Художник Давид — изобретатель зиги • Arzamas
Откуда на картине «Клятва Горациев» вскинутые руки?
Автор Кирилл Головастиков
Главные герои картины Жака Луи Давида «Клятва Горациев», присягая родине, вскидывают руки в жесте, который с 30-х годов XX века ассоциируется для зрителя с фашистской символикой. Этот жест — прямая рука, поднятая вверх-вперед ладонью вниз, примерно на 135 градусов от вертикальной оси тела — называют фашистским приветствием, в просторечии зигой.
Клятва Горациев. Фрагмент картины Жака Луи Давида. 1784 год © Bridgeman Images / FotodomЕсть мнение, что Давид зафиксировал античный обычай, к которому восходит фашистский атрибут. Однако, как показал немецко-американский ученый, профессор классической кафедры Университета Джорджа Мейсона (Вирджиния, США) Мартин Винклер, никаких римских корней у фашистского приветствия нет, и его невольным предтечей стал Давид — от французского художника оно через несколько ступеней дошло до Муссолини.
1. Скульптура и литература
Как показал Винклер, ни в древнеримских текстах, ни в изображениях нельзя найти предшественника этого знака приветствия Горациев. Ни один источник не дает возможности предположить, что подобный знак существовал в античности, какие бы его возможные значения мы ни рассматривали.
Барельеф на колонне Траяна © artofmaking.ac.ukПобеда. Логично было бы искать вскинутые руки на статуях, увековечивающих военные успехи: колоннах Траяна или Марка Аврелия, арках Тита и Константина. Но у изображенных на них мужчин нет единообразия в жестах: так, на колонне Траяна у кого-то руки вытянуты, у кого-то согнуты в локте, у кого-то плечо прижато к туловищу. Ладонь очень редко раскрыта, а если и так, то расположена вертикально; большинство пальцев на протянутой вперед руке обычно согнуты.
Встреча. Иногда жесты, напоминающие фашистский (но не идентичные ему), изображаются в сценах встречи, когда император или военачальник приветствует или обращается к одиночке или группе.
Однако поднимает руку исключительно тот, кто выше в социальной иерархии, а не оба участника. Анализируя эти сцены, ученые пришли к выводу, что поднятая рука здесь значит власть, а не приветствие. Зато в римской литературе встречаются описания приветствия, обозначающего доверие, в котором правые руки здоровающихся смыкаются, напоминая современное рукопожатие.
Речь. Нет указаний и на то, что этот жест как прием использовался римскими ораторами. Квинтилиан в своем учебнике утверждает, что воздевать руки можно, лишь когда стиль речи достигает особой возвышенности, либо в знак предостережения — но ритор против того, чтобы поднимать руку выше уровня глаз, и осуждает любую неумеренность в жестах.
Экстаз. В римских текстах упоминается воздевание руки к небу — в знак молитвы, обращения к богам, признания их власти, но никак не в виде ежедневного ритуала. Часто ладонь обращена к божествам, то есть смотрит вверх, а не вниз.
Клятва.
В «Энеиде» есть эпизод взаимной клятвы Энея и царя Латина. В этой сцене Латин совершает жест, который в одной из частей мог бы напоминать римское приветствие, — только правая рука царя не пуста: Латин держит скипетр.
Винклер приводит примеры и ошибочно найденных фашистских жестов. Классическим образцом приветствия с вытянутой рукой считается скульптурное изображение императора Августа, известное как Augusto di Prima Porta. Однако это аберрация: рука у статуи была прикреплена в ходе реставрации взамен утерянной; в первоначальном виде император никого не приветствовал, а опирался на копье. Часто след римского приветствия видят в конной статуе Марка Аврелия, стоящей на Кампидольо в Риме, однако рука императора здесь расположена ниже уровня его плеча. Тем не менее именно с этой статуи скульптор Джузеппе Грациози делал портрет Муссолини.
2. Живопись
Жак Луи Давид должен считаться изобретателем того жеста, который делают братья Горации на его знаменитой картине: римские словесные и изобразительные источники римского приветствия не зафиксировали. Сцена, изображенная художником, подчеркнуто выдуманная: клятву не описывают ни античные авторы — Тит Ливий и Дионисий Галикарнасский, — ни драматург Пьер Корнель, автор трагедии «Гораций». Современные ученые считают историю битвы Горациев и Куриациев скорее мифической, чем правдивой. Это не единственная выдумка Давида: одежда персонажей, шлемы, мечи, архитектура на заднем плане — все это анахронизмы.
Кроме того, на полотне Давида лишь ближайший к зрителю брат поднимает правую руку, остальные двое клянутся левой. В позах нет единообразия: чем дальше от смотрящего персонаж, тем выше он поднимает руку; соответственно, наиболее приближающийся к фашистскому жест делается левой рукой. Наконец, двое ближайших Горациев не сводят пальцы вместе; растопыривает ли ладонь третий, не видно.
1 / 3
Клятва в зале для игры в мяч. Картина Жака Луи Давида. 1790–1794 годы© Wikimedia Commons
2 / 3
Раздача орлов. Картина Жака Луи Давида. 1810 год© Wikimedia Сommons
3 / 3
Клятва Горациев. Картина Жака Луи Давида. 1784 год© Wikimedia Сommons
Картина Давида — политическая, и он подчеркивал это сам, сопоставив аллегорическую клятву из древней истории с современной. Этот сюжет Давид повторил — изобразив присягающих на картине «Клятва в зале для игры в мяч», посвященной антироялистскому выступлению 1789 года в Версале. Живописец указывал на преемственность полотен, разместив набросок второй «Клятвы» непосредственно под первой. Однако пришедшие в экстаз патриоты в зале для игры в мяч клянутся как попало: в расположении рук нет единообразия.
Наконец, третья итерация этого жеста в живописи Давида стала безусловно автократической: клятва друг другу сменяется клятвой лидеру. На картине «Присяга войска императору после раздачи орлов 5 декабря 1804 года» некоторые из наполеоновских командующих вытягивают руку, подчеркивая одновременно религиозную и имперскую природу момента. Гражданская доблесть французской революции сменилась военной преданностью, и для передачи нового политического смысла Давид вновь использует риторику, впервые опробованную им на античном материале.
3. Кино
После изобретения кинематографа жест, изображенный Давидом, стал постепенно попадать в фильмы на античные сюжеты. Эта тенденция достигла своего самого яркого выражения в 1914 году, когда на итальянские экраны вышел блокбастер, величественный пеплум «Кабирия» режиссера Пастроне. Действие происходит во времена Второй Пунической войны, и каждый итальянец мог понять предложенную аллегорию. Древняя Ливия перешла в подчинение Риму после поражения Ганнибала; в 1911 году в ходе Итало-турецкой войны итальянские войска заняли Триполи, столицу Ливии современной. Приветственный жест с вытянутой рукой в фильме используется неоднократно, причем не только римлянами, но и персонажами-африканцами.
Кадр из фильма «Кабирия» Джованни Пастроне (1914)К работе над сценарием и рекламе картины режиссер привлек Габриэле д’Аннунцио — сверхпопулярную фигуру того времени, главного стихотворца Италии, романтика, героя-любовника, поэта-солдата, патриота, аса времен Первой мировой. Это д’Аннунцио придумал назвать фильм «Кабирия», это ему города рукоплескали на премьерах, и это именно он, а не режиссер, снискал больше всего славы от фильма, который быстро стал хитом в Европе и Америке.
