещи Фумио Сасаки

Музыка

Плейлисты

Подкасты

  • Миллениум-минималисты
  • Minimal-ish: Реалистичный минимализм
  • Минималисты
  • Устойчивые минималисты

Поджанры

Инди Минимализм

Инди Минимализм

Ключевые мотивы

Минималистский дизайн, индивидуализм, городская жизнь, Большие города, сетки, цифровые фотоаппараты, большие свитера / худи, ярко-желтые, оранжевые и розовые акценты

Основные цвета

Белый, серый, черный, кремовый, голубой, яркие акценты

Основные ценности

Независимость, индивидуализм, философия «меньше значит больше»

Инди-минимализм — это независимая эстетика, основанная на минималистском дизайне, индивидуализме, городской жизни, музыке и искусстве.Как следует из названия, он сочетает в себе элементы эстетики инди с эстетикой минимализма.

Цвета

Цветовая палитра обычно основана на белом, черном, синем и светло-сером или синем с одним или двумя яркими акцентами. Кроме того, на сторону минимализма сильно повлияли яркие цвета и чистые линии дизайна Баухауса и Модерна.

Мода

Инди-стиль означает в основном то, что кажется правильным, исходя из вашей личной эстетики, и обычно подразумевает отказ от основных лейблов.Минимализм — это то, на что он похож: немного. Это часто означает сдержанную нейтральную палитру, чистые линии и упор в первую очередь на функциональность и практичность. Итак, инди-минимализм — это комбинация этих стилей, обычно включающая такие базовые вещи, как белая рубашка на пуговицах или джинсовая одежда с одним или двумя характерными цветовыми штрихами. Вы можете черпать вдохновение в городском уличном стиле (если вы одеваетесь для себя, а не для того, чтобы хвастаться перед другими) или найти одежду в комиссионных и винтажных магазинах, если вам нравится делать покупки.

Бренды
Деятельность
  • Фотография
  • Просмотр или создание независимых фильмов
  • Прослушивание инди-музыки (Независимо выпущенная музыка не зависит напрямую финансово от какого-либо из четырех крупных лейблов (WMG, Sony BMG, EMI и Universal. « Indie » не относится к стилю музыки ; это относится к финансовым обстоятельствам его распространения.)
ресурсов

Список внешних ссылок, помогающих лучше понять эту эстетику.

Instagram

Пастель Минимализм

Пример пастельного минимализма.

Ключевые мотивы

Светлые тона, пустота, фотография

Основные цвета

Пастельно-розовый, синий, зеленый, мята, желтый

Основные ценности

Предмет повседневного обихода на пастельном фоне.

Пастель Минимализм

Пастельный минимализм сочетает пастельные тона с мелкими обычными предметами или простой архитектурой.Самые распространенные примеры пастельного минимализма — это стоковые фотографии. Цель этой эстетики может заключаться в том, чтобы придать минимализму всплеск цвета.

ресурсов

Список внешних ссылок, помогающих лучше понять эту эстетику.

Доски Pinterest

Матча Минимализм

Минимализм матча

Ключевые мотивы

Повседневные ритуалы, предметы быта

Основные ценности

Функциональный, минималистичный, сдержанный, чистый

Matcha Minimalism — это эстетика дизайна, сосредоточенная вокруг простых, хорошо продуманных предметов повседневного обихода, которые передают сдержанную теплоту.

Особое внимание уделяется ритуальному опыту, сенсорной внимательности и спокойствию. Его можно охарактеризовать как чистый, легкий, простой, функциональный и минималистичный.

Матча часто использует один приглушенный цвет или приглушенную цветовую палитру на белом или черном фоне. Обычные материалы включают матовый металл, дерево, бумагу, матовый пластик, пробку, войлок и керамику.

Дизайн матча поощряет сенсорную специфичность как средство превращения повседневных впечатлений в приятные ритуалы.Соответственно, он пересекается с некоторыми винтажными технологиями, повседневное использование которых вызывает в воображении звуки, запахи и текстуры (например, альбомы с виниловыми пластинками, кассеты, механические пишущие машинки и канцелярские товары).

Типографские элементы тщательно продуманы в дизайне маття и часто являются частью, а не просто аксессуарами общего дизайна объекта.

Матча отличается простотой минимализма, но делает особый акцент на чувственном наслаждении. Хотя он разделяет некоторые элементы с Comfy / Cozy, включая ритуальную легкость в повседневной деятельности, он не ограничивается набором поведения.Точно так же он перекликается с теплотой Coffee House, но с дополнительным акцентом на восприятие объектов самих по себе, а не просто как часть более широкой среды.