С 1919 года д’Аннунцио поддерживает партию Муссолини. В сентябре 1919-го поэт возглавил националистический поход на хорватский город Риеку, который итальянцы называли Фиуме. Город был взят, и больше года д’Аннунцио фактически был самопровозглашенным диктатором непризнанной Республики Фиуме (его в римских традициях надо было называть консулом). Именно там поэт опробовал многие элементы протофашистской символики — и римское приветствие, опробованное в «Кабирии», в том числе. Жест выдавали за подлинный инструмент римских ораторов, подчеркивая превосходство над смиренным поклоном или мещанским рукопожатием: вытянутая рука уподоблялась удару клинка в горло невидимого врага.
Идеологическое сотрудничество с Муссолини было взаимовыгодным. Если поэт взял у дуче название вооруженных бригад, fasci di combattimento (от слова fascio, «пучок», происходит «фашизм»), то тот позаимствовал у покорителя Фиуме весь ритуал, спектакль: черные рубашки и фески, слоганы, мистическое исступление толпы при виде лидера и эстетику наследников цезарей. Немолодой поэт, прятавший лысину под венком, прямо сопоставлял себя с Цезарем — и Муссолини, для которого д’Аннунцио был как отец, следовал его примеру.
Неизвестно, знал ли дуче про кинематографические корни фашистского приветствия, но он вернул жест в его родную стихию. Итальянский диктатор быстро понял пропагандистский эффект радио и кино и фактически стал главной экранной звездой своего времени, постоянно появляясь в документальных фильмах и хронике. Аудиовизуальные медиа стали важным компонентом в становлении муссолиниевского римского культа — точнее, псевдоримского, если учесть, что изобретателями его фирменного приветствия оказались художник-классицист и поэт-авантюрист.
Жак Луи Давид — 97 произведений
Жак-Луи́ Дави́д (фр. Jacques-Louis David; 30 августа 1748, Париж — 29 декабря 1825, Брюссель) — французский живописец и педагог, крупный представитель французского Неоклассицизма в живописи.
Жак-Луи Давид родился 30 августа 1748 года в семье оптового торговца железом Луи-Мориса Давида и его жены, Мари-Женевьев (урожд. Бюрон) и в тот же день был крещён в церкви Сен-Жермен-л’Осеруа. До 2 августа 1757 года — дня смерти своего отца, возможно, погибшего на дуэли, жил в пансионе монастыря Пикпюс[fr]. Благодаря брату матери, Франсуа Бюрону, девятилетний Жак-Луи, позанимавшись с репетитором, поступил в Коллеж Четырёх Наций на курс риторики. После чего мать, оставив ребёнка в Париже на попечении брата, уехала в Эврё. Будущее Жака-Луи определили её родственники: брат Мари-Женевьев, Франсуа Бюрон, как и её шурин, Жак-Франсуа Демезон, были архитекторами, также семья была связана родством с художником Франсуа Буше. Когда у ребенка были замечены способности к рисованию, было решено, что он станет архитектором, как и оба его дяди.
Давид берёт уроки рисунка в Академии Святого Луки, в 1764 году родственники представляют его Франсуа Буше в надежде, что тот возьмёт Жака-Луи себе в ученики. Однако из-за болезни художника этого не произошло — тем не менее, он рекомендовал юноше начать заниматься у одного из ведущих мастеров исторической живописи раннего неоклассицизма Жозефа Вьена. Два года спустя, в 1766 году Давид поступает в Королевскую Академию живописи и скульптуры, где начинает заниматься в мастерской Вьена. Педагогическая система последнего, проведшего несколько лет в Италии и увлечённого античностью, была основана на изучении античного искусства, произведений Рафаэля, братьев Карраччи, Микеланджело, требовании достижения в живописи «правды» и «величия».
В 1775—1780 Давид обучался во Французской академии в Риме, где изучал античное искусство и творчество мастеров эпохи Возрождения.
В мае 1782 года женился на Шарлотте Пекуль. Она родила ему четверых детей.
В 1783 году был избран членом Академии живописи.
Активно участвовал в революционном движении. В 1792 году был избран депутатом Национального Конвента, где примкнул к монтаньярам во главе с Маратом и Робеспьером, голосовал за смерть короля Людовика XVI. Являлся членом Комитета общественной безопасности, в качестве которого подписывал приказы об аресте «врагов революции». Из-за политических разногласий в это время развелся с женой.
Стремясь увековечить события революции, Давид пишет ряд картин, посвящённых революционерам: «Клятва в зале для игры в мяч» (1791, не закончена), «Смерть Марата» (1793, Музей современного искусства, Брюссель). Также в это время организовывал массовые народные празднества и создал Национальный музей в Лувре.
В 1794 году после термидорианского переворота заключён в тюрьму за революционные взгляды.
В ноябре 1796 года повторно женился на Шарлотте.
В 1797 году стал свидетелем торжественного въезда в Париж Наполеона Бонапарта и с тех пор становится его пылким сторонником, а после прихода того к власти — придворным «первым художником». Давид создаёт картины, посвящённые переходу Наполеона через Альпы, его коронации, а также ряд композиций и портретов приближённых к Наполеону лиц. После поражения Наполеона в битве при Ватерлоо в 1815 году бежал в Швейцарию. В августе того же года вернулся во Францию. Но в 1816 году был изгнан из страны как «цареубийца», несмотря на ходатайство министра полиции Эли Деказа. Переехал в Брюссель, где прожил до конца жизни.
Был похоронен на кладбище квартала Леопольда в Сен-Жосс-тен-Ноде (в 1882 году перезахоронен на Брюссельском кладбище[en] в Эвере), его сердце было перевезено в Париж и захоронено на кладбище Пер-Лашез.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
ещё …
Художники по направлению: Неоклассицизм — WikiArt.org
направление
Неоклассици́зм — термин, применяемый в российском искусствоведении для обозначения художественных явлений последней трети XIX и XX века, которым присуще обращение к традициям искусства античности, искусства эпохи Возрождения или классицизма (в музыке — также и эпохи барокко). В зарубежном искусствоведении неоклассицизмом называют классицизм в архитектуре и изобразительном искусстве второй половины XVIII — первой трети XIX веков, в отличие от классицизма более раннего периода.
Путаница возникла из-за того, что во Франции классицизмом называют стиль XVII века, стиль Людовика XIV (Louis XIV). Под неоклассицизмом же понимают стиль второй половины XVIII века, стиль Людовика XVI (Louis XVI) — то, что в России (как и в Германии) традиционно называют классицизмом (период 1762—1840). Неоклассицизмом же в России и Германии называют ретроспективный стиль начала XX века, «отличавшийся от „старого доброго“ русского классицизма и материалами (не белые оштукатуренные колонны, а естественный камень), и подчёркнуто выразительной прорисовкой классических форм и деталей, а иногда сокращением деталей и смешением классических и ренессансных мотивов».
Аналоги неоклассицизма в зарубежной практике — американский ренессанс и колониальное возрождение в США (1876—1914).
В конце XIX века сформировался новый архитектурный стиль, в России называемый «модерн». Но он не смог утолить назревшую потребность в большом монументальном стиле. Неоклассицизм появился в начале века как антитеза декоративной избыточности модерна. Опора на классику, ордерную систему, соблюдение классических пропорций. Стремление к уюту, гармонии. Характерные украшения: листья, раковины, архитектурные фронтоны, античные фигуры. Мебель лёгкая, изящная, прямые линии.
Параллельно с новаторскими тенденциями в архитектуре начала ХХ в. набирали силу ретроспективные течения. Жажда новизны быстро сменилась грезами о прошлом. «Открытие» заново ценностей классицистического зодчества ускорило разочарование в архитектурных новациях и закат «мимолетного» стиля. Неоклассицизм и «неорусский стиль» сначала повлияли на лексикон модерна, а после 1910 г. оттеснили его на дальний план.
Еще в начале 1900-х гг. художник и критик Александр Бенуа одним из первых заговорил о неповторимой красоте старого Петербурга. Его статьи словно открыли глаза современникам, сумевшим по достоинству оценить преданное было забвению классицистическое наследие. С этого момента и начал своё восхождение неоклассицизм.
Это движение охватывало обе российские столицы, а потом и провинцию. Естественно, неоклассицизм имел близкие параллели в европейской архитектуре того времени. И всё же это явление было специфически петербургским. Сторонники его исходили из собственных традиций, апеллируя к «золотому веку» зодчества невской столицы. В отличие от модерна и большинства неостилей XIX в., это было возвращение к своим корням. Поэтому неоклассицизм правомочно назвать петербургским возрождением, олицетворявшим историческую причастность города к общеевропейской классической культуре.
Ретроспективное направление опиралось прежде всего на русский классицизм и ампир, отчасти — барокко. Изначально оно ориентировалось на конкретный контекст классицистических ансамблей (постройки В. Ф. Свиньина и Е. С. Воротилова). Юбилейные торжества к 200-летию Петербурга пробудили общий интерес к его ранней истории и содействовали появлению необарочного течения (А. И. Дмитриев, Л. А. Ильин, Н. Е. Лансере). Лидером неоклассицизма выдвинулся И. А. Фомин — страстный приверженец русского зодчества конца XVIII — начала XIX в. Затем сторонники традиционалистского пути стали всё чаще обращаться к первоисточникам русского классицизма — итальянскому ренессансу и в особенности — палладианству. Ведущими представителями неоренессансного направления выступали В. А. Щуко, А. Е. Белогруд, М. М. Перетяткович, М. С. Лялевич.
В идеале ретроспективисты стремились к полной реконструкции исторического стиля, даже к иллюзии старины. На практике мотивы ретростилей, как правило, наслаивались на современные функционально-планировочные структуры и приобретали явный оттенок модернизации. Одними из первых на путь модернизованной неоклассики вступили Ф. И. Лидваль и Р. Ф. Мельцер. Новаторским примером трансформации и упрощения классицистических форм предстало Германское посольство немецкого архитектора Петера Беренса.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/НеоклассицизмЖан Огюст Доминик Энгр — 287 произведений
Жан Огю́ст Домини́к Энгр (фр. Jean Auguste Dominique Ingres; 1780—1867) — французский художник, живописец и график, общепризнанный лидер европейского академизма XIX века. Получил и художественное, и музыкальное образование, в 1797—1801 годах учился в мастерской Жака-Луи Давида. В 1806—1824 и 1835—1841 годах жил и работал в Италии, преимущественно в Риме и Флоренции (1820—1824). Директор Школы изящных искусств в Париже (1834—1835) и Французской Академии в Риме (1835—1840). В молодости профессионально занимался музыкой, играл в оркестре Тулузской оперы (1793—1796), в дальнейшем общался с Никколо Паганини, Луиджи Керубини, Шарлем Гуно, Гектором Берлиозом и Францем Листом.
Творчество Энгра делится на ряд этапов. Как художник он сформировался очень рано, и уже в мастерской Давида его стилевые и теоретические изыскания входили в конфликт с доктринами его учителя: Энгра интересовало искусство Средневековья и Кватроченто. В Риме Энгр испытывал определённое влияние стиля назарейцев, его собственное развитие демонстрирует ряд экспериментов, композиционные решения и сюжеты ближе к романтизму. В 1820-е годы он испытал серьёзный творческий перелом, после которого стал использовать почти исключительно традиционные формальные приёмы и сюжеты, хотя и не всегда последовательно. Энгр определял своё творчество как «хранение истинных доктрин, а не новаторство», однако эстетически постоянно выходил за пределы неоклассицизма, что выразилось в его разрыве с парижским Салоном в 1834 году. Декларируемый эстетический идеал Энгра был противоположен романтическому идеалу Делакруа, что привело к упорной и резкой полемике с последним. За редкими исключениями произведения Энгра посвящены мифологической и литературной тематике, а также истории античности, истолкованной в эпическом духе. Он также оценивается как крупнейший представитель историзма в европейской живописи, заявляя, что развитие живописи достигло пика при Рафаэле, далее пошло в неверном направлении, и его, Энгра, миссия — продолжить с того же уровня, который был достигнут в эпоху Ренессанса. Искусство Энгра — цельное по стилю, но очень неоднородное типологически, и потому по-разному оценивалось современниками и потомками. Во второй половине XX века работы Энгра выставлялись на тематических экспозициях классицизма, романтизма и даже реализма.
Жан Огюст Доминик Энгр родился 29 августа 1780 года в Монтобане на юго-западе Франции. Он был первенцем в семье Жана-Мари-Жозефа Энгра (1755—1814) и Анны Муле (1758—1817). Отец был родом из Тулузы, но осел в патриархальном Монтобане, где преуспел как художник-универсал, который брался за живописные, скульптурные и архитектурные работы, а также был известен как скрипач. Позднее Энгр-старший был избран членом Тулузской академии. Вероятно, он хотел, чтобы сын пошёл по его стопам, тем более, что Жан Огюст рано проявил талант художника и стал копировать работы отца и те произведения искусства, которые имелись в домашней коллекции. Жан Огюст получил первые уроки музыки и рисования дома и далее был отдан в школу в Монтобане (фр. École des Frères de l’Éducation Chrétienne), где он смог в очень раннем возрасте реализоваться как художник и скрипач.
В 1791 году отец решил, что сыну необходимо более фундаментальное образование, и отдал его на обучение в тулузскую Академию живописи, скульптуры и архитектуры (фр. Académie Royale de Peinture, Sculpture et Architecture), которая из-за перипетий революции потеряла статус «Королевской». В Тулузе Энгр провёл шесть лет — до 1797 года, и его наставниками были известные художники того времени: Гийом-Жозеф Рок, скульптор Жан-Пьер Виган и пейзажист Жан Бриан. Рок в своё время совершил пенсионерскую поездку в Рим, во время которой познакомился с Жаком-Луи Давидом. Энгр преуспевал в живописи и получил несколько наград за годы учения, а также хорошо изучил историю искусства. На конкурсе молодых художников 1797 года в Тулузе Энгр удостоился первого приза за рисунок с натуры, а Гийом Рок внушал ему, что для преуспевающего художника важно быть хорошим наблюдателем и портретистом, способным достоверно воспроизвести натуру. Одновременно Рок преклонялся перед искусством Рафаэля и привил Энгру уважение к нему на всю жизнь. Жан Огюст начал заниматься портретной живописью, главным образом для заработка, подписывая свои работы «Энгр-сын» (фр. Ingres-fils). Не оставил он и занятий музыкой под руководством известного скрипача Лежана. В 1793—1796 годах выступал второй скрипкой в оркестре тулузского Капитолия (фр. Orchestre du Capitole de Toulouse) — оперного театра.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
ещё …
Давид Картины биография David Jacques-Louis
Давид Жак Луи (David Jacques-Louis), французский живописец. Родился 30 августа 1748 года в Париже. С 1766 по 1774 год учился в Королевской академии живописи и скульптуры у исторического живописца Жозефа-Мари Вьена, в 1775–1780 изучал античное искусство в Риме. В 1780–1790-е годы Жак Луи Давид стал основоположником и признанным лидером так называемого революционного классицизма – направления во французском искусстве конца XVIII века, воспринявшего у рационалистической просветительской философии XVIII столетия культ разума и естественного чувства, выдвинувшего новый тип художника-борца, призванного воспитывать у зрителя высокие моральные качества и гражданские добродетели.
Для произведений художника 1780-х годов характерны публицистическая направленность, стремление выразить свободолюбивые героические идеалы предреволюционной эпохи через образы античной истории (“Смерть Сократа”, 1787, Метрополитен-музей; “Ликторы приносят Бруту тела его сыновей”, 1789, Лувр, Париж).