Магазины и бренды
Изобразительное искусство
Музыка
Деятельность
  • Приготовление чая или кофе
  • Пить чай или кофе
  • Набор текста на компьютере
  • Чтение книги
  • Уборка комнаты
  • Зажигание свечи
  • Изготовление виниловой пластинки

Галерея

Минимализм

Пастель Минимализм

Инди Минимализм

Матча Минимализм

Список литературы

Казимир Малевич Картины, биография, идеи

Краткое содержание Казимира Малевича

Казимир Малевич был основателем художественно-философской школы супрематизма, и его идеи о формах и значении в искусстве в конечном итоге станут теоретической основой беспредметного или абстрактное искусство.Малевич работал в самых разных стилях, но его самые важные и известные работы были сосредоточены на исследовании чистых геометрических форм (квадратов, треугольников и кругов) и их взаимоотношений друг с другом и в пределах живописного пространства. Благодаря своим контактам на Западе Малевич смог передать свои идеи о живописи своим коллегам-художникам в Европе и США, тем самым оказав глубокое влияние на эволюцию современного искусства.

Достижения

  • Малевич работал в разных стилях, но в основном он известен своим вкладом в формирование истинного русского авангарда после Первой мировой войны через его собственную уникальную философию восприятия и живописи, которую он назвал Супрематизм.Он придумал этот термин, потому что, в конечном счете, он считал, что искусство должно выходить за рамки предмета — истина формы и цвета должна «безраздельно» господствовать над изображением или повествованием.
  • Более радикальные, чем кубисты или футуристы, в то время как его супрематические композиции провозглашали, что картины состоят из плоских абстрактных областей краски, они также служили мощными и многослойными символами и мистическими ощущениями времени и пространства.
  • Малевич тоже был плодовитым писателем.Его трактаты по философии искусства обращались к широкому кругу теоретических проблем, связанных с концепцией всеобъемлющего абстрактного искусства и его способности вести нас к нашим чувствам и даже к новой духовности.

Биография Казимира Малевича

Малевич родился в Украине в семье польских родителей, которые в поисках работы постоянно перемещались по территории Российской империи. Его отец устроился работать на сахарный завод и на строительство железной дороги, где молодой Казимир также работал в раннем подростковом возрасте.Без особой поддержки со стороны семьи Малевич начал рисовать примерно в 12 лет. Твердо настроенный на творческую карьеру, Малевич в юности посещал несколько художественных школ, начиная с Киевского художественного училища в 1895 году.

Казимир Малевич: Черный квадрат — TateShots

Черный квадрат — одно из поистине мифических произведений искусства начала ХХ века. Он оказывает огромное влияние на воображение последующих поколений художников, как «Нулевой час» в современном искусстве.До 1913 года он работал в самых разных стилях.

На протяжении 1915 года он начал создавать новую коллекцию картин для выставки. Это было совершенно абстрактно. И вот, наконец, он представил свои работы на выставке, и эта выставка стала последней выставкой футуристов, 0,10, в Санкт-Петербурге. На исходной фотографии можно увидеть 20 картин. 12 из этих картин все еще можно идентифицировать сегодня. И мы повесили их таким образом, чтобы они напоминали способ, которым они были впервые показаны в 1915 году.

Итак, все эти картины очень красочные, все формы, чрезвычайно динамичные, и вот и вот, в верхнем углу комнаты висит Black Площадь .Некоторые думали, что это кощунство, потому что в верхнем углу комнаты обычно выставляются русские иконы, что Малевич очень хорошо знал. Таким образом, он как бы говорит, что это самая знаковая работа на этой выставке, и она останется культовой работой. Как произведение искусства оно показывает, насколько одно произведение может изменить ход истории искусства. Black Square обладает этой невероятной мощностью.

Большая часть его поздних работ обсуждалась в связи с политикой того времени и, в частности, с усилением подавления Сталиным и большевистским режимом авангардного искусства.Но им было бы очень сложно увидеть в этих безликих фигурах праздник крестьянина при новом советском режиме.

Мы настолько привыкли думать, что абстракция — это конечная точка и что это символ прогресса и современности, что мы автоматически связываем фигуративность с регрессией, но я думаю, что поздняя работа, поздняя работа Малевича была более сложной, чем что. Это не просто, это не раскаяние. Он подписывает свою последнюю работу; его последними фигуративными работами был Черный квадрат .Как будто он хочет сказать: «Сейчас я рисую это, но я был изобретателем Black Square », и я не буду в этом раскаиваться. Он снова настаивает на сосуществовании разных стилей и разных представлений об искусстве, и я думаю, что это делает его очень подходящей фигурой для размышлений с сегодняшней точки зрения.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.