Возвышенность замысла, сценическая торжественность образного строя, чеканная барельефность композиции, преобладание объемно-светотеневого начала над колористическим особенно ярко воплотились в картине “Клятва Горациев” (1784, Лувр, Париж), воспринятой обществом как призыв художника к революционной борьбе.
Классицистические представления о волевом и деятельном начале как сущностном ядре человеческой личности отразились в портретах Давида этого периода (“Портрет доктора Альфонса Леруа”, 1783, Музей Лувр, Париж; “Портрет Лавуазье и его жены Мари-Анны”, 1788, Метрополитен-музей, Нью-Йорк). Воодушевленный событиями Великой французской революции, Жак-Луи Давид стремился к созданию исторической картины на современную тему (“Клятва в зале для игры в мяч”, 1791, картина не закончена, центральная часть в Национальном музее Версаля и Трианонов).
Черты портрета и исторической картины совмещены в картинах “Убитый Лепелетье” (1793, картина не сохранилась, известна по гравюрам Тардье) и особенно “Смерть Марата” (1793, Королевский музей, Брюссель) с их трагическим звучанием, простотой и лаконизмом композиции, суровой сдержанностью цвета и скульптурной монументальностью форм. Давид был активным деятелем революции, членом Конвента, организовывал массовые народные революционные празднества в Париже, создал Национальный музей в Лувре.
Примечание.
1. Клик по миниатюре картины ► переход на страницу скрипта оригинального изображения.
2. Клик по активному названию картины (желтый цвет) ► переход на страницу с изображением максимального размера в масштабируемом виде и описанием.
Жак Луи Давид: жизнь и творчество художника
Жак Луи Давид (фр. Jacques-Louis David) (30.08.1748, Париж, — 29.12.1825, Брюссель) — французский живописец.
Содержание
Биография Давида Жака-Луи
Творчество французского художника
Интересные факты о творчестве Давида Жака-Луи
Картины Давида Жака-Луи
Библиография
Биография Давида Жака-Луи
В сущности, Давид был диктатором для своего поколения.
Уходящее далеко за пределы картин, его влияние направляло стиль моды, дизайн мебели и интерьера, а кроме того отражалось на развитии моральной философии. Искусство на протяжении всей биографии Давида было неожиданным, решительным разрушением традиций. Отсюда берет начало современное направление.
Давид обучался во Французской Академии.
После получения римской стипендии Prix de Rome (четырежды не мог победить, из-за чего пытался совершить самоубийство путем голодания), в 1775 он отправился в Италию.
Его стремление к античному искусству, полученное в Риме, а также обозрение руин Помпеи и Геркуланума, подтолкнуло к возрождению классического направления во французском искусстве. Он заимствовал классические формы и мотивы, преимущественно из скульптур, чтобы демонстрировать чувство достоинства, приписываемое древним римлянам.
Уничтожаемый жаждой безупречности, а также политическими идеями о французской революции, Давид в своих работах наложил жесткое ограничение на выражение чувств. Такое подавление в итоге вылилось в отличительное безразличие и рационализм.
Репутация в биографии Давида была в основном заработана на выставке 1784 года.
Тогда он представил свою величайшую работу «The Oath of the Horatii» (сейчас в Лувре). Это полотно, также как и «Death of Socrates» (1787, музей «Метрополитен»), «Lictors Bringing to Brutus the Bodies of His Sons», (1780, Лувр), выражало тематику соответствующей политической обстановки. Работы принесли Давиду большую популярность. В 1780 он был приглашен в Королевскую академию, работал как приближенный художник короля.
Как могучий республиканец, Давид со времен избрания в Конституционный Конвент, поддерживал уход короля и распад Королевской академии во Франции и Риме. В своих картинах революционных страдальцев, особенно в «Marat» (1793, Брюссель), его железный контроль смягчился. Драматическим портретам он придавал лоск. На некоторое время художник был заключен в тюрьму до конца политики террора.
Давид стал первым художником императора, фиксирующим события из жизни Наполеона («Napoleon Crossing the Saint Bernard Pass», 1800–01, «Coronation of Napoleon and Josephine», 1805–07, «The Distribution of the Eagles», 1810). Также биография Жака Луи Давида была известна как великолепного портретиста («Mme Recamier», 1800, Лувр). В этот период влияние Давида было наибольшим. Но его картины, более чем когда-либо воплощающие неоклассическую теорию, снова стали статичными и нечувствительными.
Во время реставрации монархии, восстановления Бурбонов, Давид провел свои последние годы в Брюсселе. Тогда он написал серию великолепных портретов. Не смотря на то, что художник недооценивал портретный жанр, в нем он наиболее прославился. Используя живых фигур охотнее, чем скульптуры, он позволял своим спонтанным чувствам раскрываться на рисунке.
Последние полотна в биографии Давида (например «Antoine Mongez and His Wife Angelica», 1812, Лилль, «Bernard», 1820, Лувр, «Zenaide and Charlotte Bonaparte», 1821, музей Гетти) чрезвычайно жизненны. В них четко проявились черты зарождения нового романтизма.
- Наполеон пересекает Альпы в Сен-Бернар Пасс
- Сестры Зинаида и Шарлота Бонапарт
Творчество французского художника
Давид Жак Луи-французский живописец, выдающийся представитель неоклассицизма.
Учился у Буше, начинал работать в стиле рококо, но после учёбы в Риме и под влиянием искусства Древнего Рима Давид выработал строгую эпическую манеру. Вернувшись во Францию, Давид оказался во главе течения рококо и стремился выразить героические свободолюбивые идеалы через образы античности, что оказалось весьма созвучно царившим во Франции того времени общественным настроениям. Создавал полотна, воспевавшие гражданственность, верность долгу, героизм, способность к самопожертвованию.
«Произведения искусства достигают своей цели, не только радуя глаз, но и проникая в душу, оставляя в воображении глубокий след, как нечто реальное; лишь тогда черты героизма и гражданских добродетелей, показанные народу, потрясут его душу и заронят в неё страстное стремление к славе и к самопожертвованию ради блага Отечества», — писал французский живописец Давид.
Жак-Луи Давид стал основоположником так называемого революционного классицизма, выдвинувшего новый тип художника-борца, призванного воспитывать у зрителя высокие моральные качества. Он создавал одновременно и чрезвычайно суровые, строгие по композиции произведений, и блестящие реалистические портреты.
Славу Давиду принесла картина «Клятва Горациев» (1784 г.), изображающая трёх братьев-близнецов, которые, по преданию, победили в поединке с тремя братьями-близнецами Куриациями в споре о могуществе Рима.Картина вызвала огромный успех. «Весь Рим» собрался, чтобы посмотреть «Клятву Горациев», которую посчитали величайшей данью уважения Вечному Городу. Мастерская превратилась в настоящий объект паломничества. Отряд карабинеров постоянно дежурил у мастерской, чтобы наводить порядок в потоке зрителей. Даже Папа Римский увидел детище французского художника. Один из современников писал: «Две недели назад Давид закончил свою картину. Никакие слова не могут передать её красоту… В Риме он принят везде, всюду на него показывают пальцем. Итальянцы, англичане, немцы, русские, шведы и я не знаю, кто ещё, — все нации завидуют счастью Франции, которой принадлежит этот человек. Картина выставлена для всеобщего обозрения, и поток людей, идущих на неё взглянуть, не иссякает. Давид ежедневно получает латинские, итальянские, французские стихи». В Парижском Салоне «Клятву Горациев» публика приняла с восторгом, не уступавшим тому, что был в Риме.
Автор изобразил момент, когда трое братьев, подняв руки в римском приветствии, клянутся победить или умереть, а их отец протягивает им боевые мечи. Позы героев говорят о нерушимости их торжественной клятвы. Давид тщательно продумал композицию полотна, персонажей, игру света. Он усилил воздействие сюжета, объединив фигуры в их мощном троезвучии: три группы персонажей, три руки, три меча, три арки. Благородная простота и совершенство живописного решения произвели настоящую революцию, определившую дальнейшее развитие всего изобразительного искусства первой половины 19 века. Жак Луи Давид соединил культ античности с политическими идеями, захватившими в ту пору французское общество. В те годы всё громче и отчётливее проявлялось недовольство правлением короля. Многими картина Давида воспринималась как символ борьбы за правое дело. Трудно сказать, действительно ли Жак собирался призывать своих сограждан к оружию…
Творчество Давида в исторической ретроспекции тесно связано с хронологией Великой Французской революции, её духовными предвестиями… По своим политическим взглядам художник был анархистом, с радостью воспринял начавшуюся революцию. Однако последние годы жизни мастер провёл в изгнании, так как стал живописцем Наполеона и человеком, разделяющим его взгляды и идеи. Итог оказался печальным. Последние десять лет жизни основоположник классицизма провёл в изгнании. Жака Луи после смерти погребли в Брюсселе.
Похоронить его на родине власти не разрешили.
Давид не только великий живописец, он проявил себя как высокоодарённый педагог. По собственным подсчётам мастера, только прямых учеников у него было около пятисот. Из его мастерской вышли Гро, Жерар, Энгр. «Под знаком Давида» французское искусство развивалось вплоть до импрессионизма. Русский критик А. Прахов писал: «Давид был первым историческим живописцем в истинном смысле этого слова… по натуре же и в характере художественного дарования всегда оставался человеком революции».
Творческие находки и принципы Давида стали манифестом целой эпохи.
Интересные факты о творчестве Давида Жака-Луи
Дочь аристократа Лепелетье Сюзанна, в отличие от отца, была ярой роялисткой. Она планомерно скупала все репродукции картины Давида «Лепелетье де Сен-Фаржо на смертном одре», которая была написана после его убийства, за то, что он голосовал за казнь короля, и уничтожала их. В конце концов она за огромные деньги выкупила у сына художника оригинал и сожгла его. Как выглядела картина мы знаем по случайно уцелевшей одной репродукции и рисунку ученика художника.
Библиография
- Герман М. Давид. — М. «Молодая гвардия», 1964. — 304 с. — (ЖЗЛ; Вып. 381). — 115000 экз.
- Ланди Э. «Тайная жизнь великих художников», М. 2011, ISBN 978-5-98697-228-2. стр. 104.
При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: all-biography.ru, letopisi.org, ru.wikipedia.org
Если вы нашли неточности или желаете дополнить эту статью, присылайте нам информацию на электронный адрес [email protected], мы и наши читатели будем вам очень благодарны.
Жак Луи Давид: картины художника
Творчество. Свобода. Живопись.
Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!
Жак Луи Давид: жизнь и творчество художника
4 (80%) 10 голос(ов)Жак Луи Давид — краткая биография, этапы жизни и творчества
Давид Жак Луи (1748—1825), французский живописец.
Родился 30 августа 1748 г. в Париже в семье богатого буржуа. Мальчик рано обнаружил склонность к рисованию.
В 1766 г. его приняли в Королевскую академию живописи и скульптуры, где учителем Давида стал художник Ж. М. Вьен, создававший картины на античные сюжеты.
Закончив Академию, молодой живописец, как тогда было принято, отправился на стажировку в Италию.
Там он провёл четыре года (1775—1779 гг.).
По возвращении на родину Давид стал членом академии и регулярно участвовал в её выставках.
Уже в ранних работах мастера утверждалось торжество гражданского мужества и разума над бездумной жестокостью («Бой Минервы и Марса», 1771 г.). Теперь античные сюжеты прочно вошли в творчество художника.
Романтический гражданский дух был характерен для классицизма предреволюционной эпохи во Франции. Первой работой Давида в этом стиле является полотно «Велизарий, просящий подаяние» (1781 г.). Эта подчёркнуто строгая картина, воспевающая стойкость истинного гражданина в невзгодах, сразу привлекла внимание зрителей.
Ещё большей популярностью пользовалось другое полотно Давида — «Клятва Горациев» (1784 г.) на сюжет из римской истории. Трое братьев из знатного рода Горациев одолели в битве с городом Альба-Лонга трёх своих противников. И хотя двое из братьев погибли, поединок закончился в пользу римлян, что принесло им быструю и бескровную победу.
Давид работал по государственному заказу: академия поощряла произведения, возбуждающие патриотические чувства. В 1787 г. живописец создал картину «Смерть Сократа», в 1789 г. — «Ликторы приносят Бруту тела его сыновей».
Последнее полотно было выставлено в революционном Париже уже после штурма Бастилии и сразу стало очень популярно. На нём изображались такие знакомые парижанам картины — женщины оплакивают погибших.
С этого момента Давид стал признанным художником Французской революции.
Картина «Клятва в зале для игры в мяч» (1791 г.) не была закончена мастером, так как большинство её героев — депутатов парламента — уже через год либо оказались в эмиграции, либо пали жертвами якобинского террора.
В 1793 г. Давид пишет композиции «Убитый Лепелетье» и «Смерть Марата», совмещая в них черты портрета и исторического полотна.
Сам художник являлся депутатом Конвента, участвовал в создании новых революционных праздников. Именно ему была поручена организация Национального музея в Лувре.
После прихода к власти Наполеона I Давид стал главным придворным живописцем. Он оказался необыкновенно плодовит, сделал множество портретов императора («Наполеон при переходе через Сен-Бернар», 1800 г., и др.), его жены Жозефины, придворных («Мадам Рекамье», 1800 г.; портреты четы Серизиа, 1795 г.) и генералов, а также запечатлел торжественные события («Коронация», 1805—1807 гг).
После поражения Наполеона Давид был вынужден уехать в Брюссель (1816 г.), где и умер 29 декабря 1825 г.
Популярно:
Комментарии:
Художников по направлению: неоклассицизм
Художественное движение
Европейцы эпохи Просвещения 18-го века хотели, чтобы их произведения искусства и архитектуры отражали и несли тот же набор стандартов, что и идеализированные произведения греков и римлян.В сочетании с захватывающими археологическими открытиями Помпеи и Геркуланума в Риме возник неоклассицизм, поскольку художники и архитекторы наполнили свои работы прошлыми греко-римскими идеалами. Возврат к изучению естествознания, истории, математики и анатомической правильности произошел в большом количестве, заменив предшествовавшую культуру тщеславия рококо и атмосферу придворной живописи.
Неоклассицизм принял иерархию живописи, установленную Французской Королевской академией художеств в 1669 году. Историческая живопись, включающая предметы из Библии, классической мифологии и истории, была признана высшей категорией, за ней следовали портреты, жанры. живопись, пейзажи, натюрморты.Эта иерархия использовалась для оценки работ, представленных для Салона или на получение призов, таких как знаменитая Prix de Rome, и повлияла на финансовую стоимость работ для меценатов и коллекционеров. Работы Николя Пуссена и Клода Лоррена почитались как идеальные образцы исторической живописи, и оба художника оказали основное влияние на неоклассицизм. Пейзажи Лоррена сочетают в себе натуралистические детали и наблюдение за светом и его эффектами с фигурами из мифологических или библейских сцен, как видно из его пейзажа «Пейзаж с Аполлоном, охраняющим стада Адмета (1645 г.)».Эффект упорядоченной гармонии был передан во многих его работах, которые апеллировали к вере неоклассицизма в то, что искусство должно выражать идеальные добродетели. Композиции Пуссена подчеркивали ясность и логику, а его образные трактовки отдавали предпочтение четким линиям. Его The Death of Germanicus (1627) сделал его известным в свое время и повлиял на Жака-Луи Давида, а также на Бенджамина Уэста, чей The Death of General Wolfe (1770) основан на работе.
Неоклассицизм был вдохновлен открытием древнегреческих и римских археологических памятников и артефактов, которые стали известны по всей Европе в популярных иллюстрированных отчетах различных туристических экспедиций.Такие ученые, как Джеймс Стюарт и Николас Реветт, прилагали систематические усилия для каталогизации и записи прошлого в таких работах, как их Древности Афин (1762 г.). Желая увидеть эти работы воочию, молодые европейские аристократы во время Гранд-тура, традиционного образовательного обряда посвящения, отправились в Италию «в поисках искусства, культуры и истоков западной цивилизации», как писал культурный критик Мэтт Гросс. Рим с его римскими руинами, работами эпохи Возрождения и недавно обнаруженными древностями стал главной остановкой.Известные художники, такие как Помпео Батони и Антонио Канова, держали открытые студии, поскольку многие из этих аристократических туристов были одновременно заядлыми коллекционерами и заказывали различные работы.
Неоклассицизм зародился в Италия , в Риме, когда историк искусства Иоганн Иоахим Винкельманн « Мысли об имитации греческих произведений в живописи и скульптуре (1750)» сыграл ведущую роль в установлении эстетики и теории неоклассицизма. Хотя он и немец, он большую часть жизни прожил в Риме, где его покровителями стали несколько известных католических чиновников.Он утверждал, что искусство должно стремиться к «благородной простоте и спокойному величию», — утверждал он, — «единственный способ стать великими, возможно, неподражаемыми — это подражать древним». Работа, сделавшая его знаменитым, была широко переведена сначала на французский, а затем на английский художник Генри Фузели в 1765 году. Винкельманн был первым, кто создал упорядоченное видение искусства, от начала до зрелости и заканчивая упадком, глядя на цивилизацию. искусство как неразрывно связанное с самой культурой. Книга оказала влияние на известных интеллектуалов своего времени и последующих веков, включая Лессинга, Гердера, Гете, Ницше и Шпенглера.
Антон Рафаэль Менгс, близкий друг Винкельмана, был пионером неоклассической живописи. Круг художников, собравшихся вокруг Менгса и Винкельмана, позиционировал Рим как центр нового движения. Менгс отмечал фрески, изображающие мифологические сюжеты, благодаря чему его окрестили «величайшим художником дня». Он оказал влияние на ряд известных художников, которые должны были возглавить последующее развитие неоклассицизма в Великобритании, включая Бенджамина Уэста, Анжелику Кауфман, Джона Флаксмана и Гэвина Гамильтона.Он также оказал влияние на Жака-Луи Давида, который руководил более поздним периодом неоклассицизма, сосредоточенным во Франции, когда два художника встретились во время пребывания Давида в Римской премии с 1775 по 1780 год.
Неоклассицизм развился вместе с Просвещением, также называемым «Эпохой разума» — политическим и философским движением, которое в первую очередь ценило науку, разум и исследования. В соответствии с его духом художники-неоклассики чувствовали, что искусство может цивилизовать, реформировать и трансформировать общество, поскольку само общество трансформировалось под действием усиливающихся сил промышленной революции, движимой научными открытиями и изобретениями.В Британия , неоклассицизм Бенджамина Уэста, среди других художников, взял сообщение, подчеркивая моральную добродетель и рациональность Просвещения. Другие художники, такие как Джозеф Райт из Дерби, создали работы, основанные на научном изобретении, как видно в его Эксперимент над птицей в воздушном насосе (1768) или Философские лекции на Оррери (1766). Вместо мифологических сюжетов британские художники обратились к классическим историческим отчетам или современной истории, таким как Уэст Смерть генерала Вульфа (1770), в котором он бросил вызов академическим стандартам, отказавшись от совета изображать солдат в римских тогах как не основанный на причина или наблюдение.
Поздний период неоклассицизма, сосредоточенный в France , подчеркивал строгую линию, строгую классическую обстановку, освещенную искусственным светом, и упрощенные элементы, чтобы передать моральную энергию. Показанная на Парижском Салоне 1785 года, Клятва Горациев (1784) Жака-Луи Давида стала примером нового направления в неоклассической живописи и сделала его лидером этого движения. Художник завершил работу над картиной, когда был в Риме, где он общался с Менгсом, а затем посетил руины Геркуланума — опыт, который он сравнил с удалением катаракты хирургическим путем.Хотя Клятва Горациев обратился к королю Людовику XVI, чье правительство заказало его, с акцентом на лояльность, картина впоследствии стала отождествляться с революционным движением во Франции. Французская революция была периодом далеко идущих политических и социальных потрясений, которые свергнули монархию, установили республику и завершились диктатурой при Наполеоне, вдохновленной радикальными новыми либеральными идеями. Якобинцы, очень влиятельный политический клуб того времени, приняли приветствие братьев Горациев, как это видно из «Клятвы теннисного суда » Давида (1791).Влияние Давида было настолько велико, что более поздний период неоклассицизма был назван «Эпохой Давида», так как он лично обучал художников, включая Анну Луи Жироде-Триозон, Франсуа Жерара, Антуана Жана Гро и Жана Огюста Доминика Энгра.
Француз Жан-Батист Пигаль был одним из первых лидеров неоклассической скульптуры. Его Меркурий (1744) был провозглашен Вольтером как сопоставимый с лучшей греческой скульптурой и широко воспроизведен. Пигаль был также известным учителем, так как его ученик Жан-Антуан Удон, известный своими портретными бюстами, впоследствии возглавил движение во Франции.Поскольку движение было поистине интернациональным, итальянский скульптор Антонио Канова считался ведущим представителем неоклассицизма, поскольку его работы сравнивали по красоте и изяществу с произведениями древнегреческого скульптора Праксителя. В Англии Джон Флаксман был самым влиятельным скульптором, известным не только своими фигурами, такими как Pastoral Apollo (1824), но и своими рельефами и неоклассическим дизайном для керамической посуды Jasperware Джозайи Веджвуда, всемирно популярной керамической посуды.
Неоклассицизм в живописи и скульптуре начал приходить в упадок с ростом романтизма, хотя в начале 1800-х годов эти два стиля существовали в соперничестве, поскольку Энгр придерживался неоклассицизма, который к тому времени считался «традиционным», а Делакруа подчеркивал индивидуальную чувствительность и чувства. К 1850-м годам неоклассицизм как движение подошел к концу, хотя академические художники продолжали использовать классические стили и предметы на протяжении большей части 19-го века, хотя им противостояли и бросали вызов движениям современного искусства, таким как реализм, натурализм и импрессионизм.
Тем не менее, работы Энгра продолжали оказывать влияние на более поздних художников. Он повлиял на Эдгара Дега, Огюста Ренуара, Анри Матисса и Пабло Пикассо, которым его образные трактовки внушали стилистические искажения. Работы Давида, особенно его Смерть Марата (1793), были заново открыты в середине 19 века и впоследствии оказали влияние на Пикассо и Эдварда Мунка, а также на современных художников, таких как Вик Мунис. Современная художница Синди Шерман « исторических портретов » (1988–1990) перепрофилирует ряд знаменитых произведений неоклассицизма через кадры из автопортретов.
См. Также Неоклассицизм (стиль)
Источники: www.theartstory.org
Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Neoclassicism
картин Давида, биографии, идей | TheArtStory
Клятва Горациев (1784)
Клятва Горациев изображает повествование из ранней римской истории.Слева трое молодых солдат тянутся к своему отцу, обещая сражаться за свою родину. Они кажутся решительными и единодушными, каждый мускул в их телах активно задействован и энергично описан, как бы подтверждая их самоотверженность и храбрость. Эти братья Роман Горатий должны были сражаться против трех братьев Куратий из Альбы, чтобы урегулировать территориальный спор между их городами-государствами. Они готовы сражаться насмерть, жертвуя собой ради дома и семьи.
Подчеркивая их моральную непорочность, Дэвид сравнивает их положительный пример со слабостью.Справа женщины и дети падают друг на друга, охваченные эмоциями и страхом. Действительно, женщины более конфликтны; один, куратий, был женат на одном из горациев, а сестра горациев была обручена с другим куратием. Наблюдая за этим драматическим клятвой, они понимают, что либо их мужья, либо братья собирались умереть, и их лояльность разделилась. Дэвид сопоставляет эти две семейные группы, разделяя холст не только на мужские и женские роли, но и противопоставляя героическое и бескорыстное пугающему и неуверенному.
Эта ясность также отражается в строгости композиции и стиля; в то время как более ранние художники начали использовать греко-римские повествования как модную тенденцию в искусстве, ни один другой художник не объединил эти истории со стилистическим минимализмом и простотой Давида. Пустая сцена, организованная редкими арками на заднем плане, не отвлекает от урока. Каждая фигура и объект на картине вносят свой вклад в эту центральную мораль.
Действительно, Давид даже придумал эту сцену, чтобы максимально кратко передать суть повествования и его моральный смысл.Ни в письменной истории, ни в постановке этой истории 18 -го -го века сыновья не дают клятвы своему отцу. Дэвид добавил этот элемент, потому что это позволило ему сконцентрировать большую эпопею в единичный момент и создать максимально сильный эмоциональный заряд.
Восторженный прием этой картины в Салоне укрепил репутацию Давида как ведущего художника нового неоклассического стиля. Хотя эта работа была его первым королевским заказом, и ее акцент на самоотверженность и патриотизм был задуман с учетом монархии, ее изображение братства и героической жертвы вскоре перекликается с Французской революцией 1789 года.
Картина маслом | Давид Олески
Многие события добавляются. При наличии обязательных протоколов безопасности многие мероприятия будут по-прежнему проводиться с корректировкой интервалов и трафика. Посетите страницу выставки, чтобы увидеть последние дополнения к расписанию предстоящих выставок.
Давид Олески. Родился в 1961 г. Бостон, Массачусетс; образование: 1983 г., бакалавр изящных искусств, Институт Мэриленда, Колледж искусств, Балтимор, Мэриленд; в настоящее время проживает в Западном Честере, штат Пенсильвания, США.
Дэвид нашел голос в своей версии пристального изучения мира вокруг него. Следуя по стопам импрессионистов XIX века, он начал глубокое исследование все более фрагментарных взглядов на простые натюрморты. Он передает чувство ритма и атмосферы с помощью изысканных цветов, толстой и продуманной манеры письма …. подробнее.
нажмите для увеличения
нажмите для увеличения
нажмите для увеличения
нажмите для увеличения
Обычно картины Дэвида Олески можно увидеть лично на некоторых из ведущих открытых фестивалей изобразительного искусства в течение года по всей стране .С COVID-19 многие из этих мероприятий отменяются на 2020 год, но все картины могут быть отправлены или доставлены по разумной цене. Я все еще принимаю специальные заказы и комиссионные в течение года, поэтому не стесняйтесь обращаться ко мне, если я могу чем-то помочь, чтобы помочь вам приобрести предмет для вашего дома.
Все началось с натюрморта. В бесконечном поиске истины в наблюдениях освященная веками традиция стандартных натюрмортов заложила основу для понимания света, атмосферы, глубины и объема.Широкое и линейное представление академических аранжировок создает увлекательное сопоставление чего-то классического, которое заново изобретается как нечто острое и современное. Диалог создается между тонкими жестами основ, изгибов и положений.
Давид Олески продолжил свои исследования теории цвета с новой серией абстрактных картин цветового поля. Эта коллекция работ представляет собой непрерывную художественную эволюцию, сформировавшуюся благодаря наблюдению за светом и цветом.В течение десятилетия фундаментальные исследования традиционного натюрморта открыли дверь для отхода от изображения реального объекта; теперь исследуем, как глаз может создать комплексное понимание нюансов глубины и атмосферы через субстанцию краски.
Дэвид Дрискелл — Художники — DC Moore Gallery
Дэвид Дрискелл
1931–2020
Дэвид Дрискелл, высоко ценимый как художник, ученый и куратор, считается одним из ведущих мировых авторитетов в области афроамериканского искусства.Он был удостоен десяти почетных докторских степеней и внес значительный вклад в изучение истории искусства роли черных художников в Америке. Он является автором семи книг по теме афроамериканского искусства, соавтором четырех других и опубликовал более сорока каталогов с выставок, которые он курировал. Его статьи и очерки об афроамериканском искусстве публиковались в крупных изданиях по всему миру.
Дрискелл родился в 1931 году в Итонтоне, штат Джорджия, США. Он получил образование в Университете Говарда и получил степень магистра изящных искусств в 1961 году в Католическом университете Америки в Вашингтоне, округ Колумбия.Он имел звание заслуженного профессора искусств, заслуженного университета Мэриленда, Колледж-Парк. Он был удостоен награды «Выдающиеся выпускники в области искусства» Университета Ховарда в 1981 году и Американского католического университета в 1996 году. В октябре 1997 года Дрискелл был награжден Президентской медалью — высшей наградой, которую Университет Мэриленда награждает членом своей организации. факультет. Он получил президентскую медаль от Уильяма Джефферсона Клинтона в декабре 2000 года как получатель Национального фонда гуманитарных наук.После его ухода с преподавания в Университете Мэриленда в 1998 году был основан Центр Дэвида К. Дрискелла по изучению африканской диаспоры, чтобы способствовать его стипендии и служению университету.
По образованию художник и историк искусства, Дрискелл работал в основном в области коллажей и смешанной техники. Его картины и гравюры были представлены на многочисленных персональных и групповых выставках в галереях и музеях по всей территории США, включая Художественную галерею Коркоран, Художественный музей Балтимора, Оклендский музей и Музей американского искусства Уитни и другие.Он выставлялся на международных выставках в Англии, Голландии, Южной Африке, Польше, Бразилии, Японии и Чили и был получателем нескольких стипендий, среди которых Фонд Хармона, три стипендии Фонда Рокфеллера и Фонд Данфорта.
Чтобы получить полную биографию, загрузите, пожалуйста, PDF.
Дэвид МакКош | Художественный музей Джордана Шнитцера
Дэвид Джон МакКош родился в Сидар-Рапидс, штат Айова, в 1903 году.После получения степени бакалавра и магистра в Институте искусств Чикаго, работы и выставок в Айове, Иллинойсе и Нью-Йорке в начале 1930-х годов Маккош переехал в Юджин, штат Орегон, на должность преподавателя в Университете Орегона. С 1934 по 1970 год он читал курсы литографии, рисунка, масляной живописи и акварели и оказал влияние на поколение студентов-художников в UO. Собственная работа Маккоша, которая с годами становилась все более абстрактной, отражала его взаимодействие с его визуальным окружением и акцент на прямом наблюдении за природой.
После его смерти в 1981 году вдова художника, Энн Кутка МакКош, щедро организовала передачу большого количества произведений искусства, архивных материалов и личных вещей Маккоша Университету Орегона. Музей искусств Джордана Шнитцера, хранящий мемориальную коллекцию и архив Дэвида Джона Маккоша, является домом для самой большой коллекции работ Маккоша и связанных с ним. Эта важная коллекция содержит более тысячи масляных картин, акварелей, рисунков и гравюр, которые в настоящее время доступны для исследования.Архивные материалы включают переписку и личные документы художника, серию альбомов, датированных периодом с 1927 по 1979 год, слайды, сделанные художником во время его путешествий, и собрание устных историй на аудиозаписях, сделанных с друзьями и бывшими учениками художника. Есть одно интервью с артистом на аудиозаписи 1977 года.
Мемориальная коллекция и архив Дэвида Джона Маккоша находятся под надзором Фонда UO, исполнительного директора и куратора Маккоша Художественного музея Джордана Шнитцера, а также членов Консультативного комитета Маккоша: Сандры МакКош Леонард, Крейг Чешир, Эндрю Кук, Джон Джей Крузон и Роджер Сайдак.
Кроме того, в постоянной коллекции Художественного музея Джордана Шнитцера находится более 170 работ Дэвида Маккоша и несколько работ Энн Кутка МакКош.
Хронология
История выставки
Эссе: Создание Дэвида Маккоша: ранние картины, рисунки и гравюры
Каталог: Создание Дэвида Маккоша: ранние картины, рисунки и гравюры . Если вы хотите приобрести каталог, пожалуйста, свяжитесь с The Museum Store по телефону 541.346.6441
Видео: Искусство 1:01 Дэвид МакКош
Дэвид Пейнтер, DDS | Fort Wayne IN Стоматолог
«Помощь нашим пациентам в улучшении их жизни и здоровья — это удовлетворение. Объятия и искреннее «спасибо!» — это здорово! Я ценю каждого пациента за то, кто он такой и за то, что он приносит в наш офис: у каждого есть истории, которыми можно поделиться, и уроки, которыми можно поделиться, и мне нравится учиться на наших беседах ».
Доктор Дэвид Пейнтер вырос в Хоугленде, штат Индиана, и с 1995 года занимается стоматологией в Форт-Уэйне.Он добрый и нежный практик; внимательный к комфорту и желанию каждого пациента, он предоставляет каждому высококачественную помощь, которую он предлагает своим близким.
Благодаря своей независимой клинике доктор Пейнтер может разрабатывать лечение в соответствии с желаниями пациента. Он и его команда находят время, чтобы поговорить с каждым пациентом, узнать об их проблемах и целях, а также обсудить различные подходы к лечению для достижения самой здоровой улыбки.
Отказ от идеи «строгого подхода к стоматологии» гарантирует, что лечение каждого пациента будет эффективным, комфортным и действенным.
«Я начал работать в сфере здравоохранения, потому что мне нравится помогать другим. Вот в чем суть практики стоматологии «.
Образование и опыт
Доктор Пейнтер учился в Университете Иллинойса, где получил степень бакалавра наук. Затем он поступил в Университет Индианы, где получил степень доктора стоматологической хирургии (DDS).
Непрерывное образование является основой приверженности доктора Пейнтера своей профессии и своим пациентам.Он и его команда стремятся быть на шаг впереди в стоматологии: текущие исследования и разработки постоянно улучшают способы диагностики случаев, планирования лечения и предоставления услуг. Для доктора Пейнтера непрерывное образование — учебные клубы, встречи, лекции, семинары — это все возможности для улучшения качества обслуживания, которое он и его сотрудники предоставляют.
Доктор Пейнтер сосредоточился на развитии новых навыков, чтобы лучше удовлетворять потребности своих пациентов. В настоящее время он является одним из немногих стоматологов общего профиля в регионе, имеющих разрешение на седацию в штате Индиана, что позволяет ему оказывать внутривенные седативные препараты.Кроме того, он прошел многочисленные курсы повышения квалификации и тренинги по имплантологии, включая установку и реставрацию.
Профессиональные связи
За пределами стоматологии
Доктор Пейнтер и его семья проживают в Оберне, штат Индиана, более 25 лет. У него и Джули, его 36-летней жены, двое сыновей: Дэн недавно окончил Университет Пердью, а Джо — второкурсник Университета Святого Франциска. Семья с удовольствием поддерживает множество детских занятий и ценит время, проведенное вместе.
Доктор Пейнтер также является активным 25-летним членом Auburn Kiwanis, участвуя в многочисленных проектах, направленных на помощь детям.
Дэвид Парк · SFMOMA
Дэвид Парк · SFMOMAАмериканский
1911, Бостон, Массачусетс
1960, Беркли, Залив
Биография
Дэвид Парк оказал решающее влияние на развитие искусства Bay Area в свое время, положив начало новому историческому направлению в живописи.Фигуративное движение Bay Area теперь считается самым выдающимся вкладом этого района в американское искусство 20-го века. Парк переехал в Лос-Анджелес в 1928 году, чтобы поступить в Институт искусств Отиса, его единственное формальное образование, но бросил учебу менее чем через год. В 1944 году он начал преподавать в Калифорнийской школе изящных искусств (ныне Художественный институт Сан-Франциско) и перенял доминирующий в то время стиль абстрактной экспрессионистской живописи. Однако он никогда не чувствовал себя полностью комфортно в этом стиле и в 1949 году увез все свои абстрактные полотна на свалку в Беркли.«Искусство должно быть неприятным занятием», — заявлял он позже. По его мнению, репрезентативная живопись предназначена для «гораздо более проблемных картин». Парк стал первым из нескольких художников Bay Area (за ним последовали Ричард Дибенкорн и Элмер Бишофф), которые совместили густую краску и энергичные мазки с фигуративными предметами, такими как люди, занятые современной повседневной жизнью. Художник Роберт Бехтл, вспоминая тот момент середины 1950-х годов в Сан-Франциско, сказал: «Большинство художников в то время были очень привержены абстракции.Фигуративная работа выглядела шокирующе авангардной ». Конец 1950-х был чрезвычайно продуктивным для Парка. Однако на пике своего национального успеха ему диагностировали неизлечимый рак. Он продолжал работать до своей смерти несколько месяцев спустя.
Художник Дэвид Парк родом с Восточного побережья.
Дэвид Парк
Бостон-стрит Сцена
1954
Дэвид Парк
Обнаженная, положенная на бедро
ок.1955
Дэвид Парк
Бостон Коммон
1935
Дэвид Парк
Мать и дитя
1935
Дэвид Парк
Вавилонская башня, из класса> Серия Бытиякласс>
ок.1934
Дэвид Парк
Проклятие Каина, из класса> Серия Бытиякласс>
ок. 1934
Дэвид Парк
Адам и Ева из класса> Серия Бытие класс>
ок.1934
Дэвид Парк
Пьянство Ноя, из класса> Серия Бытие класс>
ок. 1934
Дэвид Парк
Жена Лота, из класса> Серия Бытие, класс>
ок.1934
Дэвид Парк
Иаков получает благословение Эссау от Исаака из класса> Серия Бытие класс>
ок. 1934
Дэвид Парк
Ревекка, из класса> Серия Бытие класс>
ок.1934
Дэвид Парк
Иосиф, брошенный в яму, из класса> Серия Бытие класс>
ок. 1934
Дэвид Парк
Сон фараона, из класса> Серия Бытиякласс>
ок.1934
Дэвид Парк
Животные входят в ковчег, из класса> Серия Бытие класс>
ок. 1934
Дэвид Парк
Обрезание, из класса> Серия Genesis, класс>
ок.1934
Дэвид Парк
Приношение Авраама, из класса> Серия Бытиякласс>
ок. 1934
Дэвид Парк
Лестница Иакова, из класса> Серия Бытиекласс>
ок.1934
Дэвид Парк
Сара предлагает Агарь Аврааму из класса> Серия Бытие класс>
ок. 1934
Дэвид Парк
Торс
1959
Дэвид Парк
Без названия (Лежащая обнаженная мужчина)
ок.1955
Обратите внимание, что расположение произведений искусства может быть изменено, и не все работы доступны для просмотра постоянно. Если вы планируете посетить SFMOMA, чтобы увидеть конкретное произведение искусства, мы рекомендуем вам связаться с нами по адресу collections@sfmoma.